Quando nel 1999 The Blair Witch Project sbarcò nelle sale con il suo budget ridicolo di 60 mila dollari e incassò oltre 240 milioni in tutto il mondo, il cinema horror cambiò per sempre. Quella formula vincente, fatta di found footage granuloso, folklore terrificante e una tensione atmosferica che non ti mollava mai, ha cercato imitatori per decenni. Paranormal Activity ci è andato vicino, ma The Blair Witch Project è rimasto un unicum, un fenomeno irripetibile nonostante sequel, reboot e persino videogiochi abbiano tentato di catturarne la magia. Fino ad oggi.

Nel marzo 2026 è uscito Undertone, opera prima di Ian Tuason prodotta da A24 con circa 500 mila dollari di budget. A metà aprile aveva già incassato oltre 20 milioni. Non siamo ai livelli stratosferici di Blair Witch, certo, ma il rapporto tra investimento e ritorno economico è impressionante. E soprattutto, per la prima volta dopo quasi tre decenni, un film horror riesce a replicare quella sensazione viscerale, quel disagio strisciante che aveva reso il classico del 1999 così memorabile.

Con un rispettabile 74% su Rotten Tomatoes e un passaparola che continua a crescere, Undertone non è semplicemente un buon film horror indie. È il degno erede spirituale che i fan stavano aspettando, costruito sugli stessi pilastri che avevano reso Blair Witch un capolavoro: atmosfera opprimente, folklore autentico e la capacità di terrorizzare senza mostrare quasi nulla.

The Blair Witch Project aveva capito una cosa fondamentale: ciò che non vedi fa più paura di qualsiasi creatura in CGI. La telecamera traballante, le immagini sfocate, l'oscurità impenetrabile del bosco, i suoni inspiegabili nella notte. Il film sfruttava la tecnologia del momento, le videocamere a nastro che tutti avevano in casa, per creare un senso di autenticità disturbante. La strega non si vedeva mai, ma la sua presenza permeava ogni fotogramma.

Undertone aggiorna questa filosofia per l'era moderna, sostituendo la videocamera amatoriale con un podcast sul paranormale. La protagonista Evy è una podcaster specializzata in misteri, e quando inizia a ricevere registrazioni audio inspiegabili e terrificanti, si trova catapultata in un'indagine che sfida la sua razionalità. La scelta narrativa è brillante: invece di affidarsi al visual horror, il film costruisce la tensione attraverso il sound design.

Immaginate di guardare un film dove la maggior parte della narrazione avviene attraverso testimonianze registrate, voci distorte, rumori ambigui che la protagonista e il pubblico devono decifrare insieme. È un cinema che ti mette nei panni del personaggio in modo totale. Non vedi quasi nessuno se non Evy e sua madre malata, confinata in una stanza al piano superiore. Tutti gli altri personaggi esistono solo come voci, registrazioni, presenze sonore. Questa scelta crea un senso di isolamento claustrofobico e soprattutto di inaffidabilità narrativa. Cosa è reale? Chi sta mentendo? Cosa sta realmente accadendo?

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Oggi, 1 aprile, arriva nelle sale italiane The Drama – Un segreto è per sempre, uno dei film più attesi e discussi della stagione. Diretto dal regista norvegese Kristoffer Borgli, il film segna un nuovo passo nella sua carriera dopo il successo di Dream Scenario – Hai mai sognato quest’uomo?. Al centro della storia troviamo una coppia d’eccezione per la prima volta insieme sullo schermo: Zendaya e Robert Pattinson. Un debutto che ha già acceso la curiosità del pubblico internazionale e che promette di mescolare emozioni, ironia e tensione psicologica.

Il film, distribuito in Italia da I Wonder Pictures, si presenta come un’opera ibrida, sospesa tra commedia romantica e dramma contemporaneo. La trama segue Emma e Charlie, due giovani professionisti di Boston che stanno preparando il loro matrimonio perfetto. Tutto sembra andare nella direzione del classico “per sempre felici e contenti”, fino a quando una confessione improvvisa, emersa quasi per gioco durante una serata alcolica, sconvolge completamente gli equilibri della coppia. Da quel momento, la relazione entra in crisi e i due protagonisti si ritrovano a mettere in discussione non solo il loro futuro, ma anche la reale conoscenza che hanno l’uno dell’altra.

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Ci sono storie che sembrano scritte per Hollywood, e quella di Kane Parsons è una di quelle. A soli 17 anni, questo ragazzo ha trasformato una fotografia inquietante trovata su un forum di internet in un universo horror che ha conquistato quasi 100 milioni di visualizzazioni su YouTube. Ora, a 20 anni, sta per portare la sua visione sul grande schermo con il supporto di A24, la casa di produzione che ha ridefinito il cinema horror contemporaneo, e di James Wan, il maestro dietro The Conjuring, Saw e Insidious.

Il trailer di Backrooms è appena stato rilasciato e ha già fatto gelare il sangue nelle vene degli appassionati del genere. L'uscita nelle sale è fissata per il 29 maggio 2026, e le aspettative sono altissime per quello che si preannuncia come un horror diverso da tutto ciò che abbiamo visto negli ultimi anni.

Backrooms nasce da un fenomeno virale che ha preso piede sui forum di internet come Creepypasta: una fotografia di una stanza vuota, con moquette gialla, pareti beige e luci al neon tremolanti. Un'immagine apparentemente banale ma che nasconde qualcosa di profondamente sbagliato, innaturale. L'idea alla base del concept è semplice quanto terrificante: esisterebbe un limbo nascosto dietro la realtà, un labirinto infinito di corridoi e stanze identiche dove si finisce quando si "esce dalla realtà" per errore.

Kane Parsons ha preso questa idea e l'ha trasformata in una serie di video found footage su YouTube che hanno catturato l'immaginazione di milioni di persone. La sua capacità di creare tensione attraverso l'uso di spazi vuoti, suoni ambientali disturbanti e una fotografia volutamente grezza ha dimostrato una maturità creativa rara per la sua età. Non è un caso che A24 abbia fatto un'offerta solo un anno dopo che la serie di Parsons era diventata virale.

Sono passati tre anni dall'annuncio iniziale del progetto cinematografico, e la strada verso la produzione non è stata priva di ostacoli. Gli scioperi della WGA e del SAG-AFTRA nel 2023 hanno ritardato l'inizio delle riprese, lasciando i fan nell'incertezza sul destino del film. Ma ora Backrooms è realtà, e Parsons diventa il regista più giovane ad aver mai collaborato con A24.

Il cast riunisce nomi di peso che aggiungono credibilità al progetto: Chiwetel Ejiofor, attore britannico candidato all'Oscar per 12 anni schiavo, Renate Reinsve, vincitrice del premio per la migliore interpretazione femminile a Cannes per È stata la mano di Dio, Mark Duplass, Finn Bennett, Avan Jogia e Lukita Maxwell. Un ensemble che mescola talento riconosciuto e nuove promesse, perfetto per un film che cerca di bilanciare autorevolezza e freschezza.

James Wan in veste di produttore è una garanzia per gli amanti dell'horror. Il suo approccio al genere ha sempre privilegiato l'atmosfera e la costruzione della tensione rispetto agli jump scare gratuiti, una filosofia che sembra allinearsi perfettamente con la visione di Parsons. La collaborazione tra il veterano e il giovane prodigio potrebbe risultare in qualcosa di davvero speciale, un ponte tra la tradizione del cinema horror e le nuove forme di narrazione nate nel mondo digitale.

Il trailer rilasciato da A24 mantiene l'estetica della serie YouTube: spazi claustrofobici e al contempo infiniti, luci industriali che creano ombre innaturali, un senso di disorientamento costante. Non ci sono mostri evidenti o sangue a fiumi, ma una presenza invisibile e minacciosa che pervade ogni inquadratura. È l'horror dell'assurdo, dell'impossibile che diventa reale, dello spazio familiare che si trasforma in trappola.

Quello che rende Backrooms particolarmente interessante nel panorama cinematografico attuale è la sua origine: non è un remake, non è basato su un bestseller o su un fumetto. Nasce da un meme, da una leggenda urbana digitale, da una creepypasta che ha preso vita grazie alla visione di un teenager con una telecamera e un computer. È la dimostrazione che il talento può emergere da qualsiasi parte e che le piattaforme digitali hanno democratizzato l'accesso al mondo della creazione di contenuti.

Kane Parsons ha scritto personalmente la sceneggiatura del film insieme a Roberto Patino, mentre la produzione vede coinvolti anche Shawn Levy, Christopher White, Dan Levine, Dan Cohen e Michael Clear. Un team che unisce esperienze diverse per dare vita a un progetto che sfida le convenzioni del genere horror.

L'uscita nelle sale è prevista per il 29 maggio 2026. Sarà interessante vedere come il pubblico cinematografico reagirà a un'estetica nata per lo schermo del computer e ora trasferita sul grande schermo. Backrooms rappresenta una scommessa: può un fenomeno virale tradursi in un'esperienza cinematografica completa? Se qualcuno può riuscirci, quello è proprio il ragazzo che ha iniziato tutto questo seduto nella sua camera da letto, armato solo di creatività e una visione inquietante del mondo nascosto dietro le pareti della realtà.

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Sarà che noi cinefili siamo un po’ come Nanni Moretti in Bianca, ma quando una coppia artistica si sfalda ci rimaniamo male personalmente, come due amici che si lasciano. Non arriveremmo all’omicidio come il personaggio di Michele Apicella, ma una visita ai separati di persona, per chiedere loro di ricongiungersi, la faremmo. È stato così quando si sono separati i fratelli Coen, a cui il percorso solista non sta poi andando così bene; ed è così anche per i fratelli Safdie, Josh e Benny. I quali, però, hanno da poco fatto uscire due film che non sfigurano rispetto ai loro lavori di coppia: due opere apparentemente molto diverse tra loro che, invece, paiono le facce speculari della stessa carta.

Divisi come due rami

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La leggenda di Robin Hood sta per subire una trasformazione radicale. Hugh Jackman sarà il protagonista di The Death of Robin Hood, un thriller prodotto da A24 che promette di essere l'adattamento più oscuro e violento mai realizzato sul celebre arciere di Sherwood. La Motion Picture Association ha appena confermato che il film avrà classificazione R, riservato a un pubblico adulto, per la presenza di "violenza sanguinosa intensa".

Si tratta di una svolta significativa per un personaggio che da decenni popola l'immaginario collettivo come eroe romantico e difensore degli oppressi. La maggior parte delle trasposizioni cinematografiche di Robin Hood ha infatti optato per classificazioni più permissive: le versioni con Russell Crowe, Kevin Costner e Taron Egerton hanno tutte ottenuto il PG-13, per cui erano accessibili a un pubblico adolescente. Il celebre film d'animazione Disney del 1973 rappresenta l'estremo opposto, con la sua classificazione G adatta a tutti, inclusi i bambini più piccoli.

The Death of Robin Hood si basa sulla ballata del XVII secolo "Robin Hood's Death", un testo molto più cupo rispetto alle storie tradizionali che conosciamo. Il film, scritto e diretto da Michael Sarnoski, presenterà un protagonista profondamente diverso dall'archetipo eroico: un uomo consumato dai rimorsi, che deve fare i conti con un passato violento. La trama ruota attorno a Robin Hood ferito dopo una battaglia, assistito da un'infermiera mentre riflette sulla sua vita di fuorilegge.

Il cast stellare include nomi di primo piano come Jodie Comer, Bill Skarsgård, Murray Bartlett e Noah Jupe. Skarsgård interpreterà Little John, il fedele compagno del protagonista, in quella che si preannuncia come una rilettura profondamente umana e tormentata del personaggio.

La classificazione R per violenza è particolarmente rara nel panorama delle produzioni dedicate a Robin Hood. Solo adattamenti minori come The Siege of Robin Hood e Robin Hood: Ghosts of Sherwood hanno raggiunto questo rating in passato, ma nessuno può vantare un cast e una produzione di questa portata. L'intervento di A24, casa di produzione nota per progetti autoriali e coraggiosi, garantisce un approccio cinematografico che punta alla qualità e alla complessità narrativa piuttosto che al semplice intrattenimento familiare.

The Death of Robin Hood non ha ancora una data di uscita precisa, ma è previsto per il 2026. Con Hugh Jackman alla guida, un regista visionario come Michael Sarnoski e il supporto produttivo di A24, questo progetto potrebbe finalmente offrire l'interpretazione definitiva e matura di una delle figure più iconiche della cultura popolare. La classificazione R è il primo segnale che questo Robin Hood non sarà quello che ricordiamo dalle favole della buonanotte.

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Quando pensi a Timothée Chalamet, l'immagine che ti viene in mente è probabilmente quella di un volto perfetto, quasi etereo, scolpito per il grande schermo. Eppure in Marty Supreme, il film di Josh Safdie, quel volto è stato completamente stravolto. Non parliamo solo di un cambio di look superficiale, ma di una trasformazione radicale che ha richiesto cinque protesi facciali, un'ora di trucco quotidiana e una scelta registica così estrema da lasciare l'attore letteralmente incapace di vedere chiaramente durante le riprese.

Mike Fontaine, il prosthetic makeup designer candidato ai Makeup and Hair Stylists Guild Awards e nella shortlist agli Oscar, spiega la filosofia dietro la trasformazione: "Non avrebbe avuto senso far calare Timothée in quel mondo facendolo sembrare una stella del cinema perfettamente curata". Josh Safdie sapeva esattamente cosa voleva. Cicatrici da acne, cheloidi, segni che suggerissero risse passate. Il volto di Marty doveva parlare prima ancora che aprisse bocca.

La sfida per Fontaine e il suo team non era solo creare le protesi, ma renderle invisibili. Dovevano integrarsi così perfettamente con la pelle di Chalamet da risultare parte di lui, non un effetto speciale da ammirare. Per questo, prima dell'inizio delle riprese vere e proprie, sono stati condotti test estensivi con il direttore della fotografia Darius Khondji. Le prove su set sono state fondamentali: dopo aver visionato i primi filmati insieme a Chalamet e Safdie, Fontaine si è reso conto che il makeup era troppo marcato, troppo presente. Ha dovuto riscolpire e rifare tutto da capo.

Il risultato finale prevedeva cinque protesi applicate ogni giorno sul volto dell'attore. Due pezzi grandi coprivano le guance per creare la texture di una pelle segnata dall'acne. Una protesi più evidente sul zigomo disegnava una cicatrice profonda su un lato del viso. Due pezzi più piccoli aggiungevano cicatrici sotto il labbro. E infine, una lunga cicatrice sotto il mento completava il ritratto di un ragazzo che ha vissuto duro. In una scena, Marty salta da una finestra e scende rapidamente da una scala antincendio per sfuggire alla polizia. Guardando quella sequenza, come nota Fontaine, "hai la sensazione che forse non è la prima volta che lo fa. Probabilmente ha preso qualche caduta, qualche colpo".

Durante le intense partite di ping-pong che punteggiano il film, Fontaine doveva anche "inzuppare Timothée di sudore finto", aggiungendo un ulteriore strato di realismo fisico a quelle sequenze sportive. Ma è la scelta più radicale di Safdie a rivelare quanto il regista sia disposto a spingersi per l'autenticità. Non si è accontentato di occhiali da vista scenici. Ha voluto distorcere realmente la visione di Chalamet. Il piano era questo: inserire lenti a contatto +10 negli occhi dell'attore per rendere tutto sfocato, e poi aggiungere occhiali con lenti -10 davanti a esse. Il risultato ottico creava l'illusione che gli occhi di Marty fossero davvero piccoli e ravvicinati, ma soprattutto significava che quando gli occhiali cadevano durante una scena, Chalamet non poteva letteralmente vedere nulla.

Safdie ha raccontato a Variety l'episodio della prova. Dopo aver indossato le lenti +10, Chalamet lo ha chiamato: "Ho le +10 dentro adesso, e sono piuttosto stordito". L'attore ha descritto la sensazione come essere "in una boccia per pesci", una distorsione totale della percezione spaziale. Eppure, fedele alla sua reputazione di performer totalmente dedicato, Chalamet non ha esitato: "Farò qualsiasi cosa tu mi chieda di fare", ha detto al regista.

Questa scelta non è solo un capriccio registico. È una strategia per estrarre una performance autentica. Quando un attore non può davvero vedere, quando deve muoversi in uno spazio con quella limitazione concreta, qualcosa cambia nel suo corpo, nelle sue reazioni, nella sua presenza. Non sta fingendo di essere miope, lo è davvero in quel momento. E quella verità fisica si traduce in verità cinematografica.

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Il cinema indipendente americano ha un nuovo protagonista. Marty Supreme, la commedia drammatica sul ping-pong diretta da Josh Safdie e interpretata da Timothée Chalamet, ha appena superato uno dei film più iconici nella storia di A24: Moonlight. Con 69,5 milioni di dollari incassati a livello mondiale, il film del 2025 ha oltrepassato i 64,8 milioni del capolavoro di Barry Jenkins, vincitore a sorpresa dell'Oscar per il miglior film nel 2017.

La corsa di Marty Supreme è iniziata il 25 dicembre 2025 con un'apertura da record per A24. Il film ha immediatamente infranto il precedente primato per un weekend di debutto della casa di produzione, segnalando fin da subito che si trattava di qualcosa di speciale. Realizzato con un budget stimato tra i 60 e i 70 milioni di dollari, Marty Supreme non ha ancora raggiunto il break-even, che secondo le stime tipiche dell'industria richiede incassi pari a due volte e mezzo il costo di produzione. Ma c'è tempo, e le prospettive sono più che solide.

Ma cosa rende Marty Supreme così attraente per il pubblico? La combinazione è esplosiva: un regista dalla visione unica come Josh Safdie, reduce dal successo di Uncut Gems, e Timothée Chalamet nel ruolo di Marty Mauser, un personaggio ispirato al leggendario giocatore di ping-pong professionista. Il cast include anche Gwyneth Paltrow, Odessa A'zion, Tyler Okonma e Kevin O'Leary, in una storia che mescola commedia, dramma e thriller nell'arco di 150 minuti.

Sebbene Marty Supreme non sia considerato un reale contendente per la vittoria finale agli Oscar, dove pellicole come Una battaglia dopo l'altra e Sinners sembrano favorite, la sua performance commerciale lo sta già affermando come uno dei film più rilevanti del 2025. È la dimostrazione che il cinema indipendente può ancora generare entusiasmo di massa, che le storie originali trovano spazio tra blockbuster e franchise, e che A24 continua a essere un laboratorio dove arte e commercio dialogano senza escludersi.

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In The Smashing Machine, film prodotto da A24 e diretto da Benny Safdie (co-regista di Diamanti grezzi), Dwayne "The Rock" Johnson interpreterà il leggendario lottatore dell’MMA Mark Kerr, trai i suoi alti, le sue vittorie e amori, e la sua lotta alla dipendenza. Una performance lontana dalle abituali corde della star, solitamente associata a grandi blockbuster, che rappresenta una possibile svolta per la sua carriera. In un'intervista con GQ, ha infatti rivelato:

Ho avuto questa presunzione e ho idealizzato come dovrebbe essere la mia carriera: pensiamo prima al pubblico. Quindi, quando ricevevo del materiale, lo guardavo e pensavo: “Riuscirà a raggiungere tutte le fasce di pubblico? Gli piacerà vedermi in questo ruolo? Per me [The Smashing Machine] è stata anche un'opportunità di mettermi alla prova e sfidare me stesso in modi in cui non lo avevo ancora fatto.

Sento di essermi evoluto e di essere cresciuto. Ciò che si è evoluto e cambiato, e lo dico con rispetto perché amo le persone, è che [il ruolo che scelgo] deve essere per me. Al cento per cento. Non per dire che “mai più grandi film”. Perché i grandi film sono divertenti e c'è un posto per loro nel nostro settore, per molte famiglie e persone in tutto il mondo che li apprezzano. Ma c'è anche un posto per me, nella mia carriera, in cui il materiale mi permette di affondare i denti in qualcosa di più profondo e più ricco.

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A24 ha fatto in modo che in alcuni cinema si sentirà profumo al mirtillo durante una scena cruciale nel film Heretic, in arrivo nelle sale statunitensi l'8 novembre.

La casa di produzione ha infatti collaborato con Joya Studio per realizzare delle proiezioni multi-sensoriali nei cinema Alamo Drafthouse. L'aroma sarà attivato grazie alla tecnologia di atomizzazione di Joya Studio, che utilizza la diffusione a freddo dell'aria per disperdere le molecole profumate, senza l'uso di calore, acqua o alcol. L'esperienza avrà luogo esclusivamente nelle anteprime del 30 ottobre nelle sale Alamo, mentre tutte le altre anteprime offriranno dolcetti esclusivi e carte da grattare e annusare.

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Da fine novembre sarà nelle sale italiane We Live in Time - Tutto il tempo che abbiamo, love story in cui Florence Pugh, interpreta una chef emergente, che, dopo aver messo su famiglia con il fidanzato Tobias (Andew Garfield), deve affrontare un cancro. Per vestire i panni del personaggio, l'attrice ha deciso fermamente di rasarsi a zero, dando priorità al film rispetto a Thunderbolts*, nuovo film Marvel le cui riprese sarebbe dovute partire subito dopo.

In un'intervista con THR, John Crowley, regista di We Live in Time, ha infatti raccontato:

Florence non ha detto a nessuno [che si sarebbe rasata la testa]. La cosa mi spaventava, pensavo: "È davvero coraggiosa”. L'ho incontrata per la prima volta in un bar per discutere di questo ruolo, e abbiamo iniziato a chiacchierare del copione e di ciò che le piaceva. E lei mi ha detto: “Voglio rasarmi la testa”. Prima di incontrarla, pensavo che mi avrebbe detto: “Cosa facciamo con i capelli?”. Quando l'abbiamo contattata per la prima volta non era disponibile a causa di Thunderbolts*, e stavamo per andare avanti [senza di lei] finché Fiona [Weir], la nostra direttrice del casting, ha detto: “Fatemi fare un'altra telefonata”. Così ha fatto un controllo incrociato e si è aperto uno spiraglio. Le riprese di Thunderbolts* erano state spostate di otto settimane, e otto settimane erano esattamente ciò di cui avevamo bisogno. È stato assurdo. Il giorno dopo aver terminato il nostro film, Florence sarebbe dovuta andare in Georgia per girare [Thunderbolts*], ma poi tutto è cambiato con lo sciopero [degli attori].

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Arrivano online nuovi scatti rubati dal set di Marty Supreme, il nuovo film di Josh Safdie (Diamanti grezzi) incentrato sul ping pong.

Protagonisti degli scatti sono Timothée Chalamet e Gwyneth Paltrow, ritratti in un bacio appassionato. Paltrow, ricordiamo, è qui al suo primo ruolo sullo schermo dal 2019.

Potete ammirare alcune foto e un video qui di seguito, qui ne sono disponibili altre.

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Il romanzo dark fantasy Fairy Tale di Stephen King diventerà una serie tv in dieci episodi prodotta da A24. Paul Greengrass, che aveva scritto una sceneggiatura per un film basato sul libro che avrebbe dovuto dirigere, dovrebbe essere ancora coinvolto nel progetto. J.H. Wyman (Fringe) sarà lo showrunner.

Fairy Tale racconta la storia di un ragazzo di 17 anni che eredita le chiavi di un portale ed entra in un mondo terrificante dove bene e male sono in guerra.

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"Ciao amici, abbiamo fatto un film": così il regista Isaiah Saxon ha presentato su Twitter il trailer del suo primo lungometraggio, The legend of Ochi, film d'avventura prodotto da A24. Nel cast troviamo Helena Zengel, Finn Wolfhard, Emily Watson e Willem Dafoe.

Ambientato nel 1996, il film racconta le vicende di una ragazzina di nome Yuri che vive in un remoto villaggio del nord: cresciuta con il divieto di allontanarsi e con il terrore delle creature della foresta note come Ochi, un giorno decide di avventurarsi nella natura dove incontra questa piccola scimmietta lasciata indietro dal suo branco. Yuri scoprirà che gli Ochi non sono una minaccia, e partirà per un'avventura con l'obiettivo di riunire la creatura alla sua famiglia.

Girato nel 2021, è stato completato nel giro di tre anni: le riprese si sono svolte in parte in Romania, tra i monti Apuseni e il lago Bâlea. A24 farà uscire il film negli Stati Uniti il 28 febbraio 2025. In Italia verrà distribuito da I Wonder Pictures e Unipol Biografilm Collection nel 2025.

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In Midsommar, horror di Ari Aster uscito nel 2019, Florence Pugh interpreta la protagonista Dani, che accompagna il suo ragazzo e altri amici a un festival in Svezia, finendo in mezzo a una pericolosa setta. Il finale vede la ragazza nominata Regina di Maggio: con una corona di fiori in testa, sceglie il suo partner, Christian, come vittima sacrificale.

Durante una recente intervista video per Wired con il collega Andrew Garfield, in occasione dell'uscita di We Live in Time, la star ha fornito la sua interpretazione di quanto accade nelle scene conclusive della pellicola. Ecco le sue parole:

Ho una versione diversa da quella di Ari. L'idea [comune] è che lei abbia avuto un crollo psicotico. Dal momento in cui sceglie, credo accidentalmente, di far bruciare Christian, il suo ragazzo, continua a svegliarsi e a tornare in questa sorta di crisi psicotica e quando arriva il momento finale, in cui tutto è dato alle fiamme, ho cercato di incarnare come mi sentivo a cinque anni durante la Notte dei falò. Volevo tornare a una vita molto piccola e semplice, a come le cose semplici facessero e facciano ancora sentire i bambini. Perché in quel momento ho pensato che lei non fosse più lì.

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We Live in Time, presto nei cinema statunitensi, racconta le diverse fasi della storia d'amore di una coppia interpretata da Andrew Garfield e Florence Pugh: dal primo incontro, all'arrivo dei figli, fino alla malattia di lei. Durante una proiezione in anteprima a New York, l'attore ha ricordato le riprese di una scena di sesso con la collega talmente intima...da costringere il direttore della fotografia Stuart Bentley a voltarsi. Ecco le sue parole:

La scena è diventata passionale, l'avevamo studiata e provata, ci siamo immersi e ci siamo spinti un po' più in là di quanto avremmo dovuto perché non abbiamo sentito dare lo stop alla ripresa e ci siamo sentiti al sicuro. E poi ci siamo detti: “Ok, facciamo questa cosa, poi quest'altra, lasciamo che progredisca e andiamo avanti”.

E a un certo punto, entrambi ci siamo detti telepaticamente: “Questa sembra decisamente una ripresa molto lunga”. Ho alzato lo sguardo e nell'angolo c'erano Stuart e il nostro microfonista. Stuart aveva la macchina da presa al suo fianco ed era girato verso il muro.

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Il film Babygirl, dopo la presentazione alla Mostra del Cinema di Venezia dove ha fatto conquistare il premio per la migliore interpretazione femminile alla sua protagonista, arriverà nelle sale americane a Natale. Il trailer del film con star Nicole Kidman e Harris Dickinson anticipa qualche anticipazione della storia di una donna in carriera che inizia una relazione con il suo giovane assistente.

Alla regia è impegnata Halina Reijn, già dietro la macchina da presa di Instinct e Bodies Bodies Bodies.

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Alcune foto di Timothée Chalamet nei panni del protagonista di Marty Supreme stanno cominciando a circolare su internet. Nelle immagini si vede l'attore sfoggiare un'acconciatura anni '50, occhiali rotondi con montatura in metallo e una camicia bianca oversize sotto un gilet blu.

Ecco alcune foto che stanno popolando il web:

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Dopo la presentazione al Festival di Berlino lo scorso febbraio, da questo weekend è finalmente nelle sale italiane Love Lies Bleeding, nuovo lungometraggio di Rose Glass. Il film narra della passionale e turbolenta love story tra Lou (Kristen Stewart), che gestisce la palestra del padre, e Jackie (Katy O’Brian), un’ambiziosa culturista diretta a Las Vegas per inseguire il suo sogno. Che l'abbiate visto nei giorni scorsi o che aspettavate questo specialino per fiondarvi in sala (si scherza), ecco cinque titoli che vi consigliamo di recuperare, prima o dopo la visione.

Room 55

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Sarà A24 a distribuire The Brutalist negli Stati Uniti: l'accordo è stato firmato dopo che il film ha vinto il Leone d'Argento per la miglior regia al Festival di Venezia. Secondo quanto riporta Variety, diversi studios si sarebbero contesi i diritti di distribuzione, con A24 che ha vinto l'asta per circa 10 milioni di dollari. Il film di Brady Corbet, girato interamente in pellicola VistaVision e lungo 215 minuti (con un intervallo di 15 minuti), è costato una quindicina di milioni di dollari ed è stato sviluppato nell'arco di quasi un decennio.

Focus Features (etichetta di Universal Pictures) detiene già i diritti di distribuzione internazionali, Italia inclusa. Non è stata ancora annunciata una data di uscita, ma è chiaro che se A24 e Focus punteranno agli Oscar il lancio verrà calibrato sulla stagione dei premi. Dopo la presentazione a Venezia e a Toronto, il prossimo appuntamento per The Brutalist è al New York Film Festival. Trovate la nostra recensione qui.

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Sono cinque anni che Gwyneth Paltrow è assente dagli schermi: la sua ultima apparizione risale ad Avengers: Endgame.

L'attrice infatti aveva scelto di ritirarsi per dedicarsi a tempo pieno alla sua azienda di benessere Goop, fondata nel 2008. Ora però Paltrow sta per tornare e lo farà accanto a Timothée Chalamet in un film di Josh Safdie, Marty Supreme, incentrato sul ping pong.

Non si sa ancora nulla sulla trama del film, ma A24 ha pubblicato l’immagine di una pallina da ping pong con le parole “coming soon” dopo che Variety ha rivelato la notizia del progetto a luglio. Ancora non si sa nemmeno quale sarà il ruolo di Paltrow.

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