Il genere cinecomic non è mai stato così vivo come in questo momento, eppure mai come adesso una parte del pubblico lo guarda con stanchezza. Anni di universi condivisi, sequel obbligatori, post-credits che rimandano sempre al prossimo capitolo: la formula si è logorata per chi non ha voglia di seguire trenta film in ordine cronologico per capire cosa sta succedendo sullo schermo. Su Netflix, però, esistono due cinecomic che funzionano in modo completamente diverso: nessuna continuity da inseguire, nessun personaggio da conoscere in anticipo, nessun obbligo di aver visto niente prima. Solo storie che stanno in piedi da sole, con una qualità visiva e narrativa che molti dei film Marvel degli ultimi anni non hanno raggiunto.

The Old Guard: Charlize Theron e il peso dell'immortalità

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La macchina organizzativa della prima serata televisiva estiva è già entrata nel vivo della sua attività frenetica, attirando come ogni anno l'attenzione morbosa dei telespettatori e degli addetti ai lavori. Con l'avvicinarsi della stagione calda, il pubblico dei canali Mediaset ha iniziato a interrogarsi sulle novità strutturali e sulle possibili modifiche logistiche pensate dalla produzione per rinnovare la formula del docu-reality. Le prime indiscrezioni legate alla sigla e ai dettagli di contorno avevano alimentato l'ipotesi di un trasferimento drastico verso nuovi lidi geografici, sollevando accesi dibattiti sulle piattaforme digitali. Nelle ultime ore, tuttavia, le decisioni dei vertici di Fascino sono diventate definitive, delineando una strategia che predilige la stabilità organizzativa e l'efficacia dei risultati ottenuti nelle stagioni precedenti rispetto al rischio dell'innovazione forzata.

La scelta della cornice ambientale non rappresenta un semplice dettaglio di sfondo, ma costituisce l'ossatura fondamentale su cui si sviluppano i percorsi emotivi dei protagonisti. Gli spazi dedicati alla convivenza forzata devono infatti garantire il perfetto isolamento dei due gruppi, offrendo al contempo scenari suggestivi per i momenti più drammatici del programma.

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Dopo il successo travolgente di "Benvenuti al Sud", che aveva conquistato il pubblico italiano raccontando le disavventure di un milanese costretto a trasferirsi in Campania, il sequel del 2012 ribalta completamente la prospettiva. "Benvenuti al Nord" diretto da Luca Miniero riporta sullo schermo la coppia comica formata da Claudio Bisio e Alessandro Siani, ma questa volta è il Nord a essere messo sotto la lente d'ingrandimento per smontare i luoghi comuni e ribaltare le aspettative. L'appuntamento è per stasera, su Cine 34, alle ore 21.00.

Alberto Colombo, impiegato delle Poste originario della Brianza, è finalmente riuscito a ottenere quella promozione tanto agognata che gli permette di tornare nella sua amata Milano, dopo anni trascorsi al Sud. Il sogno del rientro a casa, però, si rivela ben presto più complesso di quanto immaginasse. La Milano che ritrova non è esattamente il paradiso di efficienza e ordine che aveva idealizzato durante la permanenza meridionale.

Nel frattempo, Mattia Volpe, il postino napoletano che nel primo film aveva accolto Alberto con diffidenza e che poi era diventato suo amico, si trova ad affrontare una crisi coniugale profonda. La relazione con Maria attraversa momenti difficili, complicata ulteriormente dalla convivenza forzata con la madre di Mattia, una presenza ingombrante che non facilita certo l'intimità della coppia. Di fronte a questa situazione, Mattia decide di compiere un passo audace: trasferirsi temporaneamente a Milano, dove Alberto si è offerto di ospitarlo.

Quello che si crea è uno scambio di ruoli perfetto. Se nel primo capitolo era Alberto a dover fare i conti con una cultura diversa, con ritmi e abitudini lontani anni luce dal suo mondo brianzolo, ora è Mattia a sperimentare lo spaesamento in una metropoli nordica che appare fredda, frenetica e poco accogliente. Ma c'è un colpo di scena: anche Alberto, tornato nella sua terra, scopre di non riconoscersi più completamente in quel contesto, di essere cambiato, di aver assorbito qualcosa del Sud che lo ha ospitato.

La forza narrativa del film risiede proprio in questo ribaltamento. Luca Miniero costruisce una commedia che non si limita a riproporre la formula vincente del predecessore, ma ne approfondisce i temi affrontando le difficoltà culturali da una prospettiva opposta. Gli stereotipi sul Nord vengono decostruiti con la stessa ironia con cui il primo film aveva smontato i pregiudizi sul Mezzogiorno: la presunta efficienza si scontra con la burocrazia, la modernità nasconde solitudine e distacco umano, il mito del benessere economico convive con problemi relazionali altrettanto profondi.

Il cast, oltre alla coppia protagonista, si arricchisce di interpreti di grande talento. Angela Finocchiaro veste i panni di Silvia Colombo, la moglie di Alberto che sta attraversando le proprie difficoltà matrimoniali. Valentina Lodovini è Maria Flagello, la compagna di Mattia in crisi. Completano il quadro Paolo Rossi, Nunzia Schiano nel ruolo della madre di Mattia, Nando Paone, Giacomo Rizzo e persino un cameo musicale di Emma Marrone.

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Al Festival di Cannes 2026, nella sezione Un Certain Regard, è arrivato un film che ha già diviso la critica internazionale prima ancora che il dibattito si consolidasse in una direzione. Si chiama Victorian Psycho, è una commedia horror ambientata nell'Inghilterra vittoriana del 1858, e il motivo per cui la conversazione attorno a lui è diventata tanto accesa riguarda esattamente ciò che il titolo promette: la sovrapposizione tra l'austerità moralista dell'epoca più rigida della storia britannica e una protagonista che nasconde dietro la facciata impeccabile della governante perfetta una natura oscura e profondamente disturbante. A portare in scena Winifred Notty è Maika Monroe, la star di It Follows, attrice che ha fatto del cinema di genere la propria casa d'elezione. Alla regia c'è Zachary Wigon, alla sceneggiatura l'autrice del romanzo da cui il film è tratto, Virginia Feito, che ha scritto direttamente per il cinema la propria storia.

La trama: una governante eccentrica con un segreto devastante

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Quando il sogno si scontra con la realtà, quali strade siamo disposti a percorrere? Marta Sironi, trentacinque anni e una vocazione ostinata per la comicità, si ritrova con le spalle al muro dopo l'ennesimo fallimento a un concorso di stand-up comedy. Senza lavoro, senza casa, con solo l'amica Fabiana disposta a darle un tetto per tre giorni, a condizione che abbandoni quella che tutti considerano un'illusione. Ma Marta non è il tipo che si arrende facilmente.

È questa la premessa di "Cercasi tata disperatamente", la nuova commedia sentimentale della collana "Purché Finisca Bene" che andrà stasera, 24 maggio 2026 in prima serata su Rai 1, alle 21.30. Diretta da Laura Chiossone e scritta da Pietro Seghetti e Greta Frontani, la pellicola vede protagonisti Elena Radonicich e Giorgio Pasotti in una storia che mescola equivoci, bugie necessarie e quella leggerezza capace di strappare un sorriso costante.

La trama prende una piega inaspettata quando Marta viene ripescata nel concorso di comicità proprio mentre la sua vita sembra implodere. Per partecipare, però, le serve un posto dove stare. La soluzione arriva sotto forma di un annuncio: Lorenzo Nuti, interpretato da Giorgio Pasotti, cerca disperatamente una tata per i suoi due figli difficili, Chiara e Luigi. Il problema è che Marta di educazione infantile non sa nulla. La soluzione? Trasformarsi in "Frau Klara", una severa e qualificatissima tata tedesca.

Il travestimento funziona, almeno inizialmente. Lorenzo, un vedovo quarantacinquenne che fatica a gestire il dolore dei figli per la perdita della madre, crede di aver finalmente trovato la disciplina che serve alla sua famiglia. Ma quando Chiara e Luigi scoprono la verità, invece di smascherarla subito, scelgono una strada più tortuosa: il ricatto. In cambio del silenzio, vogliono maggiore libertà in casa. Si innesca così un gioco di equilibri precari, piccole bugie che si accumulano, doppia vita che Marta deve gestire tra il palco della stand-up comedy e la casa dei Nuti.

La produzione, realizzata da Pepito Produzioni in collaborazione con Rai Fiction e con il contributo del Fondo per lo sviluppo degli investimenti nel cinema e nell'audiovisivo, mantiene la vocazione che ha reso celebre la collana: storie che parlano di amore, famiglia, seconde possibilità e capacità di riscatto personale. Temi universali che risuonano particolarmente nella sensibilità italiana, dove la dimensione familiare rappresenta ancora un pilastro identitario forte.

"Cercasi tata disperatamente" rientra nella tradizione di commedia all'italiana che sa essere leggera senza essere vuota, capace di far sorridere mentre pone domande non banali. Cosa siamo disposti a sacrificare per i nostri sogni? Quanto possiamo spingerci prima che le bugie si rivoltino contro di noi? E soprattutto: è possibile trovare sé stessi proprio quando fingiamo di essere qualcun altro?

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Con l'arrivo della stagione calda, si rinnova il consueto valzer dei palinsesti televisivi. Tra i congedi più significativi della programmazione pomeridiana c’è, come ogni anno, quello di Uomini e Donne.

Il dating show targato Fascino PGT e condotto da Maria De Filippi saluta il suo fedelissimo pubblico, lasciando un vuoto nel daytime di Canale 5 che Mediaset è già pronta a colmare con una strategia fluida e mirata.

Non si tratta, sia chiaro, di una chiusura definitiva o di un calo di ascolti. Al contrario, il format si conferma un prodotto fondamentale del Biscione, capace di registrare share stabilmente superiori al venti per cento. La sospensione risponde a una duplice esigenza strategica ed editoriale.

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Quentin Tarantino ha realizzato il sogno che aveva nel cassetto da parecchio tempo: portare sul grande schermo, in un'unica opera da quattro ore, le gesta della Sposa e la sua vendetta contro Bill. Un'idea che coltivava fin dall'inizio, ma che fu ostacolata dai produttori, spaventati dal fatto che la sua durata, considerata "eccessiva", avrebbe allontanato il grande pubblico. Oggi, a più di vent'anni dall'uscita originale, questa versione è pronta a raggiungere i nostri schermi, grazie a Plaion Pictures e Midnight Factory.

Infatti, dal 28 maggio fino al 3 giugno, per un'intera settimana, uscirà nei nostri cinema l'attesismo Kill Bill: The Whole Bloody Affair, la versione definitiva del capolavoro del grande maestro, per la prima volta proposta in versione integrale, con scene inedite in un unico film, con una durata complessiva di ben 281 minuti. Tra le scene mai viste prima,  ci saranno diversi minuti nel segmento anime dedicato al personaggio di O-Ren Ishii (interpretata da Lucy Liu).

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Il cinema drammatico hollywoodiano si prepara ad accogliere un'opera che promette di scuotere profondamente l'opinione pubblica e di ridefinire il legame intimo tra l'attore e il proprio personaggio sullo schermo. La pubblicazione del primo trailer ufficiale di Couture ha acceso i riflettori su una produzione cinematografica di straordinaria intensità, dove la finzione narrativa si fonde in modo quasi spietato con la biografia della sua interprete principale. Angelina Jolie torna sul grande schermo rivestendo un ruolo di enorme complessità psicologica, prestando il proprio corpo e il proprio volto a una storia che tocca corde emotive di sconvolgente attualità. La pellicola non si limita a raccontare una vicenda di finzione legata all'universo della moda d'alta classe, ma scava a fondo in un dramma umano che rispecchia in modo speculare le battaglie personali che la stessa attrice ha dovuto affrontare nella sua vita privata al di fuori dei riflettori.

Il trailer offre una panoramica cruda e priva di filtri protettivi sulla vulnerabilità del corpo umano, mostrando la protagonista alle prese con una diagnosi medica spietata che mina le fondamenta della sua identità. La scelta di abbracciare una sceneggiatura così densa e dolorosa evidenzia la volontà dell'icona del cinema mondiale di trasformare l'esperienza clinica personale in uno strumento di narrazione collettiva.

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C'è un momento nella storia del cinema italiano in cui tutto si allinea perfettamente: il regista giusto, gli attori giusti, la storia giusta. Matrimonio all'italiana rappresenta proprio quell'alchimia irripetibile che ha attraversato sessant'anni senza perdere un grammo della sua potenza emotiva. Diretto da Vittorio De Sica nel 1964, il film rappresenta uno dei vertici assoluti della commedia all'italiana, quel genere unico che sa far ridere e commuovere nella stessa scena, che trasforma il dramma sociale in intrattenimento popolare senza mai banalizzare. L'appuntamento è per stasera, su Rai Movie, alle 21.10.

La storia prende le mosse durante la Seconda Guerra Mondiale, tra i bombardamenti che devastano Napoli. È qui che Domenico Soriano, cinico uomo d'affari pasticciere interpretato da un Marcello Mastroianni in stato di grazia, incontra Filumena Marturano. Lei è Sophia Loren, giovane ragazza di campagna con un passato da prostituta, una di quelle donne che la guerra ha costretto a vendere il proprio corpo per sopravvivere. Quello che nasce tra loro non è amore, almeno non all'inizio: è un accordo, una relazione di convenienza che si protrae per oltre vent'anni.

Ma Filumena ama Domenico. Lo ama con quella disperazione tutta napoletana, con quella capacità di resistere all'umiliazione che solo chi ha conosciuto il fondo può permettersi. Per vent'anni resta al suo fianco come amante, mai come moglie, sempre nell'ombra, sempre pronta a farsi da parte quando lui decide di corteggiare altre donne. Domenico, dal canto suo, non prende mai sul serio la loro relazione: Filumena è la donna di casa, quella che c'è sempre, ma non è la donna da sposare. Per lui, il passato di lei è una macchia indelebile.

La svolta arriva quando Filumena, stanca di aspettare un riconoscimento che non arriverà mai, decide di giocare la carta più estrema: finge di essere in punto di morte. È un inganno teatrale, degno della migliore tradizione napoletana, dove l'astuzia diventa arma di sopravvivenza. Domenico, colto dal rimorso e forse da un affetto più profondo di quanto voglia ammettere, acconsente a sposarla sul letto di morte. Ma quando scopre la truffa, la reazione è violenta: annulla il matrimonio, si sente tradito, umiliato.

È a questo punto che Filumena rivela la sua verità più sconvolgente, quella che cambierà per sempre le carte in tavola e costringerà Domenico a fare i conti con se stesso e con vent'anni di egoismo mascherato da cinismo. La donna ha tre figli, uno dei quali dello stesso Domenico, ai quali vuole garantire il cognome Soriano. Il colpo di scena rappresenta uno dei momenti più potenti del cinema italiano, un finale che ribalta prospettive e giudizi morali.

La sceneggiatura, tratta dalla commedia teatrale di Eduardo De Filippo, mantiene tutta la forza drammaturgica dell'originale, quella capacità di scavare nell'animo umano senza mai perdere il ritmo della commedia. De Sica orchestra il tutto con la maestria che gli è propria, alternando momenti di grande comicità a scene di pura intensità emotiva. La Napoli che emerge dal film è quella autentica, popolare, con le sue contraddizioni, il suo vitalismo, la sua capacità di trasformare il dolore in resilienza.

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Nicolas Cage, icona del cinema capace di passare con disinvoltura dall'action all'indie più sperimentale, ha confessato, durante la premiere di Longlegs, una verità inaspettata: il suo serial killer, un adoratore di Satana che ha terrorizzato famiglie intere per oltre trent'anni, ha matrice nella figura di sua madre.

La genesi del personaggio parte da uno scambio inatteso tra attore e regista. Quando Perkins gli ha inviato la sceneggiatura, gli ha confidato che Longlegs era in qualche modo un film su sua madre. Una dichiarazione sorprendente per un horror, ma che ha innescato qualcosa in Cage. Leggendo le pagine, l'attore ha iniziato a sentire la voce di Joy Vogelsang, sua madre scomparsa nel 2021 all'età di ottantasei anni.

"Ho sentito la sua voce e il modo in cui si muoveva", ha spiegato Cage. "E improvvisamente ho pensato: posso mettere questo nel personaggio". Una trasposizione che non ha nulla a che vedere con il satanismo o la violenza del personaggio, ci tiene a precisare l'attore, ma con qualcosa di più profondo e doloroso. "Non era satanista, ma ne ha passate tante" ha aggiunto, lasciando intendere le difficoltà affrontate dalla madre nel corso della vita.

È un approccio che rivela il metodo Cage, sempre alla ricerca di ancoraggi emotivi anche nei personaggi più estremi. Per Longlegs, l'attore ha cercato di scavare nelle motivazioni profonde, in ciò che può spingere una mente oltre il limite della sanità. "Ho cercato di capire cosa fosse emotivo, cosa avesse reso questo personaggio insano", ha raccontato. "Posso trovare empatia e compassione anche se fa cose orribili? Non è lui, di per sé, sono le voci che sente".

L'ispirazione non si è fermata ai ricordi materni. Cage ha pescato anche dal cinema che ama, in particolare da Le notti di Cabiria di Federico Fellini del 1965, film che negli Stati Uniti è noto come Juliet of the Spirits. In quella pellicola fantastica appare un profeta androgino la cui voce, nonostante fosse in italiano, è rimasta impressa nella memoria dell'attore. Quella cadenza, quel timbro peculiare, sono confluiti nella costruzione vocale di Longlegs.

Il risultato è un personaggio quasi irriconoscibile. Chi ha visto il film descrive Cage con lunghi capelli bianchi, il viso coperto da un trucco pallido e labbra rosa shocking. Una voce agghiacciante che occasionalmente si trasforma in un canto sinistro. Un mix tra il Joker di Heath Ledger in Il cavaliere oscuro e Tiny Tim, il cantante dall'aspetto eccentrico famoso per Tiptoe Through the Tulips. Una maschera totale che ha permesso all'attore di liberarsi dai vincoli della propria immagine.

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Su RaiPlay c'è un doppio binario narrativo che vale la pena esplorare, dove il romanticismo si intreccia con l'introspezione, l'avventura con la malinconia, e dove l'amore non è sempre dove pensi di trovarlo.

1. Amori in corsa

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Il cinema thriller ad alta tensione ha trovato nel nuovo lungometraggio diretto da Sam Raimi una spietata metafora visiva sulle tossiche dinamiche del potere e del privilegio societario. La pellicola segue la deriva di Linda Liddle, interpretata da una straordinaria Rachel McAdams, un'impiegata remissiva e costantemente sminuita dal suo narcisista e arrogante capo Bradley Preston, interpretato da Dylan O'Brien. Un catastrofico incidente aereo nel Golfo thailandese trasforma radicalmente lo scenario, lasciando i due come unici sopravvissuti su un'isola apparentemente deserta e priva di risorse. In questo contesto selvaggio, i ruoli di subordinazione della vita reale si invertono drasticamente: l'insospettabile dipendente si rivela una fredda esperta di tecniche di sopravvivenza, riducendo rapidamente il suo superiore a una condizione di totale e miserabile dipendenza. La narrazione instilla nello spettatore la convinzione di assistere a una classica rivalsa femminista contro il patriarcato aziendale, ma il terzo atto demolisce questa illusione.

La seconda metà dell'opera accelera verso una spirale di violenza inaudita, scardinando la morale della protagonista e trasformandola in una figura profondamente inquietante. Il velo dell'inganno cade definitivamente quando Bradley riesce a esplorare una porzione dell'isola che la donna gli aveva categoricamente vietato di raggiungere, facendo una scoperta sconvolgente.

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Il 79simo Festival di Cannes è giunto al termine e oggi, 23 maggio, la giuria presieduta dal regista sudcoreano Park Chan-Wook ha annunciato i vincitori per le varie categorie, tra cui la Palma d’oro. Tante le conferme, tante le sorprese e, purtroppo, anche alcune delusioni cocenti, tra film in concorso, fuori e nelle altre sezioni parallele. In ogni caso, questa edizione non ha mai smesso di emozionarci, e noi di BadTaste l’abbiamo seguita interamente per voi.

I grandi film non sono mancati. Tra le perle cinematografiche sbarcate quest’anno sulla Croisette è impossibile non menzionare Fatherland di Pawel Pawlikoski, che sin dal terzo giorno si è imposto come il titolo da battere. Ma anche All of a Sudden, il ritorno di Ryusuke Hamaguchi in concorso a cinque anni dal folgorante Drive my car, Minotaur del russo Andrei Zvjagincev, El ser querido di Rodrigo Sorogoyen e soprattutto Hope di Na Hong-jin, senza dubbio il titolo più discusso, chiacchierato, amato e odiato del festival. E infine, la mina vagante che non ti aspetti: La bola negra di Javier Ambrosi e Javier Calvo. Un’opera ambiziosa, ma anche fresca, vitale e intima. 20 minuti di standing ovation, la terza più lunga della storia di Cannes. Un’altra edizione, insomma, si è conclusa. E ora si pensa già all'80sima. Ma prima, ecco l’elenco completo dei vincitori per le varie categorie e per la Palma d’oro 2026.

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Netflix ha ufficialmente avviato lo sviluppo di una nuova miniserie ambientata nell'universo de La Casa di Carta, focalizzata sulla figura del Colonnello Luis Tamayo. Il progetto, che circola negli ambienti produttivi sotto il titolo provvisorio di Buscametales, si discosta dalla struttura corale della serie madre per adottare un formato più asciutto, articolato in soli quattro episodi.

La narrazione inverte radicalmente il punto di vista consolidato nel franchise. Non saranno più le strategie di fuga dei rapinatori a guidare la tensione, bensì l’ossessione burocratica e operativa di Tamayo, interpretato nuovamente da Fernando Cayo, nel recuperare fisicamente le riserve auree sottratte durante l'assalto finale alla Banca di Spagna. Questa scelta sposta il genere dal heist movie a una sorta di poliziesco procedurale, dove l'attenzione si concentra sulle risorse — e sui fallimenti — delle forze dell'ordine nel gestire le conseguenze di una crisi che ha umiliato lo Stato spagnolo.

Arriva una nuova serie sulla scia de La Casa di Carta

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All the Lovers in the Night arriva alla sezione Un Certain Regard del Festival di Cannes in un momento particolarmente significativo per il cinema giapponese. Quest'anno il Giappone è infatti il Paese d'Onore del Marché du Film, e per la regista Yukiko Sode questo timing porta con sé un doppio valore: l'onore di rappresentare la propria cinematografia nazionale e l'opportunità di mettere alla prova la forza universale del suo lavoro.

Il film è l'adattamento cinematografico del romanzo introspettivo di Mieko Kawakami, una delle voci letterarie più interessanti del Giappone contemporaneo. La storia segue Fuyuko, una correttrice di bozze freelance la cui esistenza solitaria e routinaria viene scossa dall'incontro con Mitsutsuka, un insegnante di fisica. Due persone ai margini, quasi invisibili agli occhi del mondo, che si incrociano in quella terra di mezzo dove solitudine e desiderio di connessione si incontrano.

Per Sode, la sfida principale non è stata la pressione di adattare un'opera amata, ma piuttosto il piacere di un'esplorazione creativa continua. Trasformare l'introspezione in prima persona del romanzo in un linguaggio cinematografico visivo richiedeva di esternalizzare un mondo interiore, un compito che la regista descrive come un processo di godimento più che di peso. La questione centrale era: come rendere visibile ciò che accade dentro, senza tradire la natura contemplativa dell'originale.

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Netflix ha deciso di rivisitare uno dei thriller d'azione più iconici degli anni Settanta. Il colosso dello streaming ha messo in cantiere un nuovo adattamento di Getaway!, il film del 1972 che consacrò Steve McQueen come icona del cinema action e che ancora oggi rappresenta un punto di riferimento per il genere. A dirigere questa nuova versione sarà Philip Barantini, il filmmaker britannico reduce dal clamoroso successo di Adolescence, la miniserie che ha conquistato pubblico e critica diventando uno dei prodotti televisivi più celebrati dell'ultimo decennio.

La sceneggiatura sarà firmata da Peter Craig, nome di peso nell'industria hollywoodiana. Craig ha alle spalle crediti importanti come The Town di Ben Affleck, The Batman e Bad Boys for Life, dimostrando una particolare abilità nel costruire storie criminali dense di tensione morale e azione calibrata. Il suo coinvolgimento garantisce una struttura narrativa solida, capace di bilanciare la componente adrenalinica con quella psicologica. Craig non si limiterà a scrivere: produrrà il progetto insieme a Bryan Unkeless attraverso la loro società Night Owl Stories, la stessa che ha appena prodotto per Netflix l'acclamato adattamento di Remarkably Bright Creatures.

Il film originale, uscito nel 1972, vedeva Steve McQueen e Ali MacGraw nei panni di una coppia alle prese con un colpo impossibile. Lui è un ex detenuto costretto a rapinare una banca texana come condizione per ottenere la libertà. Lei è la moglie che lo affianca in un'impresa che si trasforma rapidamente in incubo. Dopo un tradimento letale, i due si ritrovano braccati da criminali traditi, poliziotti e killer violenti, costretti a una fuga attraverso un Texas arroventato dal sole e dalla violenza. La regia era di Sam Peckinpah, maestro del cinema macho e visionario dietro capolavori come Il mucchio selvaggio, mentre la sceneggiatura portava la firma di Walter Hill, che avrebbe poi diretto classici action come I guerrieri della notte e 48 ore.

Il film si basava sul romanzo del 1958 scritto da Jim Thompson, autore pulp noto per le sue storie nere e senza redenzione. Nel 1994 era già stato tentato un remake con Alec Baldwin e Kim Basinger, accolto tiepidamente e presto dimenticato. Questa nuova versione ambisce evidentemente a qualcosa di diverso, puntando su un'identità autoriale forte e su un approccio visivo che potrebbe rileggere il materiale originale attraverso una sensibilità contemporanea.

Il remake dimostra la volontà di Netflix, di continuare a investire su proprietà intellettuali consolidate, rileggendole con sguardo moderno e affidandole a talenti emergenti o in ascesa. Ora la palla passa a Barantini, che dovrà interpretare a modo suo la brutalità e il cinismo del materiale originale, e riuscire a infondere in questa storia di criminalità e redenzione mancata quella stessa intensità emotiva che ha caratterizzato i suoi lavori precedenti.

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Cate Blanchett ha annunciato i nomi dei cinque registi selezionati per la seconda edizione del Displacement Film Fund, il fondo dedicato alla produzione di cortometraggi sulle storie di sfollamento forzato. L'attrice due volte premio Oscar, produttrice e ambasciatrice di buona volontà dell'UNHCR, ha presentato i nuovi beneficiari durante un panel al Festival di Cannes 2026, moderato da Clare Stewart, direttrice generale del Festival Internazionale del Cinema di Rotterdam.

I registi scelti per questa seconda fase sono Mohammed 'Mo' Amer, Annemarie Jacir, Akuol de Mabior, Bao Nguyen e Rithy Panh. Ciascuno di loro riceverà un finanziamento di 100.000 euro, circa 116.000 dollari, per realizzare un cortometraggio che debutterà in anteprima mondiale al Festival di Rotterdam nel 2027. Rithy Panh non ha potuto partecipare all'evento di Cannes perché attualmente impegnato in produzione.

Oggi una persona su settanta nel mondo è costretta a lasciare la propria casa a causa di conflitti, guerre o persecuzioni, configurando una crisi senza precedenti a livello globale. Proprio per questo, il Displacement Film Fund è stato lanciato ufficialmente lo scorso anno, dopo essere stato presentato al Global Refugee Forum dell’UNHCR, il più grande incontro mondiale dedicato alle sfide affrontate dai rifugiati e dalle comunità che li ospitano.

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Quando una serie televisiva riesce a far arrabbiare Elon Musk al punto da strappargli una recensione pubblica, significa che ha colpito nel segno. È esattamente quello che è successo con il finale di The Boys, la serie satirica di Prime Video che per sette stagioni ha dissacrato supereroi, corporazioni e figure di potere con una ferocia raramente vista in televisione. E ora, nel suo ultimo episodio, ha preso di mira proprio il miliardario più controverso del pianeta.

La reazione di Musk non si è fatta attendere. Su X, la piattaforma social di sua proprietà, ha liquidato il finale con un secco "patetico", riferendosi evidentemente al destino riservato a Patriota, il supercattivo della serie interpretato da Antony Starr. Nel finale, il personaggio viene privato dei suoi poteri e ridotto a supplicare per la propria vita, una caduta dall'Olimpo che ha toccato evidentemente un nervo scoperto nel proprietario di Tesla e SpaceX.

Ma la vera sorpresa è arrivata dalla risposta di Eric Kripke, il creatore della serie. Invece di difendersi o ignorare la critica, Kripke ha rilanciato il tweet di Musk con un entusiasmo quasi palpabile: "Oh mio Dio, questa è la sua recensione di quello che abbiamo fatto a Patriota, non avrò mai una recensione migliore". Una mossa da maestro che trasforma una critica negativa in un trofeo, in un certificato di autenticità che conferma quanto The Boys sia riuscito a penetrare sotto la pelle dei potenti sui quali fa ironia.

E c'è un motivo preciso per cui Musk si è sentito punto sul vivo. Nel finale della serie compare infatti un personaggio chiamato "The Disruptor", un ricco magnate ossessionato dallo spazio, dai tassi di fertilità della popolazione bianca e da cappellini da baseball ricamati in nero ("Dark MAGA", vi suona familiare?). In una scena fulminante, Patriota porta questo personaggio nello spazio per quello che sembra un viaggio promozionale, salvo poi eliminarlo in orbita e tornare sulla Terra con una battuta laconica: "È un astronauta, l'ho portato nello spazio".

Curiosamente, Musk non ha commentato questa evidente parodia della sua persona, limitandosi a criticare la resa dei conti finale con Patriota. Un silenzio che parla più di mille parole e che dimostra come anche i miliardari abbiano i loro punti ciechi quando si tratta di autoconsapevolezza.

Quando è stato chiesto a Kripke il perché del riferimento a Musk, lui ha risposto con finta ingenuità: "Cosa ti ha fatto pensare che fosse Elon Musk?", per poi spiegare la genesi del personaggio. "L'idea del Disruptor era qualcosa che veniva proposto continuamente durante la stagione, come un bersaglio perfetto che esiste davvero nel mondo reale, ma non c'era mai stato il momento giusto per inserirlo".

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La notizia è arrivata con un misto di dolcezza e malinconia: Emily in Paris si concluderà con la sesta stagione. Netflix ha confermato ufficialmente il rinnovo della serie a gennaio 2026, con un video in cui Lily Collins soffiava su una candela a forma di '6' posata su una torta di croissant. Ma è stato solo a maggio che la protagonista ha rivelato ai fan che questo capitolo sarà anche l'ultimo delle avventure europee di Emily Cooper.

"La stagione 6 vi offrirà tutto ciò che amate dello show e servirà da capitolo finale nell'avventura di una vita di Emily". Parole che sanno di arrivederci, pronunciate con quella grazia che ha caratterizzato il personaggio dall'inizio. La produzione è ufficialmente iniziata, e Netflix ha condiviso le prime immagini di Collins sul set.

La location scelta per chiudere il cerchio è la Grecia. Non una scelta casuale, considerando come si era conclusa la quinta stagione, cioè con Emily e Marcello, interpretato da Eugenio Franceschini, che si lasciavano, e Gabriel, il personaggio di Lucas Bravo, che inviava alla protagonista un biglietto chiedendole di incontrarlo proprio in Grecia. Un cliffhanger che lasciava il futuro di Emily completamente sospeso nell'aria salmastra del Mediterraneo.

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La prima stagione di The Boroughs si è conclusa con un finale che ha lasciato gli spettatori con il fiato sospeso. La nuova serie dei Duffer Brothers, i creatori di Stranger Things, ha debuttato su Netflix offrendo una conclusione apparentemente soddisfacente alla caccia al mostro intrapresa dai protagonisti, ma con un colpo di scena finale che apre le porte a scenari completamente inaspettati.

Ambientata in una comunità di pensionati dall'aspetto idilliaco, The Boroughs nasconde segreti oscuri sotto la superficie. Quando uno dei residenti muore in circostanze misteriose, i vicini si uniscono per scoprire la verità contorta dietro quanto accaduto. E la trovano, certamente. Ma è proprio nell'ultima sequenza che emerge un elemento perturbante: mentre Sam Cooper, interpretato da Alfred Molina, controlla la sua ferita nello specchio del bagno, la superficie riflettente inizia a distorcersi, a "glitchare". Lui non se ne accorge, ma gli spettatori sì. E quel dettaglio cambia tutto.

Quella scena suggerisce che potrebbero esserci elementi soprannaturali ancora più profondi rispetto a quanto scoperto con la morte di "Mother", l'entità misteriosa al centro degli eventi della prima stagione. Come ha spiegato lo stesso Molina a TV Insider, quella scelta narrativa non è casuale: "È importante per la storia perché penso che avessimo già un occhio rivolto a cosa succederà, forse in una stagione 2, se accadrà. Dove andrà a parare tutto questo?".

Al momento Netflix non ha ancora confermato ufficialmente il rinnovo per una seconda stagione, ma considerando lo storico rapporto tra i Duffer Brothers e la piattaforma di streaming, sarebbe sorprendente se non arrivasse un annuncio in tempi relativamente brevi. Il successo di Stranger Things ha dimostrato che il duo sa come costruire universi narrativi capaci di catturare milioni di spettatori in tutto il mondo, e The Boroughs sembra destinata a seguire una traiettoria simile.

Ma cosa potrebbe riservare una eventuale seconda stagione? Oltre all'enigma dello specchio, che suggerisce una presenza ancora attiva all'interno della comunità, ci sono dinamiche personali irrisolte che potrebbero alimentare nuove storyline. In particolare, il rapporto tra Judy e Art potrebbe essere ancora teso dopo che lei ha infranto la regola cardinale del loro matrimonio aperto: non innamorarsi. E si è innamorata proprio di Jack.

Clarke Peters ha lasciato intendere che i conti non sono ancora saldati: "Potreste dover aspettare per vedere cosa succede tra noi andando avanti, perché le cose non sono state completamente risolte. Sappiamo cosa sta succedendo, e se hai una relazione aperta, immagino che quando viene messa alla prova, tu sappia esattamente dove ti trovi. Andava tutto bene quando si giocava, ma l'amore è egoista".

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