Fino a qualche anno fa, un biopic su Pablo Escobar con Javier Bardem e Penélope Cruz nel cast sarebbe stato considerato un evento cinematografico di grande rilevanza. Aggiungiamo alla ricetta Fernando León de Aranoa alla regia, regista rispettato per il suo cinema sociale e realista, autore di pellicole come "I lunedì al sole", e il risultato sulla carta avrebbe dovuto essere esplosivo. Eppure, qualcosa è andato terribilmente storto lungo il percorso. Il film, disponibile su Prime Video, che avrebbe dovuto conquistare il pubblico mondiale ha invece dovuto assumere un alias, un dettaglio che forse avrebbe strappato un sorriso storto proprio al suo inafferrabile protagonista. Presentato originariamente ai festival di Venezia e Toronto nel 2017 con il titolo "Loving Pablo", il progetto ha ricevuto recensioni tiepide che hanno costretto i produttori a ripensare la strategia distributiva.

Quando è arrivato nelle sale britanniche, aveva già cambiato nome nella più secca e diretta versione "Escobar" (in Italia, Escobar - Il fascino del male), come se volesse spogliarsi di ogni pretesa e nascondere la propria identità compromessa. Il film si basa sulle memorie di Virginia Vallejo, giornalista televisiva colombiana che ebbe una relazione con Escobar. Sulla carta, questa prospettiva prometteva un punto di vista privilegiato, capace di offrire autenticità superiore rispetto al precedente "Escobar: Paradise Lost" del 2014 con Benicio del Toro. Nella pratica, però, il personaggio di Vallejo viene relegato a una funzione narrativa superficiale: una figura frivola che si limita a cambiare guardaroba e fornire spiegazioni didascaliche con un accento marcato. Per un'attrice del calibro di Penélope Cruz, il ruolo rappresenta uno spreco evidente di talento, confinandola ai margini di una storia che avrebbe potuto esplorare con ben altra profondità.

In questo scenario frammentato, Javier Bardem emerge come l'elemento più solido, un attore che lotta con ogni mezzo per tenere insieme i pezzi di un puzzle che non vuole comporsi. Il suo Escobar porta il peso di una pancia protesica e di una parrucca che ricorda i capelli arruffati di Maradona, trasformazioni fisiche che potrebbero facilmente scivolare nel ridicolo ma che Bardem riesce a sostenere con professionalità. Il suo personaggio è un mostro semi-affascinante: un tipo burbero e borbottante, con un posteriore vistosamente flaccido, capace di passare dalle minacce di stupro più raccapriccianti a momenti di una umanità distorta. Quando l'inquadratura si allontana da lui per seguire altri personaggi, il vuoto si sente immediatamente. Proprio qui sta uno dei problemi centrali del film: avrebbe dovuto seguire Pablo più coraggiosamente nelle zone d'ombra della sua psiche, esplorare senza compromessi la discesa negli abissi morali di un uomo che per un breve periodo è stato il ricercato numero uno delle Americhe.

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Apocalypse Now è uno di quei film che non hanno bisogno di presentazioni. Diretto da Francis Ford Coppola nel 1979 e disponibile su Prime Video, il film rappresenta una pietra miliare del cinema di guerra, un'opera visionaria che ha segnato generazioni di spettatori e cineasti. Tratto liberamente dal romanzo Heart of Darkness di Joseph Conrad, il lungometraggio racconta la discesa negli inferi psicologici della guerra del Vietnam attraverso gli occhi del capitano Willard, interpretato da Martin Sheen, incaricato di eliminare il colonnello Kurtz, un ufficiale delle Forze Speciali impazzito e interpretato da un magnetico Marlon Brando. Il cast stellare includeva anche Robert Duvall, Frederic Forrest, un giovane Laurence Fishburne, Dennis Hopper e persino Harrison Ford. La produzione fu leggendaria quanto travagliata, con Coppola che rischiò tutto per realizzare la sua visione epica. Il risultato fu un film che ancora oggi viene considerato uno dei più grandi war movie mai realizzati, un'opera che ha definito l'estetica e la filosofia del cinema bellico moderno.

Eppure, come ogni capolavoro sottoposto al giudizio della realtà, anche Apocalypse Now ha i suoi punti deboli. E chi meglio di un veterano delle forze speciali può metterli in luce? Bob Keller è un ex operatore delle Forze Speciali dell'esercito americano e della Delta Force, l'unità d'élite che rappresenta il vertice delle capacità militari statunitensi. In un video di reazione per Insider, Keller ha analizzato alcune delle scene più iconiche di Apocalypse Now, e le sue osservazioni mettono in prospettiva quanto il film, per quanto artisticamente straordinario, prenda significative libertà creative rispetto alla realtà operativa militare. Keller inizia con un'ammissione disarmante: "Film classico. L'ho adorato da ragazzo, è uno dei motivi per cui probabilmente sono entrato nell'esercito". Questa premessa rende ancora più interessante ciò che segue, perché non stiamo parlando di un detrattore pregiudiziale, ma di qualcuno che ha amato il film abbastanza da farsene ispirare per la propria carriera. Proprio per questo, le sue critiche hanno un peso particolare.

La scena analizzata mostra il capitano Willard, membro del MACV-SOG (il Military Assistance Command, Vietnam – Studies and Observations Group, un'unità che condusse operazioni segrete durante la guerra del Vietnam), emergere dall'acqua completamente mimetizzato per compiere la sua missione finale. È un momento iconico del cinema, una sequenza carica di tensione e simbolismo. Ma secondo Keller, è "un'altra cosa da film". L'espressione, ripetuta più volte durante l'analisi, diventa quasi un mantra. Sì, emergere dall'acqua mimetizzati potrebbe tecnicamente accadere se si risale un fiume. Sì, operare di notte è assolutamente standard. Sì, il camouflage sul viso per non mostrare parti bianche della pelle è prassi nella giungla. Ma l'idea centrale della trama, quella di inviare un operatore delle forze speciali per assassinare un altro americano, un colonnello impazzito? "Lo metto fortemente in dubbio", dice Keller. "È decisamente una cosa da film".

Anche la rappresentazione della psicologia del personaggio, un soldato che sta perdendo la ragione per quello che ha visto e fatto, viene valutata con cautela. "Posso relazionarmi con questo? Neanche per sogno. Può succedere a qualcuno? Assolutamente", spiega Keller, riconoscendo che ogni persona reagisce alla guerra in modo diverso, ma prendendo le distanze dalla specifica rappresentazione del film. Alla fine della sua analisi, Keller assegna alla sequenza un punteggio di 5 su 10 per accuratezza, ammettendo candidamente che sta essendo generoso "solo perché è Apocalypse Now". Precisa anche che sta valutando quella specifica scena, non l'intero film, che definisce comunque "fantastico". Queste osservazioni non intendono demolire il capolavoro di Coppola, ma piuttosto contestualizzarlo. Apocalypse Now non è mai stato concepito come un documentario o un manuale di tattiche militari.

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Immaginate un incrocio demoniaco tra Pinocchio e Home Alone - Mamma ho perso l'aereo, dove un bambino solo in casa non deve vedersela con maldestri ladri, ma con un'entità soprannaturale che vuole divorargli l'anima. È esattamente la premessa di The Djinn, il secondo lungometraggio dei registi emergenti David Charbonier e Justin Powell, disponibile su Prime Video. Un film che promette di reinventare la formula dell'horror claustrofobico, ma che alla fine lascia sensazioni contrastanti. La storia ruota attorno a Dylan Jacobs, un ragazzino muto interpretato da Ezra Dewey, che dopo una tragedia familiare si trasferisce in un nuovo appartamento con il padre.

Quando quest'ultimo parte per il turno di lavoro notturno, Dylan scopre un antico libro che spiega come evocare un Djinn, una sorta di genio demoniaco capace di esaudire desideri. Nonostante gli avvertimenti contenuti nel testo, il protagonista decide di compiere il rituale. Charbonier e Powell introducono abbastanza variazioni sul tema da mantenere viva l'attenzione. Il primo elemento distintivo è la scelta di rendere Dylan un personaggio non verbale. Questa caratteristica non è solo un espediente narrativo, ma aggiunge uno strato significativo di complessità alla storia e alla performance di Dewey. Il mutismo del protagonista trasforma ogni interazione in una sfida comunicativa che si traduce in tensione palpabile sullo schermo.

Gran parte del dialogo del film viene veicolato attraverso il linguaggio dei segni, una scelta coraggiosa e piuttosto rara nel panorama horror contemporaneo. Questo approccio permette al film di distinguersi immediatamente, creando un'atmosfera di isolamento ancora più marcata. Dylan non può gridare aiuto, non può chiamare qualcuno al telefono in modo convenzionale. È solo con i suoi gesti, la sua intelligenza e il suo coraggio. Ezra Dewey merita un plauso particolare per la sua interpretazione. Sostenere un intero film senza pronunciare una parola è un'impresa titanica, soprattutto per un attore giovane. Eppure Dewey riesce a trasmettere emozioni complesse attraverso la pura fisicità: lo sguardo terrorizzato, le mani tremanti che cercano di comunicare, i movimenti frenetici mentre cerca di sfuggire al demone.

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Esistono opere che ti toccano. E poi esistono opere che ti cambiano. Look Back di Tatsuki Fujimoto su Prime Video appartiene a questa seconda, rara categoria. Un one-shot manga che già aveva conquistato critica e pubblico, diventato ora un film d'animazione di appena 58 minuti capace di condensare più verità sulla creatività di quanto molti saggi riescano a fare in centinaia di pagine. Per chi conosce Fujimoto solo attraverso Chainsaw Man, con la sua imprevedibilità demenziale e la sua violenza stilizzata, Look Back rappresenta uno shock. Qui non ci sono demoni da abbattere o motoseghe da impugnare. Ci sono due ragazze, Fujino e Kyomoto, e la loro ossessione condivisa per il disegno. Eppure, paradossalmente, è proprio in questa storia intima e personale che l'autore raggiunge le vette più alte della sua poetica

La storia di Fujino e Kyomoto inizia con un incontro improbabile. Kyomoto è una reclusa che non frequenta la scuola, socialmente impacciata, chiusa nella sua stanza a disegnare. Eppure, quando Fujino bussa alla sua porta, la ragazza trova il coraggio di uscire. Di affrontare il mondo esterno. Di dire a Fujino quanto ammiri il suo talento. Da quel momento, tra le due si crea un legame che va oltre l'amicizia: comunicano attraverso i loro disegni, si capiscono attraverso le loro tavole, crescono insieme come artiste e come persone. Poi arriva la tragedia. Un folle con un'ascia irrompe nell'università dove Kyomoto studia. La giovane artista muore, e Fujino crolla sotto il peso di una colpa insopportabile.

Ma quando Fujino torna nella camera d'infanzia dell'amica, tra quei fogli sparsi e quei ricordi cristallizzati, comprende qualcosa di fondamentale: guardare indietro con rabbia e rimorso è inutile. Kyomoto stessa era grata a Fujino per averla tirata fuori dalla sua stanza. Perché senza quel gesto, non avrebbe mai conosciuto la gioia di condividere la propria arte con qualcun altro, di trovare una ragione profonda per creare. Questa rivelazione tocca un nervo scoperto. Il mondo è spaventoso e incerto. Ma se non facciamo mai quel passo fuori dalla porta, se non rischiamo mai di esporci, perdiamo l'opportunità di connetterci davvero con gli altri. Di fallire, di avere successo, di comunicare onestamente attraverso ciò che creiamo.

La sequenza più devastante del film arriva verso la fine, quando Fujino è ancora sotto shock per la morte di Kyomoto. Ritrova il fumetto che aveva disegnato da bambina, quello che aveva fatto incontrare le due ragazze per la prima volta. Mentre piange disperata, inizia a strapparlo in mille pezzi, convinta che tutto quello che ha fatto non sia servito a niente. Vediamo le due amiche crescere insieme, condividere le loro tavole, ridere dei loro errori, celebrare i loro progressi. Fujino capisce. Capisce che si sbagliava. Che tutto quello che è successo tra lei e Kyomoto valeva ogni singolo momento. Disegnava per mostrare all'amica la sua anima attraverso l'arte, aspettando la sua reazione onesta. Disegnava perché quello era il loro modo di comunicare veramente.

Oltre a essere un viaggio emotivo intenso, Look Back è anche una celebrazione degli artisti e della loro dedizione. La storia stessa è un promemoria che tutto il lavoro duro, tutti i sacrifici, tutte le notti insonni passate a perfezionare una tavola o una scena valgono sempre la pena. Il mondo può essere spaventoso, possono esserci folli con le asce in agguato, ma finché abbiamo il coraggio di buttarci completamente in ciò che amiamo e di condividerlo con il mondo, avremo sempre la capacità di combattere. Ed è qui che il film assume una risonanza particolare nel contesto attuale. L'intelligenza artificiale sta invadendo i campi creativi, generando immagini e testi in pochi secondi.

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Quando pensiamo a David Lynch, ci vengono in mente gli incubi onirici di Eraserhead, le visioni disturbanti di Blue Velvet, i misteri irrisolti di Twin Peaks. Raramente associamo il maestro del cinema d'autore americano a cartoni animati rozzi, violenti e pieni di scoregge rumorose. Eppure, nel 2007, Lynch ha creato proprio questo: Dumbland, una serie di otto cortometraggi animati che rappresentano forse l'espressione più pura e meno filtrata del suo peculiare senso dell'umorismo. Dumbland, disponibile su Prime Video, è un progetto che molti fan del regista non hanno mai visto o di cui ignorano completamente l'esistenza. Originariamente trasmessa sul sito personale di Lynch, davidlynch.com, questa serie animata è un esperimento che sta da qualche parte tra l'arte concettuale e la demenzialità più assoluta. Ma dietro l'apparente semplicità tecnica e il contenuto apparentemente adolescenziale si nasconde qualcosa di profondamente lynchiano.

La trama, se così si può chiamare, ruota attorno alle disavventure domestiche di Randy, un tizio corpulento, mal curato, con tre denti in croce, una bocca lurida e una propensione alla violenza che farebbe impallidire molti villain cinematografici. Randy vive con sua moglie, in preda a un apparente esaurimento nervoso permanente che si manifesta attraverso un grido silenzioso continuo, e un figlio ridotto all'essenziale: un contorno con occhi, naso e bocca. Tutto qui. La famiglia americana vista attraverso uno specchio deformante e poi frantumato. Le attività di Randy sono invariabilmente strane, violente e profane. C'è molta flatulenza, molto rumore, molta aggressività gratuita. È difficile ridere di una scena del genere. Ed è esattamente questo il punto. Lynch ha sempre camminato su quella sottile linea di confine tra commedia e orrore, tra il grottesco e il sublime. Le sue opere più famose contengono tutte una vena comica distinta, seppur oscura. Dumbland porta questo aspetto all'estremo, spogliandolo di qualsiasi orpello narrativo o visivo che possa attutire l'impatto.

L'aspetto forse più sorprendente di Dumbland non è il contenuto, ma il processo di creazione. Lynch ha realizzato tutto da solo: animazione, doppiaggio di tutti i personaggi e colonna sonora. Ogni episodio di tre minuti gli richiedeva circa dieci giorni di lavoro. Facciamo due conti: ottanta giorni complessivi per creare otto cortometraggi che molti liquiderebbero come scherzi da ragazzini. Per un regista del suo calibro, che potrebbe teoricamente delegare qualsiasi compito tecnico a professionisti, questa scelta appare quasi ascetica. Le animazioni sono realizzate in Flash, software che all'epoca era lo standard per i contenuti web interattivi e animati. Lynch ha dichiarato di apprezzare la natura intuitiva e fai-da-te di questo strumento, che gli ha fatto riscoprire lo spirito dei suoi primi esperimenti con l'animazione quando era studente di cinema.

Ma c'è un dettaglio tecnico che rivela quanto Lynch abbia curato anche questo progetto apparentemente improvvisato: ha applicato un effetto chiamato "boil", in cui ogni immagine statica viene disegnata più volte e sovrapposta, creando un movimento organico che imita l'animazione tradizionale disegnata a mano. Il risultato è l'opposto di ciò che Dumbland effettivamente è: un'animazione digitale che finge di essere analogica. I dialoghi sono scarni, come sempre in Lynch. Il suono ambientale è pesante, opprimente. C'è quel senso di inquietudine surreale che permea tutto il suo lavoro. I personaggi hanno motivazioni ambigue, quando ne hanno. Nonostante l'aspetto visivo suggerisca una commedia, gli eventi rappresentati sono genuinamente disturbanti. È Lynch puro, distillato nella sua forma più elementare e concentrata.

Qual è il valore artistico di Dumbland? È una domanda legittima. Si potrebbe liquidare il progetto come una curiosità minore nel catalogo di un autore maggiore. Oppure si può vederlo per quello che probabilmente è: la prova di un grande artista che si diverte, che crea qualcosa per il puro piacere di farlo, senza preoccuparsi della ricezione critica o commerciale. C'è qualcosa di liberatorio in questa incoscienza creativa, in questa capacità di essere smaccatamente stupidi senza perdere la propria identità artistica. Per chi ha appena faticato attraverso le tre ore criptiche di Inland Empire, Dumbland può sembrare un boccone più digeribile. O forse no. Forse è proprio l'opposto: la mancanza di filtri intellettuali rende queste animazioni ancora più difficili da processare. Non c'è la complessità narrativa che ci permette di razionalizzare l'assurdità. È solo Randy che scoreggia, urla e commette violenze gratuite in un mondo disegnato col mouse.

Dumbland non è per tutti. Non è nemmeno per la maggior parte dei fan di Lynch. Ma per chi riesce ad apprezzare l'umorismo nero portato ai suoi estremi logici, per chi capisce che a volte l'arte più sincera è anche la più rozza, questi otto cortometraggi rappresentano un documento prezioso. Mostrano un Lynch liberato dalle aspettative, dalle convenzioni produttive, persino dalle ambizioni narrative. È Lynch che gioca, e nel gioco rivela qualcosa di essenziale sul suo modo di vedere il mondo. La serie rimane uno dei progetti meno conosciuti del regista, sepolto negli archivi di internet come tanti altri esperimenti web dei primi anni 2000. Ma per chi ha la pazienza di cercarla e lo stomaco per digerirla, Dumbland offre uno sguardo unico su un artista che, anche quando crea contenuti apparentemente demenziali, non può fare a meno di essere profondamente, inconfondibilmente sé stesso.

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C'è un film su Prime Video che sta emergendo dalle statistiche Nielsen con una forza inaspettata: Sniper: No Nation - Senza nazione. Pubblicato nell'aprile 2026, questo film rappresenta l'undicesimo capitolo di una saga iniziata nel lontano 1993 con il capostipite Sniper, seguito da dieci sequel distribuiti direttamente in home video. Una longevità impressionante per una franchise che non ha mai avuto la risonanza mediatica di altre saghe action hollywoodiane. La storia ruota attorno a Master Gunnery Sergeant Thomas Beckett, interpretato da Tom Berenger, e suo figlio Brandon Beckett, a cui dà volto Chad Michael Collins. Entrambi operano come Force Reconnaissance Scout Snipers nel Corpo dei Marines degli Stati Uniti, affrontando missioni ad alto rischio che richiedono precisione millimetrica e nervi d'acciaio. Un concept classico, quasi vintage, che strizza l'occhio agli amanti del cinema bellico e delle operazioni speciali.

Eppure, nonostante le premesse apparentemente modeste e l'assenza di una distribuzione cinematografica tradizionale per i capitoli più recenti, Sniper: No Nation ha raggiunto un traguardo notevole: la nona posizione nella classifica Nielsen dei film più visti, con ben 269 milioni di minuti visualizzati. Un dato che fa riflettere, soprattutto se confrontato con produzioni dal budget ben più generoso e dalla campagna promozionale aggressiva. Come si spiega questo successo? La risposta probabilmente risiede in una combinazione di fattori. Prime Video ha dimostrato più volte di possedere un algoritmo sofisticato capace di individuare nicchie di pubblico affamate di contenuti specifici. Gli appassionati di film militari, tiratori scelti e tattiche da guerra rappresentano una community solida e fedele, spesso trascurata dalle major hollywoodiane che preferiscono puntare su supereroi e blockbuster fantascientifici.

La franchise Sniper ha costruito nel corso degli anni un universo narrativo coerente, con personaggi che invecchiano, evolvono e trasmettono il testimone alle generazioni successive. Una continuità rara nel panorama action contemporaneo, dove ogni film tende a essere un universo a sé stante. Questo elemento di serialità, unito alla presenza costante di Tom Berenger come figura paterna e mentore, ha creato un legame emotivo con gli spettatori che hanno seguito le vicende dei Beckett fin dall'inizio. Prime Video, dal canto suo, ha puntato su questa IP consolidata offrendo al team creativo risorse e visibilità che i precedenti capitoli direct-to-video non avevano mai avuto. Il risultato è un prodotto che mantiene lo spirito originale della saga ma lo presenta con una confezione tecnicamente più curata, adatta agli standard della piattaforma streaming.

Il successo nella classifica Nielsen rappresenta un segnale importante per l'industria dello streaming. Dimostra che il pubblico non è interessato esclusivamente a produzioni da centinaia di milioni di dollari con star del calibro di Dwayne Johnson o Ryan Reynolds. Esiste spazio anche per progetti più contenuti, purché sappiano identificare e soddisfare un target preciso con autenticità e competenza. Questo fenomeno potrebbe spingere la piattaforma a investire ulteriormente in IP di genere meno mainstream ma con fanbase consolidate. Il modello Sniper potrebbe essere replicato con altre franchise militari, thriller d'azione (come questo thriller militare con Jake Gyllenhaal) o saghe action già esistenti che non hanno mai avuto l'opportunità di esprimersi su piattaforme con la portata globale di Prime Video.

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Quando una saga fantasy amata da milioni di lettori arriva sul grande schermo, le aspettative sono altissime. I fan immaginano già le scene iconiche prendere vita, gli attori che incarnano i personaggi del cuore, quel mondo parallelo che finalmente esce dalle pagine per materializzarsi in carne, ossa e effetti speciali. Ma cosa succede quando tutto questo va clamorosamente storto? La risposta si chiama Fallen, il film del 2016 che ha trasformato la saga di Lauren Kate in uno dei più grandi disastri del cinema young adult. Eppure, otto anni dopo, quella stessa storia è tornata. E questa volta funziona. La serie Fallen, disponibile su Prime Video, rappresenta un caso di studio affascinante: come si riporta in vita un franchise dato per morto? Come si cancella il ricordo di un flop che ha segnato appena un misero 7% su Rotten Tomatoes? La risposta sta in scelte narrative coraggiose, una comprensione più profonda del materiale originale e la capacità di imparare dagli errori altrui.

La storia al centro di tutto questo è quella di Lucinda Prince, una ragazza che porta il peso di una tragedia. Durante un incendio, un giovane perde la vita e Luce viene ritenuta responsabile, anche se la vera causa sono ombre inquietanti che la tormentano da sempre. Considerata mentalmente instabile a causa di queste visioni, viene spedita a Sword & Cross, una scuola di recupero che ha più l'aria di un culto che di un istituto educativo. Qui la trama si fa interessante: Luce sente un'attrazione magnetica verso Daniel Grigori, un compagno di classe che sembra conoscerla da sempre. E infatti è così. Luce scopre di aver vissuto centinaia di vite, in ognuna delle quali si è innamorata di Daniel. Il motivo? Entrambi, insieme ai loro amici, sono angeli caduti. Alcuni buoni, altri no. La loro storia d'amore è stata maledetta da Lucifero stesso perché, invece di schierarsi in una guerra celeste, hanno scelto l'amore. Il prezzo? Daniel è condannato a vedere Luce morire ogni volta che le loro labbra si toccano.

Ma non c'è solo questo. Cam, un altro angelo caduto, entra in scena e fa vacillare secoli di fedeltà. Le fazioni si scontrano in una guerra oscura dove ogni vita è a rischio. Spezzare la maledizione potrebbe significare la fine di tutto. Quando Walt Disney acquistò i diritti della saga di Lauren Kate, i fan esultarono. La Disney sapeva come trattare il fantasy young adult, giusto? Invece il progetto venne abbandonato senza spiegazioni. I diritti passarono poi a Lotus Entertainment, e qui arrivò il film del 2016. Le aspettative erano alle stelle: la saga aveva un fandom consolidato, una base di lettori affezionati pronti a riempire le sale. Quello che ottennero fu una delusione colossale. Il film di Fallen non è semplicemente brutto: è caotico. La trama affoga in una confusione che rende impossibile seguire gli eventi. La profondità del romanzo, quella stratificazione emotiva che rende la storia di Luce e Daniel così potente, viene completamente ignorata. La chimica tra i protagonisti è inesistente, gli attori recitano senza convinzione, e il finale precipitoso lascia tutto in sospeso con la speranza di un sequel che non arriverà mai.

Dopo il fallimento del 2016, la saga sembrava destinata all'oblio. I diritti cinematografici erano stati bruciati, il franchise non aveva generato incassi degni di nota, e nessuno studio sembrava interessato a riprovarci. Ma nel 2024, qualcosa di inaspettato è successo: Eccho Rights ha deciso di dare a Fallen una seconda possibilità, questa volta come serie TV. La decisione è stata coraggiosa. Riportare in vita un brand associato a un flop clamoroso è rischioso. Ma il team creativo dietro la serie ha capito dove il film aveva fallito e ha preso la strada opposta. Invece di condensare, hanno espanso. Invece di semplificare, hanno approfondito. La prima grande differenza è strutturale. Una serie TV permette di respirare. Gli episodi danno spazio ai personaggi, alla costruzione del mondo, ai dettagli che rendono una storia memorabile. Luce e Daniel non sono più due ragazzi che si innamorano in fretta per motivi vaghi: la serie mostra flashback delle loro vite passate, momenti di intimità che attraversano i secoli.

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L'Isola del Tesoro (Treasure Island) sta per tornare. Non con l'ennesimo film dimenticabile, ma con una serie in sei episodi che promette di rileggere il classico di Robert Louis Stevenson con un cast che fa girare la testa. MGM+, il servizio streaming di proprietà Amazon, ha appena annunciato la data di debutto: domenica 11 ottobre 2026. Sei mesi esatti dopo la fine delle riprese, un turnaround velocissimo per gli standard televisivi contemporanei.

Il nome più pesante del cast è David Oyelowo, che interpreta Long John Silver, il pirata dalla gamba di legno più iconico della letteratura. Accanto a lui, Hayley Atwell nei panni di Bess Hawkins, Jack Huston come Aaron Graham, Tomer Capone (reduce da tutte e cinque le stagioni di The Boys dove ha dato volto e corpo a Frenchie) nei panni di Billy Bones, e Tom Sweet nel ruolo del giovane Jim Hawkins. Un ensemble internazionale che mescola volti noti della serialità contemporanea con attori di peso cinematografico.

La serie era stata ufficialmente confermata a marzo dello stesso anno, quando MGM+ aveva dato il via libera alla produzione. Le riprese sono partite immediatamente e si sono concluse ad aprile, segno che il progetto era già ben strutturato e pronto per entrare in produzione. Creata da Robert Murphy, la serie vede alla regia Jeremy Lovering, William McGregor e Paul Walker, con una squadra di produttori che include nomi come Colin Callender, Michael Wright e Scott Huff.

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Quando un videogioco riesce a mandare in affanno una delle piattaforme di streaming più potenti al mondo, significa che stiamo parlando di qualcosa di più grande del semplice intrattenimento. È quello che è successo ieri, quando Rockstar Games ha svelato l'Extended Look di Grand Theft Auto 6 in esclusiva su Netflix. Il risultato? Un'impennata di spettatori che ha fatto tremare i server della piattaforma, creando problemi tecnici momentanei e numeri da capogiro.

Secondo i dati forniti da Sensor Tower, società specializzata in market intelligence, la piattaforma di streaming ha registrato un aumento del 50% degli spettatori negli Stati Uniti rispetto allo stesso orario del giorno precedente. Ma il dato più impressionante arriva dal confronto ora per ora: nel momento esatto in cui è andato in onda il trailer esteso, il numero di visualizzazioni è schizzato del 35% rispetto all'ora precedente. Un fenomeno che dimostra quanto l'attesa per il nuovo capitolo della saga Rockstar sia diventata un evento culturale di massa, capace di mobilitare milioni di persone contemporaneamente.

Gli utenti da mobile hanno contribuito in modo significativo a questo boom, con un incremento di quasi il 50% rispetto alla media delle ultime dodici settimane registrata di giovedì. Ma è il dato sul traffico web a lasciare davvero senza parole: un aumento del 125% rispetto alla media dello stesso periodo. Migliaia di persone, probabilmente collegate da uffici e scuole, hanno cercato di sintonizzarsi sui propri computer per non perdere nemmeno un frame del filmato tanto atteso.

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Prime Video ha svelato la protagonista femminile della sua nuova serie Original Due cuori in affitto, adattamento dell'omonimo bestseller di Felicia Kingsley che ha conquistato milioni di lettrici in Italia. A vestire i panni di Stella sarà Jacqueline Luna Di Giacomo, secondogenita di Heather Parisi e compagna del cantante Ultimo, che ha studiato recitazione negli Stati Uniti e si prepara al suo primo ruolo da protagonista in una produzione seriale.

La notizia, annunciata durante il Prime Video Presents Italia 2026 tenutosi a Roma, segna un momento importante sia per l'attrice che per la piattaforma streaming, che celebra dieci anni di attività in Italia con uno slate sempre più ambizioso di produzioni originali. Al fianco di Jacqueline Luna ci sarà Giacomo Gianniotti, noto al pubblico internazionale per il ruolo del dottor Andrew DeLuca in Grey's Anatomy e più recentemente protagonista di Wild Cards, che interpreterà Blake Avery, il protagonista maschile della serie.

Due cuori in affitto è il romanzo più venduto tra quelli scritti da Felicia Kingsley, autrice italiana diventata un autentico fenomeno editoriale con oltre 4,5 milioni di copie vendute solo nel nostro paese e 23 libri pubblicati, tradotti in 20 Paesi. Per tre anni consecutivi è stata l'autrice più letta in Italia, conquistando premi prestigiosi come il Premio Selezione Bancarella 2026 per Scandalo a Hollywood, il Premio Sicilia 2026 e il titolo di autrice dell'Anno ai TikTok Book Awards nel 2024.

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Quando Michael Fassbender calzò il cappuccio bianco nel 2016, i fan di Assassin's Creed speravano finalmente in un adattamento cinematografico all'altezza della saga videoludica che aveva conquistato milioni di giocatori in tutto il mondo. Il risultato fu un clamoroso tonfo: critica impietosa, botteghino deludente e una sensazione amara di occasione sprecata. Ma Netflix non si arrende facilmente, e ora il colosso dello streaming si prepara a riscrivere la storia con una serie televisiva che promette di fare ciò che il film non è riuscito a realizzare: essere fedele allo spirito del gioco.

Le riprese sono già iniziate lo scorso marzo, e dai set filtrano notizie che fanno ben sperare. Una delle star del progetto ha confermato in esclusiva a ScreenRant che la produzione sta puntando tutto sull'autenticità storica, elemento fondamentale per chi conosce la filosofia della serie Ubisoft. A differenza del film che si era perso in ambientazioni generiche e trame confuse, la serie Netflix ha scelto un contesto preciso e potente: Roma nel 64 dopo Cristo, sotto il regno terrificante dell'imperatore Nerone.

La scelta non è casuale, visto che Nerone rappresenta uno dei periodi più drammatici e affascinanti della storia romana: l'anno 64 d.C. è quello del grande incendio di Roma, evento che ancora oggi alimenta dibattiti storici e leggende. Alcuni storici accusarono l'imperatore di aver appiccato il fuoco per ricostruire la città secondo la propria megalomane visione, mentre lui incolpò i cristiani, scatenando le prime persecuzioni sistematiche. Un contesto perfetto per le dinamiche di complotto, manipolazione e lotta nell'ombra che caratterizzano Assassin's Creed.

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Stasera Rai 1 porta in prima visione Rido perché ti amo, la commedia romantica diretta e interpretata da Paolo Ruffini. Il film sarà trasmesso domenica 30 agosto alle 21:30, ma dove è stato girato il film? Dietro la storia di Leopoldo e Amanda si nasconde una curiosità che probabilmente sfuggirà a molti spettatori: gran parte dei luoghi che vedremo sullo schermo non esiste realmente. Il cuore del film è infatti una piccola piazza dall'aspetto familiare, quasi sospesa nel tempo, attorno alla quale ruotano le vite dei protagonisti.

Ci sono la chiesa, la fontana, il bar frequentato dagli anziani, i negozi e tutti quei luoghi che contribuiscono a dare l'impressione di trovarsi in un piccolo paese italiano. Eppure quella piazza non si trova in nessun borgo da visitare. L'ambientazione di Rido perché ti amo è stata ricostruita quasi interamente all'interno dei Videa Studios di Roma, dove la produzione ha creato da zero il piccolo mondo nel quale si sviluppa buona parte della storia. Soltanto alcuni esterni sono stati invece realizzati a Sacrofano, comune alle porte della Capitale. Non si è trattato semplicemente di trovare una scenografia adatta a una storia già scritta.

La piazza ha avuto un peso molto più importante nella costruzione del film. Lo sceneggiatore Guglielmo Poggi e lo scenografo Marco Massaro hanno infatti lavorato attorno a questo spazio, pensandolo come un luogo capace di evocare i ricordi dell'infanzia e quella dimensione di quartiere nella quale tutti finiscono per conoscersi. Massaro spiegò all'epoca che la sceneggiatura stessa era stata costruita tenendo conto della struttura della piazza. L'obiettivo era recuperare nell'immaginario elementi immediatamente riconoscibili, dalla chiesa alla fontana fino al piccolo bar, creando però un luogo volutamente difficile da collocare in un'epoca precisa.

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Netflix ha finalmente alzato il sipario sulla seconda stagione di Maschi Veri. Dopo aver confermato il ritorno della comedy italiana già lo scorso anno, la piattaforma ha pubblicato il primo trailer ufficiale dei nuovi episodi e soprattutto ha fissato la data da segnare sul calendario: Maschi Veri 2 arriverà su Netflix il 7 ottobre 2026. Al centro della storia ci saranno ancora una volta Maurizio Lastrico, Matteo Martari, Francesco Montanari e Pietro Sermonti, rispettivamente nei panni di Mattia, Massimo, Riccardo e Luigi.

Quattro amici sulla quarantina che nella prima stagione hanno visto crollare, uno dopo l'altro, molti dei punti fermi sui quali avevano costruito la propria idea di essere uomini. La serie, remake italiano della comedy spagnola Machos Alfa, aveva debuttato su Netflix nel 2025 raccontando proprio lo scontro tra quattro uomini cresciuti secondo un modello tradizionale di mascolinità e un mondo che nel frattempo è cambiato intorno a loro. Lavoro, relazioni (anche intime) e famiglia diventavano così il terreno sul quale mettere alla prova convinzioni che fino a quel momento sembravano quasi intoccabili.

Nella seconda stagione Mattia, Massimo, Riccardo e Luigi sembrano convinti di aver fatto qualche passo avanti. Netflix li presenta infatti come uomini che ormai si considerano "decostruiti dalla mascolinità tossica". Peccato che aver imparato la lezione a parole non significhi necessariamente essere diventati capaci di metterla in pratica. I quattro continueranno quindi a cercare un nuovo equilibrio nelle rispettive vite, mentre le loro situazioni sentimentali saranno profondamente cambiate rispetto a dove le avevamo lasciate.

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Il Grande Fratello Vip è pronto a riaprire la porta rossa e, a poche settimane dal ritorno in prima serata su Canale 5, potrebbe essere finalmente emerso il cast della nuova edizione. Dopo settimane di indiscrezioni, nomi entrati e usciti dalla lista e possibili ritorni, Davide Maggio ha anticipato quelli che dovrebbero essere i 17 concorrenti scelti per entrare nella Casa. E tra veterani dei reality e volti meno abituati a questo tipo di programmi non mancano alcune sorprese.

La nuova edizione vedrà nuovamente Ilary Blasi alla conduzione, affiancata da Cesara Buonamici e Selvaggia Lucarelli nel ruolo di opinioniste. Una squadra già sperimentata nell'edizione andata in onda nella primavera del 2026 e che Mediaset ha deciso di confermare anche per il nuovo appuntamento autunnale. Ma è inevitabilmente il cast a prendersi la scena. Secondo l'anticipazione di Davide Maggio, nella Casa dovrebbero entrare Alex Belli, Giancarlo Danto, Carmen Di Pietro, Giacomo Gallani, Jonathan Kashanian, Marina La Rosa, Valeria Marini, Ria Megan, Piera Meloni, Federica Morello, Moreno Morello, Andreas Muller, Michelle Masullo, Giulia Provvedi, Alessandro Roncaccia, Simone Annichiarico e Guendalina Tavassi.

Una lista che sembra puntare parecchio sui ritorni di personaggi che conoscono molto bene il meccanismo dei reality. Alex Belli è inevitabilmente uno dei nomi destinati a far discutere di più, dopo essere stato uno dei protagonisti assoluti della sesta edizione del GF Vip. Lo stesso vale per Valeria Marini, ormai presenza ricorrente nell'universo del programma, e per Guendalina Tavassi e Carmen Di Pietro, entrambe con una lunga esperienza nei reality televisivi.

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Anne Hathaway si prepara a un cambio di scenario radicale, affiancando Tom Cruise nel sequel di Giorni di tuono, il cult del 1990 diretto da Tony Scott che ha consacrato l'attore come icona del cinema d'azione. Paramount Pictures ha ufficializzato la notizia con una data di uscita ambiziosa: 2 giugno 2028, quasi quarant'anni dopo l'originale. L'annuncio è arrivato attraverso un'immagine promozionale condivisa dallo stesso Cruise, che ritrae i due protagonisti su una pista NASCAR.

Nel primo capitolo, Cruise interpretava Cole Trickle, un pilota emergente reclutato da una nuova scuderia NASCAR grazie all'intuizione di un ex campione interpretato da Robert Duvall. Al suo fianco c'erano Nicole Kidman, Randy Quaid e un giovane John C. Reilly. Oggi, quasi quattro decenni dopo, Trickle tornerà in pista, ma i dettagli sulla trama rimangono avvolti nel mistero. Ciò che sappiamo è il ruolo di Hathaway: interpreterà una proprietaria di scuderia corse e ingegnere, una figura che promette di portare competenza tecnica e autorevolezza in un mondo tradizionalmente dominato dagli uomini.

Una scelta che riflette l'evoluzione del settore motorsport e che offre all'attrice premio Oscar uno spazio narrativo ben diverso dai suoi ruoli più recenti. La regia è affidata a Jonathan Levine, noto per Long Shot e Mr. Irrelevant, mentre la produzione vede il ritorno di Jerry Bruckheimer, pilastro dei blockbuster Paramount, insieme a Cruise e Tommy Harper. Il film sarà girato in formato IMAX e distribuito esclusivamente in sala, con proiezioni anche in Dolby Cinema e 4DX, confermando la volontà di offrire un'esperienza cinematografica totalizzante.

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Stasera torna in TV uno dei film che hanno contribuito a rendere Luc Besson uno dei nomi più riconoscibili del cinema europeo tra gli anni Ottanta e Novanta. Nikita, uscito nel 1990, va in onda domenica 30 agosto alle 21:15 su Iris, riportando sul piccolo schermo la storia della giovane criminale trasformata dai servizi segreti in una killer professionista. Prima di proseguire, però, è bene avvertire che da questo momento entreremo nel dettaglio della storia e soprattutto del finale: attenzione quindi agli spoiler.

Interpretata da Anne Parillaud, Nikita entra in scena nel modo più violento possibile. Dopo una rapina finita nel sangue e l'uccisione di un poliziotto, la ragazza viene arrestata e condannata all'ergastolo. La sua storia, almeno ufficialmente, dovrebbe finire lì. Ma qualcuno ha altri progetti per lei. I servizi segreti inscenano infatti la sua morte e la fanno sparire agli occhi del mondo, con Nikita che viene sottoposta a un lungo e durissimo addestramento, durante il quale impara a combattere, usare le armi e muoversi come un'agente professionista.

A guidarla in questa trasformazione è Bob, interpretato da Tchéky Karyo, l'uomo che diventa il suo referente e mantiene il controllo sulla nuova vita che le è stata concessa. Superata la prima vera prova sul campo, Nikita può finalmente tornare nel mondo esterno sotto una nuova identità. È qui che conosce Marco, interpretato da Jean-Hugues Anglade, e finisce per innamorarsene. Per la prima volta da quando è stata reclutata, sembra intravedere la possibilità di costruire una vita normale, lontana dalla violenza e dagli ordini ricevuti fino a quel momento.

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Quando Netflix ha cancellato Mindhunter dopo appena due stagioni, milioni di spettatori in tutto il mondo hanno provato quella sensazione straniante di vuoto narrativo. La serie di David Fincher, con la sua esplorazione meticolosa della psicologia criminale e i suoi dialoghi serrati tra agenti FBI e serial killer, aveva alzato l'asticella del thriller psicologico fino a sfiorare la perfezione. Jonathan Groff e Holt McCallany erano diventati volti familiari, guide attraverso gli abissi più oscuri della mente umana. E poi, nulla. Il sipario si è chiuso nel 2019, lasciando domande irrisolte e un pubblico affamato di contenuti simili. Eppure, proprio mentre i fan piangevano la fine prematura di Mindhunter, Netflix aveva già in catalogo la sua sostituta ideale. Una serie che condivide lo stesso DNA psicologico, la stessa tensione claustrofobica, lo stesso fascino morboso per i meccanismi mentali che portano al crimine. Si chiama Criminal UK, e nonostante un rispettabile 85% di gradimento su Rotten Tomatoes, è passata sostanzialmente sotto il radar della maggior parte degli spettatori italiani.

Un peccato mortale, considerando che potrebbe essere esattamente ciò che state cercando da anni. Criminal UK è nata nel settembre 2019, appena un mese dopo il rilascio della seconda stagione di Mindhunter. Creata da George Kay e Jim Field Smith, la serie britannica ribalta completamente la prospettiva narrativa rispetto al suo predecessore spirituale. Dove Mindhunter seguiva gli agenti dell'FBI attraverso città, prigioni e scene del crimine, Criminal UK fa una scelta radicale: confina l'intera narrazione tra le quattro mura di una sala interrogatori della Metropolitan Police di Londra e la stanza di osservazione adiacente. Questo non è un limite, ma una straordinaria opportunità creativa. Ogni episodio si concentra su un singolo interrogatorio, con un nuovo sospettato e un nuovo crimine. La squadra investigativa è guidata da un trio di personalità complementari: la Detective Chief Inspector Natalie Hobbs, interpretata con calibrata freddezza da Katherine Kelly; il Detective Inspector Tony Myerscough, a cui Lee Ingleby conferisce un'umanità conflittuale; e il Detective Constable Hugo Duffy, interpretato da Mark Stanley come l'elemento più giovane e impetuoso del gruppo.

La magia di Criminal UK sta nella sua essenzialità formale. Senza inseguimenti, senza sparatorie, senza le consuete dinamiche action del poliziesco televisivo, la serie si appoggia interamente sulla forza del dialogo e sulla chimica tra attori. È teatro filmato, nel senso più nobile del termine. Ogni episodio diventa un duello verbale, una partita a scacchi psicologica dove l'obiettivo non è solo ottenere una confessione, ma sondare le profondità morali e psicologiche di chi si trova dall'altra parte del tavolo. Il confronto con Mindhunter è inevitabile, ma anche illuminante. Entrambe le serie condividono un fascino ossessivo per la psicologia criminale, per i meccanismi di difesa, manipolazione e autoinganno che permettono alle persone di commettere atti orribili. Dove Mindhunter scavava nella psiche dei serial killer già condannati, cercando di costruire una scienza profiling ancora agli albori, Criminal UK si concentra sul momento cruciale dell'indagine: quando la verità è ancora incerta, quando l'innocenza e la colpevolezza sono ipotesi da verificare, quando ogni parola può ribaltare una vita.

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Nessuno sale su una barca diretta verso un'isola privata aspettandosi che quella gita si trasformi in una condanna a vita. Eppure è esattamente questa la premessa che rende Welcome to Eden uno dei thriller più efficaci e inquietanti del catalogo Netflix, capace di agganciare lo spettatore fin dai primi minuti e non mollare la presa fino ai titoli di coda. La serie spagnola non perde tempo con preamboli inutili. Tutto inizia con una domanda apparentemente innocua che compare sullo smartphone di Zoa, una giovane donna alle prese con una vita domestica complicata: sei felice? Insieme a quella domanda arriva un'offerta irresistibile, un invito a un party esclusivo su un'isola remota, sponsorizzato da un misterioso brand chiamato Eden Blue. Influencer, musica, drink, la promessa di una fuga dalla routine. Sembra il classico evento da sogno, una versione patinata e millennial del paradiso in terra. Poi arriva il mattino, e tutto cambia.

Quello che all'inizio ricorda la cultura degli influencer mescolata al disastro del Fyre Festival, con luci al neon e un sottofondo di disagio crescente, si trasforma rapidamente in qualcosa di molto più oscuro. Zoa e un gruppo selezionato di altri partecipanti scoprono di non essere più ospiti. Sono prigionieri. L'isola non è un rifugio temporaneo ma un sistema sociale accuratamente costruito per manipolare persone vulnerabili, sfruttando la loro solitudine, le loro insicurezze e il bisogno disperato di appartenere a qualcosa. La forza visiva di Welcome to Eden è uno degli elementi che rendono la serie così ipnotica. Girata in location mozzafiato come Lanzarote e San Sebastián, la produzione sfrutta al massimo le spiagge assolate, le architetture moderne e l'estetica di un paradiso progettato alla perfezione. Questa bellezza patinata, però, non è mai gratuita. Serve a creare un contrasto stridente con la violenza psicologica e fisica che si nasconde dietro la facciata dell'Eden.

Ogni inquadratura è studiata per comunicare un senso di controllo totale, di sorveglianza costante, di perfezione artificiale che nasconde il marcio. Anche le interpretazioni sostengono questo impianto narrativo. Gli attori riescono a rendere credibile il passaggio emotivo rapido e brutale che i personaggi attraversano: dall'eccitazione iniziale alla paranoia crescente, fino alla paura pura quando si rendono conto della trappola in cui sono caduti. Non c'è spazio per le mezze misure. La serie non aspetta la fine della stagione per rivelare le sue carte: già dai primi episodi emergono segnali inquietanti, telecamere nascoste, manipolazioni sottili, punizioni velate che rapidamente degenerano in violenza esplicita. Ma Welcome to Eden non è solo un thriller sugli orrori di una setta mascherata da comunità utopica. È anche una riflessione lucida su come il bisogno di appartenenza possa essere sfruttato, su quanto le persone siano disposte a cedere della propria libertà in cambio di accettazione, su come la solitudine moderna renda gli individui vulnerabili a promesse di connessione autentica.

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Ci sono serie che promettono mondi e finiscono per consegnare cartoline sbiadite. Gypsy, thriller psicologico di Netflix con Naomi Watts protagonista, appartiene a questa categoria frustrante: un veicolo stellare per un'attrice straordinaria che si impantana in dieci episodi di ripetizioni ossessive, e una tensione che arriva soltanto negli ultimi quindici minuti del finale. Jean Holloway, interpretata da Watts, è una terapeuta che lavora in uno studio di Manhattan. Di giorno ascolta i problemi dei suoi pazienti, di sera torna nella sua perfetta vita del Connecticut con il marito avvocato Michael, interpretato da Billy Crudup, e la vivace figlia Dolly. Ma Jean ha un problema: investe troppo emotivamente nelle vite dei suoi pazienti e oltrepassa ogni confine professionale. Quando una madre si lamenta dell'allontanamento dalla figlia, Jean va a cercare la figlia e fa amicizia con lei. Quando un paziente depresso e tossicodipendente la preoccupa, Jean porta le sue ansie fuori dall'ufficio, scontrandosi con il ragazzo spacciatore della ragazza.

E quando Sam, un altro paziente, parla dell'ex irresistibile che non riesce a dimenticare, Jean rintraccia Sidney e, sotto falso nome, inizia con lei una relazione che passa dal tentativo timido al bollente, fino allo spaventoso. Il viaggio nella doppia vita di Jean dovrebbe tenerci incollati allo schermo. Invece, ci troviamo di fronte a un problema strutturale che mina l'intera costruzione: ogni singola conversazione terapeutica diventa un dispositivo espositivo dove i personaggi articolano verbosamente ciò che potrebbe essere sottotesto o mostrato attraverso le azioni. Jean è una macchina che prende appunti e spiega al pubblico cosa pensano tutti gli altri. La serie cade nella trappola classica della finzione terapeutica: far dire tutto ai personaggi invece di lasciare che siano le immagini e le azioni a raccontare. Jean usa la sua autoconsapevolezza per spiegare allo spettatore cosa sta accadendo e la sua auto-cecità come fonte di ironia drammatica.

È un rilevatore umano di bugie che mente compulsivamente e malissimo, e i dieci episodi sono un viaggio nella spirale delle sue menzogne. Per Watts, Gypsy rappresenta comunque un ruolo interessante che le permette di attingere alla stessa dualità che fu alla base del suo ruolo rivelazione in Mulholland Drive di David Lynch. Per dieci ore sappiamo che Jean sta commettendo un errore dopo l'altro, ma Jean non ha consapevolezza o controllo, e Watts cattura quella tensione interna. È Mulholland Drive per principianti. Watts non interpreta Jean né come vittima né come villain, e Gypsy non la giudica, anche se molti spettatori penseranno che dovrebbe. Invece, ci viene servita una presunta suspense costruita sulla quantità di alcol che Jean ingurgita. Un drinking game pericoloso sarebbe tentare di eguagliare il suo consumo, bicchiere di bourbon dopo bicchiere. E poi ci sono le schermate dei messaggi e delle chiamate del suo iPhone, filmate come se fossero esplosivi pronti a detonare.

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Robert Pattinson sta per tornare a vestire i panni del Cavaliere Oscuro. Mentre l'universo cinematografico DC di James Gunn prosegue il suo percorso, i progetti Elseworlds come quello di Matt Reeves continuano a svilupparsi in parallelo, mantenendo intatta la loro autonomia narrativa. The Batman - Part II è attualmente in fase di produzione, e le prime immagini dal set stanno già alimentando speculazioni e teorie tra i fan della saga.

Le riprese si stanno svolgendo a Glasgow, in Scozia, dove sono state immortalate alcune scene d'azione che coinvolgono la celebre Batmobile. Le foto diffuse sui social mostrano una controfigura bionda seduta al posto del passeggero dell'iconica vettura, accanto al Crociato Incappucciato. Quella figura, stando alle indiscrezioni, sarebbe la stunt double di Scarlett Johansson, confermando indirettamente la presenza dell'attrice nelle riprese e sollevando una domanda che sta tenendo banco tra gli appassionati: chi interpreta davvero la star di Black Widow nel sequel diretto da Reeves.

La sequenza in questione sembra far parte di un inseguimento orchestrato dal GCPD, il dipartimento di polizia di Gotham City, con le forze dell'ordine alle calcagni della Batmobile. Non è ancora chiaro quale sia il contesto narrativo che porta la polizia a dare la caccia a Batman, ma questa dinamica apre scenari intriganti per la trama del film, che promette di esplorare ulteriormente il rapporto conflittuale tra il vigilante mascherato e le istituzioni della città.

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