La notizia è ufficiale e arriva direttamente da Andy Serkis. Il ruolo di Aragorn sarà affidato a un nuovo attore in Il Signore degli Anelli: Caccia a Gollum, il film atteso per il 17 dicembre 2027. Una rivelazione che ha già scatenato speculazioni e dibattiti tra i fan della saga, ancora profondamente legati all'interpretazione di Viggo Mortensen nella trilogia originale diretta da Peter Jackson.

Durante un'intervista rilasciata a ScreenRant in occasione della promozione di Animal Farm, Serkis ha confermato quello che molti temevano: "Non so cosa circoli al momento, ma so che c'è molta speculazione. Diciamo solo che stiamo riassegnando il ruolo e siamo sulla buona strada per trovare qualcuno". Parole che hanno il peso di una dichiarazione ufficiale, pronunciate da chi non solo interpreta Gollum ma questa volta siede anche sulla sedia di regista.

La scelta di recastare Aragorn non è semplice né priva di rischi. Mortensen ha incarnato il personaggio del ranger che diventa re con un'intensità e una presenza fisica che sono diventate sinonimo del personaggio stesso. Trovare un attore capace di riempire quegli stivali logori e quella spada riforgiata rappresenta una sfida colossale, sia per i creativi coinvolti nel progetto sia per chiunque accetti di raccogliere il testimone. Il Signore degli Anelli non è un franchise qualunque: porta con sé una base di fan appassionata, fedele e notoriamente esigente.

Il Signore degli Anelli: Caccia a Gollum si colloca cronologicamente tra gli eventi de Lo Hobbit e la trilogia del Signore degli Anelli, in un periodo mai esplorato completamente sullo schermo. Il film promette di raccontare la ricerca di Gollum, uno dei personaggi più complessi e affascinanti creati da J.R.R. Tolkien, offrendone una prospettiva inedita. Non si tratta solo di una caccia fisica attraverso la Terra di Mezzo, ma anche di un viaggio psicologico nelle profondità tormentate della creatura un tempo conosciuta come Sméagol.

Serkis ha mantenuto il massimo riserbo sui dettagli della trama e sul ruolo di Kate Winslet, che è stata confermata nel cast ma il cui personaggio rimane avvolto nel mistero. "Dobbiamo tenere tutto riservato", ha spiegato il regista. "A parte il fatto che probabilmente è di dominio pubblico, il nostro film si svolge tra Lo Hobbit e Il Signore degli Anelli, ed è La caccia a Gollum. È una caccia fisica al personaggio, ma anche una caccia psicologica a se stesso. Siamo praticamente sulla rampa di lancio ora, ed è molto eccitante. Sarà un grande viaggio".

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Quando nel 2021 HBO ha deciso di rivisitare uno dei capolavori più laceranti della televisione europea, la miniserie Sene da un matrimonio di Ingmar Bergman del 1973, in pochi avrebbero scommesso su una scelta così radicale. Eppure, la serie con Jessica Chastain e Oscar Isaac non si limita a riproporre la storia di un matrimonio che si sgretola: la reinventa, la attualizza e, soprattutto, la racconta partendo da un presupposto narrativo che sembra voler sabotare ogni convenzione del racconto televisivo moderno.

L'originale di Bergman resta una pietra miliare: sei episodi di circa un'ora ciascuno che seguono, senza sconti né consolazioni, il disfacimento di un legame coniugale nell'arco di un decennio. La serie era talmente cruda e spietata da alimentare la leggenda secondo cui avrebbe fatto raddoppiare i tassi di divorzio in Svezia. Una leggenda, appunto, ma che testimonia l'impatto emotivo devastante di quella narrazione. Un'opera che ha influenzato film acclamati come Marriage Story di Noah Baumbach e che, quasi cinquant'anni dopo, continua a parlare alle generazioni successive.

Ma è proprio qui che la versione HBO compie il suo primo, spiazzante colpo di teatro. La serie non inizia con i protagonisti nella loro casa borghese, né con un dialogo apparentemente innocuo che nasconde crepe profonde. No: si apre con Jessica Chastain fuori dal personaggio, circondata da membri della troupe mascherati per le normative anti-Covid, che si prepara a girare la scena. Sentiamo il ciak, vediamo l'attrice trasformarsi, entrare nel ruolo mentre inizia a narrare gli eventi. Un'operazione meta-cinematografica che ricorda certe audacie narrative di The OA, la serie sci-fi del 2016 che giocava con i confini tra realtà e finzione.

Per chiunque sia abituato all'immersione totale che cinema e televisione cercano di garantire, quei primi secondi sono stranianti. Viviamo in un'epoca in cui il successo di una produzione si misura anche dalla capacità di far dimenticare allo spettatore di essere davanti a uno schermo, di fargli credere che quei personaggi esistano davvero. Le serie televisive considerate tra le migliori di sempre devono proprio a questa magia il loro fascino: ci affezioniamo a persone che non sono mai esistite, soffriamo per eventi mai accaduti. E invece, Scene da un matrimonio ci sbatte in faccia che stiamo guardando attori su un set, che tutto è finzione.

Il tema centrale di entrambe le versioni è la finzione, il recitare. Non solo quella professionale degli attori, ma quella quotidiana dei coniugi che interpretano ruoli predefiniti, che fingono felicità, che nascondono verità scomode. Marianne e Johan nell'originale, Mira e Jonathan nella versione 2021, sono tutti impegnati in una rappresentazione. Mostrare il dietro le quinte della produzione televisiva aggiunge un ulteriore strato a questa riflessione: se già i personaggi recitano nella loro vita, noi spettatori stiamo guardando attori che recitano personaggi che a loro volta recitano. Un gioco di specchi che arricchisce la narrazione invece di impoverirla.

E qui entra in gioco la bravura straordinaria di Jessica Chastain. Vedere l'attrice prepararsi, poi entrare nel personaggio di Mira sotto i nostri occhi, ci rende testimoni della sua maestria tecnica. Non stiamo solo guardando un personaggio che evolve e rivela segreti nel corso della serie: stiamo anche assistendo a una performance attoriale di altissimo livello, e la serie ci invita esplicitamente a riconoscerla come tale. È un atto di fiducia nei confronti del pubblico, un modo di dire: guardate quanto è complesso costruire una verità emotiva a partire dalla finzione più totale.

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Nelle profondità del catalogo Netflix giace sepolta una serie che nel 2020 ha diviso l'opinione pubblica come poche altre. Messiah, thriller politico in 10 episodi uscito nel giorno di Capodanno di quell'anno, ha generato un paradosso critico raro: un 88% di gradimento su Rotten Tomatoes dal pubblico contro un misero 45% dalla critica. Eppure, a sei anni dalla sua uscita, questa produzione è praticamente scomparsa dalle conversazioni, relegata nell'oblio degli algoritmi e delle classifiche di tendenza.

La premessa è semolice, ma d'impatto: un uomo misterioso di nome Al-Masih, interpretato da Mehdi Dehbi, emerge in Medio Oriente proclamandosi profeta divino e messaggero di Dio. Non si tratta di un santone qualunque che predica agli angoli delle strade. Al-Masih compie apparenti miracoli che vengono documentati e diffusi attraverso i social media: manifesta una tempesta di sabbia che ferma un attacco terroristico, guida un esodo di massa nel nome di Dio, raccoglie seguaci in tutto il mondo con una velocità che farebbe impallidire qualsiasi influencer contemporaneo.

È qui che entra in scena la CIA, nella persona dell'agente Eva Geller interpretata da Michelle Monaghan. Eva non crede minimamente alla narrazione del messia moderno. Per lei, Al-Masih è un truffatore elaborato e pericoloso, un maestro della manipolazione che sta ingannando milioni di persone attraverso il potere virale dei media digitali. La serie si sviluppa come un dilemma geopolitico ipotetico ma tremendamente realistico: come si ferma qualcuno la cui influenza si basa sulla fede, quando ogni tentativo di smascherarlo può trasformarlo in un martire agli occhi dei suoi seguaci?

Messiah funziona su più livelli narrativi. È un thriller che tiene incollati allo schermo, ma è anche un commento tagliente sui pericoli della disinformazione nell'era digitale. La maggior parte dei seguaci di Al-Masih lo conosce solo attraverso video virali e post sui social media, un dettaglio che risuona in modo inquietante con la nostra realtà quotidiana. Quanto sappiamo veramente delle figure che veneriamo online? Quanto è facile costruire una narrazione quando si controlla la sua diffusione virale?

Con 10 episodi che variano dai 38 ai 55 minuti, per un totale di circa 7 ore e mezza, Messiah è perfetta per un binge watching da weekend. Non richiede l'impegno titanico di serie da 8 stagioni, ma offre abbastanza sostanza per un'immersione completa in un mondo che mescola tensione, mistero e conflitto morale.

La controversia attorno alla serie potrebbe spiegare perché Netflix ha deciso di non rinnovarla per una seconda stagione, nonostante la richiesta del pubblico. Alcuni gruppi religiosi hanno considerato il tema provocatorio, se non offensivo. Ma è proprio questa esplorazione senza filtri delle credenze estreme e di come la società dovrebbe rispondere a esse che rende Messiah così rilevante. Come nel celebrato Waco con Taylor Kitsch e Michael Shannon, la serie racconta una storia senza tempo di fede contro autorità, di credenza contro scetticismo.

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Super Mario Galaxy il Film sta vivendo uno dei fenomeni più polarizzanti del cinema contemporaneo: mentre la critica storce il naso, il pubblico accorre in massa nelle sale tributando al sequel un gradimento quasi plebiscitario. Su Rotten Tomatoes, la piattaforma che aggrega recensioni professionali e opinioni degli spettatori, il divario è abissale: 91% di approvazione da parte del pubblico contro un magro 43% della critica specializzata.

Non è la prima volta che l'idraulico baffuto di Nintendo si trova al centro di un terremoto valutativo. Il franchise di Super Mario al cinema ha sempre vissuto questa schizofrenia: da una parte i fan nostalgici, pronti a esaltarsi per ogni Easter egg e riferimento ai videogiochi, dall'altra i recensori professionali che cercano profondità narrativa, sviluppo dei personaggi e sceneggiature solide. The Super Mario Galaxy Movie porta questa tensione a nuovi estremi.

Il film diretto da Aaron Horvath e Michael Jelenic riporta sullo schermo Chris Pratt nei panni di Mario, affiancato da Anya Taylor-Joy come Principessa Peach e Charlie Day come Luigi. Questa volta l'avventura si espande oltre il Regno dei Funghi, proiettando i protagonisti in una missione galattica per affrontare Bowser Jr. Il cast si arricchisce di nuovi nomi: Brie Larson, Donald Glover e Glen Powell si uniscono alla squadra, mentre personaggi iconici come Yoshi e Rosalina fanno finalmente il loro debutto cinematografico.

Proprio qui si annida il cuore della divisione critica. I recensori professionisti hanno puntato il dito contro una sceneggiatura ritenuta troppo sottile, archi narrativi poco sviluppati per Mario e Rosalina, e un cast talmente affollato da non permettere ai singoli personaggi di respirare. Matthew Fogel, sceneggiatore del film, avrebbe secondo i critici sacrificato la sostanza sull'altare dello spettacolo visivo e della quantità di riferimenti al mondo videoludico.

Il pubblico, però, racconta una storia completamente diversa. Oltre 1000 recensioni verificate su Rotten Tomatoes testimoniano un entusiasmo travolgente. La nostalgia gioca un ruolo fondamentale: vedere personaggi amati da decenni prendere vita sul grande schermo, riconoscere citazioni a Star Fox, il tirannosauro, i baby Mario e Luigi che muovono le nocche mentre Yoshi appare in primo piano, tutto questo crea un'esperienza emotiva che trascende le considerazioni puramente cinematografiche.

I social media sono esplosi di reazioni positive, specialmente per l'overload di tenerezza garantito da Yoshi e dalle stelle Luma. La connessione tra Rosalina e Peach ha acceso discussioni appassionate, mentre la scena post-credits ha generato aspettative altissime per un eventuale terzo capitolo, nonostante alcune perplessità sul design di un nuovo personaggio misterioso rivelato nel finale.

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C'è qualcosa di profondamente affascinante nell'idea di un assassino perfetto. Un professionista talmente abile da risultare invisibile, capace di assumere qualsiasi identità e di colpire senza lasciare traccia. È questo il cuore pulsante di The Day of the Jackal, la serie Sky Original che questa sera arriva per la prima volta in tv su Cielo alle 21:20 e che non potete assolutamente perdervi, dopo aver conquistato il pubblico italiano in streaming.

Protagonista assoluto è Eddie Redmayne, attore britannico vincitore di Oscar, Tony e BAFTA Award, che qui si cala nei panni dello Sciacallo con una trasformazione che va ben oltre il semplice cambio di costume. Redmayne costruisce un personaggio dalle molteplici sfaccettature: assassino spietato e metodico, ma anche uomo capace di condurre una doppia vita accanto a Nuria, interpretata dalla star internazionale Úrsula Corberó. È il paradosso di chi uccide su commissione mantenendo l'apparenza di una vita normale, una dualità che Redmayne esplora con la precisione chirurgica che lo contraddistingue.

La serie, disponibile in esclusiva streaming su Sky e NOW e ora anche in televisione, si presenta come una rivisitazione contemporanea in dieci episodi dell'iconico romanzo di Frederick Forsyth, già portato al cinema nel 1973. Ma qui non si tratta di un semplice remake nostalgico. La produzione britannica firma un thriller psicologico ambientato ai giorni nostri, dove la tecnologia dei servizi segreti si scontra con l'astuzia di un criminale che sembra sempre un passo avanti.

Accanto a Redmayne troviamo Lashana Lynch, vincitrice del BAFTA Rising Star Award, nei panni di Bianca, tenace ufficiale dell'MI6. È lei l'avversario inaspettato che lo Sciacallo si trova ad affrontare quando, dopo l'ennesimo incarico portato a termine con successo, attira l'attenzione dell'intelligence britannica. Si innesca così una caccia implacabile che attraversa Monaco, Tallinn e diverse capitali europee, un inseguimento che diventa progressivamente una partita a scacchi dove ogni mossa può essere letale.

La struttura narrativa della prima stagione alterna momenti di azione pura a passaggi più riflessivi, costruendo una tensione crescente che esplode negli episodi centrali. The Day of the Jackal rappresenta quel tipo di thriller europeo che sa bilanciare azione e profondità psicologica, spettacolo e riflessione. Non cerca scorciatoie narrative né si affida a colpi di scena gratuiti. Costruisce invece una storia stratificata dove ogni elemento, ogni personaggio secondario, ogni location contribuisce a un disegno più ampio. È una serie che richiede attenzione, che premia chi segue i dettagli e coglie i riferimenti sottili disseminati lungo i dieci episodi.

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Ci sono film che attraversano i decenni mantenendo intatto il loro potere ipnotico, opere che sfidano il tempo e continuano a insinuarsi nei nostri incubi. L'Esorcista di William Friedkin è esattamente questo: un monumento del cinema horror che, a oltre cinquant'anni dalla sua uscita nelle sale, conserva una capacità di disturbare che pochi altri titoli possono vantare.

La programmazione televisiva di Italia 2, alle 21.00, offre l'occasione di riscoprire o incontrare per la prima volta questo capolavoro del 1973, un'esperienza che va ben oltre il semplice film dell'orrore. Parliamo di un'opera che ha ridefinito i confini del genere, trasformando la paura in qualcosa di visceralmente reale e psicologicamente devastante.

La storia si svolge nel tranquillo quartiere di Georgetown, Washington D.C., dove l'attrice Chris MacNeil vive con la giovane figlia Regan. Quello che inizia come un inspiegabile deterioramento della salute della bambina si trasforma rapidamente in un incubo che sfida ogni razionalità. Comportamenti violenti, fenomeni inspiegabili, una personalità che sembra dissolversi per lasciare spazio a qualcosa di oscuro e primordiale.

La medicina moderna si rivela impotente. I medici consultati da Chris non trovano spiegazioni né cure per ciò che affligge Regan. È in questo vuoto di risposte scientifiche che si apre lo spazio del soprannaturale, della fede come ultima risorsa contro l'inspiegabile. Padre Karras, un gesuita tormentato dalla propria crisi spirituale, viene incaricato di investigare sul caso. Quando anche lui si convince che la bambina è posseduta da una forza demoniaca, viene chiamato in causa il veterano esorcista Padre Merrin.

Quello che segue è uno scontro titanico tra fede e male assoluto, una battaglia che metterà alla prova non solo le convinzioni religiose dei protagonisti ma la loro stessa integrità mentale e fisica. La lotta contro il demone che abita Regan diventa un viaggio negli abissi dell'orrore più puro, dove il corpo di una bambina innocente si trasforma nel campo di battaglia di forze ancestrali.

L'eccezionalità de L'Esorcista risiede nella sua capacità di operare su molteplici livelli. Non è solo la rappresentazione visiva dell'orrore a colpire, sebbene le scene di possessione restino tra le più disturbanti mai realizzate. È l'atmosfera di crescente angoscia che Friedkin costruisce con maestria chirurgica, un senso di oppressione che penetra lo schermo e invade lo spettatore.

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Nel panorama della commedia italiana, pochi film hanno saputo incarnare lo spirito di un'epoca come Un sacco bello. Esordio alla regia di Carlo Verdone nel 1980, questo film rappresenta molto più di una semplice pellicola comica: è un affresco sociologico dell'Italia di inizio anni Ottanta, un manifesto generazionale e un esperimento cinematografico che all'epoca nessuno aveva osato tentare con tale maestria. L'appuntamento è per stasera, su Cine34, alle 21.00.

La scommessa era ardita: un attore ventottenne che interpreta tre personaggi completamente diversi nello stesso film, dirigendosi da solo al primo tentativo dietro la macchina da presa. Verdone non si limita a cambiare costume e trucco. Dà vita a Enzo, Marisol e Leo, tre archetipi della società italiana che vivono storie parallele ambientate in una Roma deserta, sospesa nel vuoto esistenziale di un Ferragosto solitario.

Enzo è il dongiovanni sfigato, il fan sfegatato di Elvis Presley che vive ancora con la madre e coltiva fantasie di conquiste polacche che si riveleranno pateticamente irrealizzabili. Marisol è il giovane parrucchiere ingenuo e timido, dolce e impacciato, innamorato di una ragazza spagnola che incontra per caso. Leo è il marchigiano arrogante, prepotente, rozzo, che si trasferisce nella Capitale con la presunzione di conquistarla e finisce travolto dalla propria inadeguatezza.

Tre solitudini, tre fallimenti, tre modi diversi di non riuscire a crescere. La struttura episodica del film, che alcuni critici hanno considerato frammentata, è in realtà il suo punto di forza narrativo. Ogni storia funziona come uno specchio in cui una parte del pubblico può riconoscersi, ridere di sé stesso, sentire quella punta di malinconia che trasforma la risata in riflessione.

La Roma che fa da sfondo alle vicende è essa stessa un personaggio. Deserta, assolata, sospesa nel tempo ferragostano, diventa il palcoscenico perfetto per questi antieroi che vagano tra illusioni e disillusioni. Le immagini della Capitale anni Ottanta catturate da Verdone sono oggi un documento storico, un tuffo nella memoria per chi c'era e una scoperta affascinante per chi quella Roma può solo immaginarla.

Il film, che dura un'ora e trentacinque minuti, è un concentrato di battute entrate nel linguaggio comune, situazioni comiche che sono diventate cult e momenti di autentica poesia visiva. Verdone dimostra già da questa opera prima una capacità rara: quella di mescolare registro alto e basso, commedia e dramma, risata e amarezza senza mai perdere il controllo del tono.

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Ci sono pellicole che attraversano i decenni senza perdere un grammo del loro fascino. Don Camillo è una di queste. Uscito nel 1952 per la regia del francese Julien Duvivier, il film resta ancora oggi al settimo posto nella classifica dei film italiani più visti di tutti i tempi. Un risultato straordinario per un'opera che ha ormai superato i settant'anni, continuando a conquistare generazioni di spettatori con la sua miscela unica di commedia, umanità e riflessione sociale. L'appuntamento è per stasera, su Rete 4, alle 21.30.

La storia è ambientata a Brescello, provincia di Reggio Emilia, un piccolo mondo dove si consuma quotidianamente il duello tra due figure apparentemente inconciliabili: don Camillo, il parroco dal carattere irascibile ma dal cuore generoso, e Peppone, il sindaco comunista, rude e testardo ma fondamentalmente buono. Entrambi rappresentano le anime politiche e ideologiche dell'Italia del dopoguerra, un paese diviso tra Chiesa e sinistra, tradizione e modernità, campanile e sezione di partito.

Eppure, nonostante gli scontri verbali, le provocazioni e i dispetti reciproci, i due finiscono sempre per trovare un punto d'incontro. Perché sotto la superficie delle ideologie c'è qualcosa di più profondo: il bene della comunità, l'affetto per quella terra e per quelle persone che entrambi, ciascuno a modo suo, vogliono proteggere. Don Camillo dialoga con il Cristo crocifisso della sua chiesa, che gli fa da consigliere e coscienza critica. Peppone stringe i pugni davanti al manifesto di Stalin, ma poi si commuove quando nascono i suoi figli. Sono uomini veri, contraddittori, riconoscibili.

Il film è liberamente ispirato ai racconti di Giovannino Guareschi, raccolti nel volume "Mondo piccolo" pubblicato nel 1948. Guareschi aveva creato questi personaggi attingendo dalla sua esperienza diretta: conosceva bene la pianura padana, i suoi ritmi, le sue tensioni politiche, quel mix esplosivo di fede cattolica e idealismo comunista che caratterizzava molti paesi del Nord Italia. I suoi racconti, pubblicati inizialmente sul settimanale Candido, avevano già conquistato i lettori. Il passaggio al cinema fu naturale, quasi inevitabile.

Per interpretare don Camillo venne scelto Fernandel, attore francese dal volto inconfondibile e dal talento comico straordinario. La sua capacità di passare dal grottesco al patetico, dalla gag fisica alla malinconia, si rivelò perfetta per dare vita al parroco più famoso del cinema italiano. Al suo fianco, Gino Cervi vestì i panni di Peppone con un'intensità e una credibilità che ne fecero un'icona. Cervi portò sullo schermo tutta la dignità operaia, la fierezza politica e l'umanità nascosta del sindaco comunista. L'alchimia tra i due attori fu magistrale, tanto che il loro sodalizio proseguì in ben quattro sequel.

Il primo Don Camillo fu campione d'incassi della stagione 1952-53. Il pubblico italiano si riconobbe in quelle storie, in quei paesaggi, in quelle dinamiche. Era l'Italia che usciva dalle macerie della guerra, che cercava di ricostruire non solo le case ma anche il tessuto sociale. Un'Italia dove ci si scontrava duramente ma ci si rispettava, dove le differenze erano nette ma non impedivano la convivenza. Il film riuscì a raccontare tutto questo con leggerezza, senza retorica, con un sorriso amaro ma mai cinico.

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Nella cornice di Los Angeles, la città delle luci, dei sogni e dei crimini incerti, Crime 101 si erge come un prodotto che mescola le atmosfere cupe del noir con una trama pulsante di adrenalina. Ma è davvero solo un’altra serie di ladri e furti ben progettati? La risposta, che affiora tra i contorni sfocati della serie, è decisamente più complessa.

La serie è un'opera che, fin dal primo episodio, si distingue per il suo approccio fresco e irriverente al genere. Non è solo il furto che si consuma davanti agli occhi degli spettatori, ma la tensione psicologica che scaturisce dall’interazione dei suoi protagonisti. E in questo scenario, Los Angeles non è solo il palcoscenico; è un personaggio a sé, una metropoli dove il crimine galleggia come il fumo nelle strade buie, tra luci al neon e ombre interminabili.

Un cast di personaggi indimenticabili

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Per capire perché Emergenza radioattiva funziona così bene, bisogna prima capire quanto sia assurda e terribile la storia che racconta — e quanto sia, allo stesso tempo, completamente vera. Era il 13 settembre 1987 quando due raccoglitori di rottami, Roberto dos Santos Alves e Wagner Mota Pereira, fecero irruzione nell'Instituto Goiano de Radioterapia di Goiânia, in Brasile, una clinica privata che aveva chiuso i battenti due anni prima trasferendosi in una sede più moderna. Nell'edificio abbandonato, lasciato praticamente incustodito, trovarono un macchinario medico — il Cesapan F-3000, un'unità di teleterapia degli anni Cinquanta — e decisero di smontarlo per rivenderne i pezzi. All'interno c'era una capsula contenente Cesio-137, un isotopo radioattivo usato nelle terapie oncologiche. I due non riconobbero il simbolo del trifoglio nero su fondo giallo che segnalava il pericolo, e portarono il cilindro a casa.

La polvere blu e la catena di contaminazioni

Devair Alves Ferreira, il rigattiere a cui i due vendettero il macchinario per una manciata di dollari, riuscì ad aprire la capsula con un cacciavite e vide qualcosa che lo lasciò senza parole: una polvere blu fosforescente che brillava nel buio, come se fosse animata da qualche proprietà soprannaturale. Convinto di aver trovato qualcosa di magico o prezioso, la mostrò alla famiglia, agli amici, ai vicini. Ne distribuì piccoli granelli. La figlia di sei anni di suo fratello Ivo se la spalmò sul viso e ne ingerì una parte, affascinata dal colore. La bambina, Leide das Neves Ferreira, morì settimane dopo, a sei anni, per i danni delle radiazioni — fu una delle quattro vittime accertate del disastro. Gli effetti sulla pelle e sugli organi iniziarono a manifestarsi nel giro di pochi giorni su decine di persone, ma nessun medico capiva da cosa fossero causati: nausea, vomito, ustioni, perdita di capelli, gonfiore alle mani. Uno dei due ladri originali perse un braccio intero per amputazione.

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Quando la Nazionale italiana fallisce ancora una volta la qualificazione ai Mondiali, il dolore non è solo sportivo. È una ferita profonda che, come spesso accade, si estende oltre i confini del campo, influenzando l’animo di tutti coloro che si sentono coinvolti in questo dramma collettivo. Ed è curioso come una voce estranea, lontana dalla realtà calcistica, possa esprimere un sentimento che sembra parlare direttamente al cuore degli italiani. Proprio come ha fatto Russell Crowe.

Il famoso attore australiano, noto per il suo ruolo nel leggendario Il Gladiatore, ha scelto di condividere il suo rammarico con i suoi follower sui social, lanciando un messaggio semplice ma carico di significato. Con un linguaggio sincero e immediato, Crowe ha descritto l’Italia come "un’alba buia" dopo l’eliminazione della Nazionale dai Mondiali, una frase che sembra esprimere più di un semplice commento sportivo. Il suo messaggio, scritto in italiano, non ha fatto altro che confermare il profondo legame che Crowe ha costruito con il nostro paese, ma ha anche sollevato una riflessione più ampia.

Un’amicizia inaspettata

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Netflix aumenta. Netflix ritocca. Netflix aggiorna i prezzi. Per anni è sembrata la normalità dello streaming, una di quelle dinamiche quasi inevitabili che il pubblico finisce per assorbire senza davvero fermarsi a interrogarsi su cosa stia pagando e perché. Ora, però, quella normalità si incrina. E lo fa in modo netto, giuridico, difficilmente aggirabile. Il Tribunale di Roma ha emesso una sentenza, accogliendo l'azione promossa dal Movimento Consumatori contro Netflix Italia. I giudici hanno dichiarato vessatorie e nulle le clausole contrattuali che consentivano alla piattaforma di streaming di modificare unilateralmente i prezzi degli abbonamenti. La decisione copre un arco temporale significativo: dal 2017 fino a gennaio 2024. Per milioni di utenti italiani, questo significa che hanno diritto a un rimborso fino a 500€.

Si tratta di una violazione del Codice del Consumo che riguarda una platea potenzialmente enorme e che, per la prima volta, rimette in discussione un modello che sembrava ormai consolidato. Ed è qui che il discorso cambia completamente prospettiva, perché dichiarare illegittimi quegli aumenti significa, in modo quasi automatico, riconoscere che quelle somme non dovevano essere pagate.

I numeri fanno impressione e non sono più teorici ma estremamente concreti. Secondo le stime dell'associazione dei consumatori, un abbonato premium che abbia mantenuto attivo il servizio ininterrottamente dal 2017 a oggi potrebbe ottenere la restituzione di circa 500 euro. Chi ha sottoscritto un piano standard avrebbe invece diritto a un rimborso di circa 250 euro. Gli aumenti illegittimi riguardano anche il piano base, che ha subito un rincaro di 2 euro a ottobre 2024.

Ma come ottenere nel concreto questo rimborso? Tecnicamente dovrebbe essere Netflix stessa a mettersi in contatto con voi, ma considerando che l'azienda ha intenzione di fare ricorso in tribunale, potreste dover aspettare un bel po'. La strategia migliore è quella di agire con una richiesta via mail. Per prima cosa recuperate la vostra cronologia pagamenti dalla prima fatturazione ad oggi per capire se avete diritto al rimborso e a quanto ammonterebbe. In seguito potete contattare direttamente Netflix con una mail, presentando la documentazione dei vostri pagamenti, facendo riferimento alla sentenza del Tribunale di Roma. Se non riceverete risposta dalla piattaforma, potreste anche mettervi in contatto con il Movimento Consumatori. Non è escluso, infatti, che se la procedura non verrà gestita in modo automatico e trasparente, si arrivi a una nuova fase di contenzioso, con una class action pronta a trasformare una sentenza in un vero caso industriale.

Ogni abbonato ha diritto non solo alla restituzione delle somme indebitamente pagate, ma anche a una riduzione del prezzo attuale dell'abbonamento in misura pari agli aumenti ritenuti illegittimi, oltre all'eventuale risarcimento del danno. Chi può chiedere il rimborso? La platea è molto più ampia di quanto si potrebbe immaginare. Non riguarda soltanto chi è ancora abbonato oggi, ma anche chi nel tempo ha sottoscritto un contratto con Netflix e poi ha deciso di interromperlo, magari proprio a causa degli aumenti progressivi. In altre parole, il diritto al rimborso segue il contratto, non la permanenza attuale sulla piattaforma. Ed è questo uno degli elementi che rende la sentenza particolarmente rilevante, perché apre a una restituzione che coinvolge anche ex clienti, ampliando in modo significativo l'impatto economico per l'azienda.

Ma cosa rende illegittimi questi aumenti? Il cuore della questione sta nella formulazione delle clausole contrattuali. Netflix si era riservata la possibilità di modificare il prezzo degli abbonamenti senza indicare nel contratto un giustificato motivo specifico. Una genericità che i giudici romani hanno ritenuto in violazione del Codice del Consumo. In pratica, la piattaforma poteva alzare i prezzi quando voleva, comunicandolo agli utenti ma senza fornire una motivazione trasparente basata su reali aumenti dei costi di produzione.

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Un'importante premiazione sta per arrivare, che celebrerà alle migliori produzioni scritte del panorama cinematografico e televisivo del bel paese. In attesa dell’inizio della prima edizione di SCRIPT Fest – Festival di Sceneggiatura, in programma a Bra dal 16 al 19 aprile 2026, vengono annunciati gli Script Fest Award, i riconoscimenti dedicati alle migliori sceneggiature italiane di film e serie usciti nel 2025.

Elemento centrale del festival, gli Script Fest Award nascono con un obiettivo preciso: riportare al centro del discorso culturale il lavoro degli sceneggiatori. A votare i premi è infatti una “Script Academy” composta dagli autori iscritti a Writers Guild Italia e 100autori, rendendo questi riconoscimenti unici nel panorama italiano perché assegnati direttamente dalla comunità degli sceneggiatori. A ricevere il primo Script Fest LIFE Award sarà l’ospite d’onore internazionale Tony McNamara, tra le voci più originali e influenti della scrittura contemporanea, candidato agli Oscar per La Favorita e Povere Creature! e creatore della serie The Great. A lui il festival dedica un riconoscimento alla carriera, celebrando una scrittura capace di attraversare cinema e serialità con uno stile inconfondibile.

Per il cinema italiano, il premio per la Miglior sceneggiatura originale per film drammatico è assegnato a La valle dei sorrisi, diretto da Paolo Strippoli e scritto da Jacopo Del Giudice, Paolo Strippoli, e Milo Tissone. Le assaggiatrici, diretto da Silvio Soldini e sceneggiato da Doriana Leondeff, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca e Silvio Soldini, vince come Miglior sceneggiatura non originale per film drammatico italiano.

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Quando Netflix ha annunciato Terminator Zero, molti hanno storto il naso. Un anime su Terminator? Senza Arnold Schwarzenegger? Sembrava l'ennesimo tentativo disperato di rianimare un franchise che da Judgment Day in poi aveva collezionato più disastri che successi. Eppure, quella serie animata di otto episodi ha ottenuto un risultato che nessun film costoso e pieno di esplosioni era riuscito a raggiungere da decenni: ha reinventato l'identità stessa del franchise, introducendo idee fresche e risolvendo problemi narrativi che affliggevano la saga da anni.

Ora che Firefly si prepara a tornare con un reboot animato dopo 24 anni dalla cancellazione originale, la lezione di Terminator Zero diventa fondamentale. Entrambe le serie condividono un destino simile: culti della fantascienza cancellati dopo una sola stagione, amati da una fanbase devota ma mai davvero compresi dalle reti che li trasmettevano. La differenza è che Terminator Zero ha dimostrato che l'animazione non è un ripiego, ma un'opportunità per espandere ciò che una storia può fare.

La vera rivoluzione di Terminator Zero non sta tanto nella scelta dell'animazione, quanto nella direzione narrativa completamente nuova. Dove i film recenti continuavano a riciclare lo stesso schema del protettore meccanico inviato nel passato, la serie ha rovesciato il tavolo da gioco. Al centro c'è un'intelligenza artificiale che deve decidere se l'umanità merita di sopravvivere, mentre i personaggi umani devono letteralmente argomentare il loro diritto all'esistenza. È filosofia fantascientifica allo stato puro, il tipo di riflessione che Philip K. Dick avrebbe apprezzato.

Ma c'è di più. Terminator Zero ha fatto qualcosa che sembrava impossibile: ha dato un senso alla cronologia caotica del franchise. Chiunque abbia provato a seguire la timeline di Terminator sa che è un disastro. Tra retcon, paradossi temporali e regole che cambiano da un film all'altro, la continuità era diventata un groviglio inestricabile. La soluzione della serie? Il multiverso. Ogni viaggio nel tempo crea una nuova realtà, una nuova linea temporale parallela. Semplice, elegante, e retroattivamente capace di spiegare tutte le contraddizioni precedenti.

Questo approccio al multiverso non è solo una toppa narrativa, è una dichiarazione d'intenti. Dice che il franchise può essere più grande di una singola storia, che ci può essere spazio per interpretazioni diverse, per visioni autoriali che non devono per forza cancellare ciò che è venuto prima. È una libertà creativa che franchise come Star Wars o Star Trek hanno abbracciato da tempo, ma che Terminator sembrava incapace di comprendere.

Terminator Zero ha dimostrato che il rispetto per il materiale originale non significa replicarlo. La serie mantiene il design iconico dei T-800, l'estetica visiva e il senso di tensione che caratterizzava i primi film, ma li mette al servizio di una storia nuova. Non c'è fan service vuoto, non ci sono strizzate d'occhio che esistono solo per far dire al pubblico "hey, l'ho capita". C'è invece un'espansione genuina del mondo, nuovi personaggi con archi narrativi complessi, dilemmi morali che vanno oltre il semplice "umani buoni, macchine cattive".

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Mentre The Boys si avvia verso la sua quinta e ultima stagione, Eric Kripke ha ribadito uno dei principi cardine che ha guidato la serie sin dal primo episodio: nel mondo creato da Amazon Prime Video, Marvel e DC semplicemente non esistono. Non come fumetti, non come film, non come riferimenti culturali. È una scelta creativa radicale per una serie che vive di satira supereroistica, eppure questa limitazione autoimposta rappresenta uno degli elementi più intelligenti dell'intera costruzione narrativa.

In un'intervista con ScreenRant, il creatore di Supernatural ha spiegato con chiarezza cristallina la filosofia alla base di questa decisione. "L'unica vera regola ferrea nello show è che non puoi fare riferimento a Marvel o DC", ha dichiarato Kripke. Nel canone di The Boys, i supereroi esistono esclusivamente sotto il marchio Vought, la corporazione onnipotente che li ha creati, commercializzati e trasformati in macchine da profitto. Non ci sono film Marvel da cui prendere ispirazione, non esistono fumetti DC nelle edicole. È un universo dove l'unica mitologia superoistica disponibile è quella controllata dalla megacorporazione al centro della storia.

La regola si estende anche alle sfumature più sottili della cultura pop. Kripke ha ammesso che a volte la limitazione diventa complicata da gestire, considerando quanto profondamente Marvel e DC abbiano permeato il tessuto della cultura contemporanea. "Fai così tanti riferimenti alla cultura pop e molti di questi riferimenti oggi riguardano Superman, per esempio. Ma non ti è permesso farlo", ha spiegato. Tuttavia, il team creativo ha imparato a navigare questi confini con astuzia: fuori da questa singola restrizione, utilizzano ogni riferimento possibile, creando un mondo che si sente reale e riconoscibile pur mantenendo la sua distintiva alternatività.

Questa scelta non è casuale né arbitraria. The Boys ha costruito la sua identità proprio sulla decostruzione del genere supereroistico, e farlo mentre si riconoscesse l'esistenza di altri universi di supereroi comprometterebbe l'immersione. Se i personaggi potessero commentare le ultime uscite Marvel o confrontare Homelander con Superman, la serie perderebbe quel senso di realtà distorta che la rende così efficace. L'assenza di questi riferimenti rende Vought l'unica fonte di eroismo commercializzato, amplificando il commento satirico sulla corporatizzazione della cultura e sulla manipolazione mediatica.

L'approccio di Kripke mira a creare un mondo "assolutamente reale in ogni modo possibile", come lui stesso ha sottolineato. È il nostro mondo, con le nostre città, la nostra storia, i nostri problemi politici e sociali, ma con una differenza fondamentale: i supereroi esistono, e questa singola variabile ha corrotto e distorto tutto. Questa filosofia narrativa permette alla serie di commentare la realtà contemporanea con un'incisività che sarebbe impossibile in un universo più fantastioso o in uno che si riconoscesse esplicitamente come finzione.

La distinzione diventa ancora più interessante quando si confronta The Boys con i franchise che parodia. Il Marvel Cinematic Universe e il nuovo DC Universe di James Gunn abbracciano apertamente la loro natura di fantasia, costruendo mondi dove l'impossibile è normalizzato e le conseguenze reali raramente hanno peso permanente. The Boys fa l'opposto: àncora ogni elemento fantastico a conseguenze brutalmente realistiche. I superpoteri non portano responsabilità, come predicava lo zio Ben, ma corruzione, trauma e abuso di potere sistemico.

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Quando pensi a Billie Eilish, la prima immagine che ti viene in mente è probabilmente quella di una delle popstar più influenti della sua generazione: Grammy e Oscar in bacheca, milioni di stream, una presenza scenica che ha ridefinito l'estetica musicale contemporanea. Quello che forse non sai è che nel 2023 Eilish ha fatto il suo debutto nella recitazione scripted, e lo ha fatto in una delle miniserie thriller più sottovalutate di Prime Video.

Si chiama Swarm, dura meno di quattro ore totali ed è costruita appositamente per essere divorata in una sola serata. Sette episodi compressi tra i 27 e i 39 minuti ciascuno, per un runtime complessivo di 3 ore e 57 minuti. Non è solo una questione di lunghezza: questa serie co-creata da Donald Glover, la mente dietro Atlanta e Mr. & Mrs. Smith, ha tutte le carte in regola per tenerti incollato allo schermo dall'inizio alla fine.

Swarm ha ottenuto l'87% di gradimento su Rotten Tomatoes, certificato Fresh dalla critica, e ha diviso il pubblico in modo affascinante. È una dark comedy thriller con venature satiriche, un prodotto che sfida le convenzioni e gioca pericolosamente con i confini tra omaggio e critica alla cultura dei fan ossessivi. Il tipo di serie che non passa inosservata.

La storia segue Andrea "Dre" Greene, interpretata da Dominique Fishback, una giovane donna la cui esistenza ruota interamente attorno a Ni'Jah, una superstar internazionale del pop. Chiunque abbia familiarità con la cultura musicale contemporanea riconoscerà immediatamente l'ispirazione: Ni'Jah è un chiaro alter ego di Beyoncé, e i suoi fan, chiamati The Swarm, riecheggiano il famigerato BeyHive. Non è un segreto, e la serie non fa nulla per nasconderlo. Anzi, il primo episodio si apre con un disclaimer provocatorio che recita: "Questo non è un lavoro di finzione. Qualsiasi somiglianza con persone reali, vive o morte, o con eventi, è intenzionale".

Dopo una tragedia personale devastante che la lascia senza punti di riferimento, Dre intraprende un viaggio attraverso gli Stati Uniti con un obiettivo inquietante: eliminare chiunque osi criticare Ni'Jah online. È un'esplorazione viscerale e disturbante della cultura dei fan nell'era digitale, quando l'adorazione supera ogni confine razionale e si trasforma in violenza.

Swarm è stato paragonato a Perfect Blue, il celebrato film d'animazione di Satoshi Kon che ha esplorato temi simili di ossessione, identità e celebrità. Perfect Blue, a sua volta, è considerato una delle ispirazioni dietro Black Swan di Darren Aronofsky, vincitore dell'Oscar. Il filo conduttore è evidente: tutte queste opere interrogano il confine sottile tra ammirazione e patologia, tra devozione e perdita di sé.

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Ci sono serie che nascono, brillano intensamente e vengono spente prima del tempo. The Society è una di queste storie maledette, un thriller fantascientifico che Netflix ha lanciato nel 2019 conquistando critica e pubblico, salvo poi cancellarla dopo una sola stagione nonostante il rinnovo già approvato. Sette anni dopo il suo debutto mondiale, questa produzione rimane silenziosamente una delle migliori proposte per chi cerca qualcosa da divorare in un weekend, un viaggio in dieci episodi che mescola distopia adolescenziale, mistero psicologico e dinamiche sociali complesse.

Con un punteggio Certified Fresh dell'86% su Rotten Tomatoes, The Society non è stata semplicemente una serie teen qualunque. Il cast, sorprendentemente ricco di talenti, vede protagoniste Rachel Keller di Tokyo Vice e Kathryn Newton di Big Little Lies, affiancate da Kristine Froseth di The Buccaneers e Spencer House di Tell Me Lies. Un ensemble giovane ma già affermato che ha dato vita a una narrazione stratificata, capace di parlare al pubblico adolescente senza mai sottovalutarne l'intelligenza.

La premessa richiama inevitabilmente Il signore delle mosche di William Golding, ma con una torsione fantascientifica che eleva il materiale oltre la semplice storia di sopravvivenza. Un gruppo di liceali della benestante West Ham, nel Connecticut, parte per una gita di dieci giorni. Al ritorno, scopre che tutti gli adulti sono scomparsi. Non solo: la cittadina è ora circondata da una foresta minacciosa che impedisce ogni fuga, e ogni connessione con il mondo esterno è stata recisa. Niente internet, niente telefoni, niente aiuto in arrivo.

Isolati e abbandonati a sé stessi, i ragazzi devono costruire dal nulla un sistema sociale per sopravvivere. Cassandra e Allie, due sorelle interpretate rispettivamente da Keller e Newton, emergono come leader naturali, tentando di stabilire ordine e regole in una comunità che rischia il collasso. Ma il caos ha sempre un volto, e in questo caso porta il nome di Harry, interpretato da Alex Fitzalan, che guida una resistenza anti-autoritaria destinata a mettere alla prova ogni fragile equilibrio.

Quello che inizia come un semplice mistero per adolescenti si evolve rapidamente in qualcosa di inaspettatamente sofisticato. The Society non ha paura di affrontare dibattiti sulla governance, confrontando capitalismo e socialismo, democrazia e dittatura, con una serietà che poche altre serie rivolte a quel pubblico osano.

La cancellazione è arrivata come un colpo inaspettato e doloroso. La seconda stagione era già stata rinnovata, la produzione doveva iniziare nel marzo 2020. Poi la pandemia da COVID-19 ha fermato tutto. Le riprese sono state rimandate all'infinito, l'enorme cast ensemble si è disperso verso altri progetti, e alla fine Netflix ha preso la decisione di non proseguire. Una delle cancellazioni più deludenti nella storia del servizio streaming, considerando l'accoglienza critica e i numeri di visualizzazione solidi.

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Dopo un anno che la vedrà protagonista assoluta tra cinema e TV, Zendaya sorprende tutti con un annuncio inaspettato: “Sparirò per un po’”. Una frase pronunciata con leggerezza, ma che nasconde una scelta precisa e ponderata. L’attrice, tra le più amate e influenti della sua generazione, si prepara infatti a vivere mesi intensissimi sotto i riflettori. Proprio per questo, ha deciso di prendersi una pausa dalla scena pubblica. Una decisione che apre una riflessione importante sul rapporto tra successo, esposizione mediatica e benessere personale.

Il contesto è fondamentale per comprendere questa scelta. Il 2026 si preannuncia come un vero e proprio “tour de force” per l’attrice: ben cinque grandi progetti in uscita la porteranno a essere costantemente sotto i riflettori. Si parte con The Drama, thriller psicologico prodotto da A24 in cui recita accanto a Robert Pattinson, seguito dal ritorno molto atteso nella terza stagione di Euphoria, dove riprende il ruolo di Rue. L’estate sarà dominata da due produzioni di altissimo profilo: The Odyssey di Christopher Nolan, in cui Zendaya interpreta la dea Atena, e Spider-Man: Brand New Day, quarto capitolo della saga che la vede nuovamente al fianco di Tom Holland.

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Quando Justice League arrivò nelle sale cinematografiche nel novembre 2017, portava con sé il peso di aspettative enormi e una produzione tra le più travagliate della storia recente di Hollywood. Il film che avrebbe dovuto unire i più grandi supereroi DC in un'epica battaglia per la salvezza della Terra si trovò invece al centro di una tempesta creativa che coinvolse due registi, reshoots costosi e persino la rimozione digitale dei baffi di Superman. Una vicenda che ancora oggi alimenta discussioni tra appassionati e che ha trovato un epilogo inaspettato con la versione estesa di Zack Snyder rilasciata nel 2021. L'appuntamento è per stasera, su Italia 1, alle 21.20.

La trama di Justice League prende avvio dopo la morte di Superman, evento che ha lasciato il mondo in lutto e vulnerabile. Bruce Wayne, interpretato da Ben Affleck, comprende che una nuova minaccia incombe sulla Terra e che nessun singolo eroe può affrontarla da solo. Decide quindi di formare una squadra, reclutando Diana Prince, la Wonder Woman di Gal Gadot, con cui inizia a cercare altri metaumani disposti a unirsi alla causa.

L'antagonista che li attende è Steppenwolf, un conquistatore intergalattico determinato a trovare e unire le tre Scatole Madri, dispositivi di potere immenso capaci di annientare completamente il pianeta. La corsa contro il tempo diventa quindi il cuore pulsante della narrazione, con gli eroi costretti a prepararsi per una battaglia decisiva consapevoli che solo la collaborazione potrà salvare l'umanità da una distruzione imminente.

Ma dietro le quinte, la produzione viveva i suoi drammi. Il film era nato come progetto di Zack Snyder, regista già responsabile di Man of Steel e Batman v Superman, che aveva una visione precisa per l'universo cinematografico DC. Tuttavia, una tragedia familiare costrinse Snyder ad abbandonare il progetto durante la fase di post-produzione. La Warner Bros affidò allora a Joss Whedon, reduce dal successo dei film degli Avengers per Marvel, il compito di completare l'opera.

Whedon non si limitò a supervisionare il montaggio finale, ma ordinò reshoots sostanziali che modificarono significativamente il tono del film, rendendolo più leggero e ironico rispetto alla visione originale di Snyder. Fu proprio durante queste riprese aggiuntive che si verificò l'episodio ormai leggendario dei baffi di Henry Cavill.

L'attore, che interpreta Superman, era nel frattempo impegnato nelle riprese di Mission Impossible - Fallout, dove il suo personaggio sfoggiava prominenti baffi richiesti dalla produzione Paramount. Il contratto con quella casa di produzione impediva a Cavill di rasarsi, così la Warner fu costretta a una soluzione tanto costosa quanto bizzarra: rimuovere digitalmente i baffi in post-produzione. Il risultato non sempre convincente divenne oggetto di meme e discussioni tra i fan, simbolo perfetto di una produzione che sembrava procedere a singhiozzo.

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Stasera in TV arriva uno dei film più sorprendenti e delicati degli ultimi anni: Perfect Days. Diretto dal maestro Wim Wenders, il film trasporta lo spettatore nella Tokyo più silenziosa e autentica, lontana dai cliché. Protagonista è Hirayama, un uomo apparentemente ordinario, la cui vita è scandita da gesti ripetuti e rituali quotidiani. Ma dietro questa semplicità si nasconde un universo interiore ricco e profondo. Con un ritmo lento e contemplativo, la pellicola conquista per la sua capacità di trasformare il quotidiano in poesia. Un appuntamento televisivo da non perdere per chi cerca un cinema diverso, più intimo e riflessivo.

Perfect Days è un film drammatico del 2023, coproduzione tra Giappone e Germania, della durata di 124 minuti. È stato distribuito in Italia nel gennaio 2024 e ha ottenuto un buon riscontro di pubblico e critica, con una valutazione media di 3,7 su 5. Stasera viene trasmesso alle 21:20 su Rai 3, offrendo a tutti la possibilità di scoprire un’opera già celebrata nei principali festival internazionali.

La storia ruota attorno a Hirayama, interpretato da Kōji Yakusho, un uomo taciturno che lavora come addetto alla pulizia dei bagni pubblici di Tokyo. Vive in una piccola casa, circondato da piante, e segue una routine precisa: si sveglia presto, cura il suo lavoro con attenzione quasi rituale, ascolta musica durante gli spostamenti e dedica il tempo libero alla lettura e alla fotografia degli alberi. La sua quotidianità, fatta di piccoli gesti, diventa il centro narrativo del film.

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