Chi bazzica nel mondo dei festival lo sa: non si riesce mai a vedere tutto. Bisogna selezionare le proiezioni. Incastrare orari, impegni e appuntamenti vari. Spesso, soprattutto per noi della stampa, si tende a dare priorità ai titoli più attesi. Al concorso, quindi. Mentre per i film delle sezioni parallele, quelle dedicate alla scoperta di nuovi autori, ci si affida al passaparola di chi li ha visti. Oppure, si entra in sala a scatola chiusa sperando di vincere la scommessa.

Quest’anno sulla Croisette c’è stato un titolo che ha cominciato a far parlare molto di sé sin dai primi giorni, e oggi, a festival concluso, resta uno dei più votati da critica e appassionati. E no, non parliamo quei film conclamati e preannunciati mesi prima dell’inizio della kermesse.

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Diretto dalla regista tedesca Valeska Grisebach, come nel precedente Western, anche Das geträumte Abenteuer è un racconto di frontiera, di spazi liminali riscoperti da qualcuno che torna da "fuori". Questa volta l'ambientazione è una terra brulla e dura al confine tra Bulgaria, Grecia e Turchia: Svilengrad, una piccola città ai margini di un'Europa dimenticata. È qui che Veska (Jana Radewa), un'archeologa navigata che si trova lì per dirigere gli scavi di una torre su un promontorio ventoso, ritrova Said (Suleyman Letifov), un amico a cui è stata appena rubata l'auto. Questo incidente scatenante è però solo l'inizio di una serie di eventi apparentemente sconclusionati, di un susseguirsi di personaggi e situazioni che rivelano, su tempi lunghi e dilatati, il contesto criminale e umano di quel luogo da cui Veska stessa, in realtà, proviene.

Veska e la riscoperta del passato

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Il 79simo Festival di Cannes è giunto al termine e oggi, 23 maggio, la giuria presieduta dal regista sudcoreano Park Chan-Wook ha annunciato i vincitori per le varie categorie, tra cui la Palma d’oro. Tante le conferme, tante le sorprese e, purtroppo, anche alcune delusioni cocenti, tra film in concorso, fuori e nelle altre sezioni parallele. In ogni caso, questa edizione non ha mai smesso di emozionarci, e noi di BadTaste l’abbiamo seguita interamente per voi.

I grandi film non sono mancati. Tra le perle cinematografiche sbarcate quest’anno sulla Croisette è impossibile non menzionare Fatherland di Pawel Pawlikoski, che sin dal terzo giorno si è imposto come il titolo da battere. Ma anche All of a Sudden, il ritorno di Ryusuke Hamaguchi in concorso a cinque anni dal folgorante Drive my car, Minotaur del russo Andrei Zvjagincev, El ser querido di Rodrigo Sorogoyen e soprattutto Hope di Na Hong-jin, senza dubbio il titolo più discusso, chiacchierato, amato e odiato del festival. E infine, la mina vagante che non ti aspetti: La bola negra di Javier Ambrosi e Javier Calvo. Un’opera ambiziosa, ma anche fresca, vitale e intima. 20 minuti di standing ovation, la terza più lunga della storia di Cannes. Un’altra edizione, insomma, si è conclusa. E ora si pensa già all'80sima. Ma prima, ecco l’elenco completo dei vincitori per le varie categorie e per la Palma d’oro 2026.

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All the Lovers in the Night arriva alla sezione Un Certain Regard del Festival di Cannes in un momento particolarmente significativo per il cinema giapponese. Quest'anno il Giappone è infatti il Paese d'Onore del Marché du Film, e per la regista Yukiko Sode questo timing porta con sé un doppio valore: l'onore di rappresentare la propria cinematografia nazionale e l'opportunità di mettere alla prova la forza universale del suo lavoro.

Il film è l'adattamento cinematografico del romanzo introspettivo di Mieko Kawakami, una delle voci letterarie più interessanti del Giappone contemporaneo. La storia segue Fuyuko, una correttrice di bozze freelance la cui esistenza solitaria e routinaria viene scossa dall'incontro con Mitsutsuka, un insegnante di fisica. Due persone ai margini, quasi invisibili agli occhi del mondo, che si incrociano in quella terra di mezzo dove solitudine e desiderio di connessione si incontrano.

Per Sode, la sfida principale non è stata la pressione di adattare un'opera amata, ma piuttosto il piacere di un'esplorazione creativa continua. Trasformare l'introspezione in prima persona del romanzo in un linguaggio cinematografico visivo richiedeva di esternalizzare un mondo interiore, un compito che la regista descrive come un processo di godimento più che di peso. La questione centrale era: come rendere visibile ciò che accade dentro, senza tradire la natura contemplativa dell'originale.

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Sono sempre tempi duri per i film di genere ai festival. Nonostante le dichiarazioni di facciata di critici e giornalisti che ne vorrebbero vedere di più, e che stigmatizzano i pochi spazi loro concessi, alla prova dei fatti certi film vengono fischiati — come nel caso di Histoires de la nuit, in concorso a Cannes 2026 — o ritenuti inadatti a un concorso, come pure qualcuno ha detto dell'incredibile Hope.

Un compleanno che diventa incubo

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Thierry Frémaux, delegato generale del Festival di Cannes (l'equivalente di un direttore artistico), ha visto giusto nel collocare verso la fine del festival un film su cui pochissimi sapevano cosa aspettarsi, spendendo parole intriganti all'apertura e lasciando poi montare l'attesa: La bola negra è l'opera seconda del duo Los Javis, ovvero Javier Ambrossi e Javier Calvo, noti in patria per alcune serie televisive diventate un fenomeno locale.

Lorca come centro di gravità: tre epoche, un manoscritto

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Due anni dopo aver interpretato Donald Trump nel controverso biopic "The Apprentice", Sebastian Stan è tornato al Festival di Cannes con un messaggio chiaro e senza filtri. Durante la conferenza stampa del suo nuovo film "Fjord", l'attore ha risposto a una domanda sul suo ruolo nel film di Ali Abbasi con parole che hanno gelato la sala: "Non è una cosa da ridere, per essere onesti. Non lo è".

La domanda di un giornalista ha scatenato risate nervose tra i presenti, ma Stan ha immediatamente cambiato il tono della conversazione. "Penso che siamo in un posto davvero, davvero brutto. Lo penso davvero", ha dichiarato l'attore, riferendosi alla situazione politica americana sotto la seconda presidenza Trump. Una presa di posizione netta, pronunciata dal palco del festival cinematografico più prestigioso al mondo, che testimonia quanto il clima negli Stati Uniti sia percepito come critico anche oltreoceano.

Stan non si è limitato a un commento generico. Ha elencato con precisione chirurgica i segnali che lo preoccupano:

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Che tipo di film voglia essere The Man I Love di Ira Sachs è abbastanza chiaro: un film basato più sulla recitazione che sulla scrittura, volutamente ellittico nei passaggi di trama, sempre alla ricerca della scena intensa e struggente — violini inclusi — che racconti, dicendo il meno possibile sui personaggi, il dramma di un grande artista alle prese con l'avvicinarsi della morte. Il contesto è quello della New York degli anni Ottanta e il protagonista è un attore di teatro malato di AIDS, interpretato da Rami Malek, che sta preparando il suo ultimo spettacolo. Come già in Passages, anche qui il protagonista tradisce il partner di lunga data che si prende cura di lui (Tom Sturridge) con un nuovo ed eccitante amore (Luther Ford) che lo faccia sentire vivo.

Rami Malek: il problema è tutto qui

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Non è affatto scontato che Pedro Almodóvar, dopo una carriera così grande, abbia trovato il coraggio di fare un film vulnerabile come Amarga Navidad. Il genere dell'autofiction (che è anche il titolo inglese del film) è qualcosa di estremamente familiare per il regista spagnolo, abituato a trasfigurare sé stesso, i suoi ricordi e la sua vita con i mezzi del cinema. Ma la cosa impressionante di Amarga Navidad è che mette in scena questa autoanalisi in un modo inedito persino per lo stesso Almodóvar. Lo fa con l'espediente del "film nel film", condividendo apertamente con lo spettatore tutto l'imbarazzo e la paura di scrivere e fare film sbagliati — ma, e qui sta il coraggio, mostrando un film volontariamente sbagliato quasi fino alla fine, salvo poi rivelarne il senso in extremis. È un rischio enorme che Almodóvar è disposto a correre e che mette alla prova la disponibilità degli spettatori a entrare — nonostante tutto — nel suo mondo creativo.

Realtà e finzione: il doppio specchio del "film nel film"

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Alla 79sima edizione del Festival di Cannes (12-23 maggio) è arrivato il giorno di Bruno Dumont. Un autore tutt’altro che sconosciuto sulla Croisette. Premiato due volte con il Gran Prix della Giuria per L’umanità (1999) e Flanders (2006). E non solo. Proprio qui, infatti, nel 1997, il suo cinema venne battezzato nella prestigiosa sezione della Quinzaine des réalisateurs. La Vie de Jésus fu un esordio folgorante, un’opera con cui impose fin da subito uno sguardo autoriale destinato a lasciare il segno nel panorama cinematografico contemporaneo.

Ventinove anni dopo eccolo di nuovo in Quinzaine – a onor del vero, era già tornato nel 2017 con Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc - con Red Rocks, produzione all’interno di cui c’è anche un po’ di Italia grazie a Nightswim di Ines Vasijlevic e Stefano Sardo. Lo diciamo subito: è un film sorprendente e, per certi versi, inatteso, in cui Dumont continua a creare quel clima sospeso tipico del suo cinema, spostando l’attenzione sui temi legati all’infanzia. E con un modo di girare quasi inedito.

Un approccio documentaristico

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A Cannes 2026, tra smoking impeccabili e red carpet scintillanti, c'è sempre spazio per il cinema che rompe gli schemi. E quest'anno, una delle sorprese più audaci arriva dalla Corea del Sud, con un film che nessuno si aspettava: Hope, diretto da Na Hong-jin, ha portato Michael Fassbender, la moglie Alicia Vikander (premio Oscar) e Taylor Russell a interpretare alieni antagonisti in un'invasione extraterrestre che sconvolge una cittadina rurale coreana.

Il film, in competizione ufficiale al Festival di Cannes 2026, ha ricevuto una standing ovation di sette minuti alla prima mondiale. Un risultato che certifica come il regista sudcoreano, già noto agli habitué della Croisette per i suoi lavori presentati in varie sezioni del festival, sia riuscito nell'impresa di convincere tre star di Hollywood a calcare il palco più prestigioso del cinema mondiale nei panni di creature extraterrestri.

Ma come si convince un attore del calibro di Michael Fassbender, reduce dai blockbuster della saga X-Men e da titoli d'autore come Shame e Prometheus, a indossare i panni di un alieno in un film coreano di fantascienza? La risposta è disarmante nella sua semplicità, e arriva dallo stesso Fassbender durante la conferenza stampa di questa mattina al Palais des Festivals: "Alicia mi ha detto di farlo". Una battuta che ha strappato risate al pubblico, ma che nasconde una storia di passione cinematografica e fiducia artistica.

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Era uno dei film più attesi dai cinefili, che conoscevano il regista sudcoreano Na Hong-jin per thriller come The Chaser e soprattutto per l'horror The Wailing: la visione di Hope non ha deluso nessuno, anzi, forse ha persino convinto gli scettici.

Il film più costoso della Corea del Sud

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Miles Teller è tornato sotto i riflettori del Festival di Cannes per promuovere "Paper Tiger", il nuovo film di James Gray in cui recita al fianco di Adam Driver e Scarlett Johansson. Ma dietro il sorriso da red carpet si nasconde una ferita ancora aperta, una cicatrice che ha cambiato radicalmente il suo rapporto con i media. Una ferita che risale al 2015, quando la rivista Esquire pubblicò un articolo destinato a diventare uno dei più controversi nella storia del giornalismo di intrattenimento.

Il pezzo in questione infatti non usava mezzi termini, ma iniziava con una frase che già segnava il tono dell'intero articolo: "Sei seduto di fronte a Miles Teller al ristorante Luminary di Atlanta e stai cercando di capire se è un idiota". Il giornalista aveva poi concluso che l'attore era "kind of a dick" – una sorta di str**zo – e che avrebbe "affascinato il mondo con la sua stronz**gine". Un ritratto impietoso che dipingeva Teller come arrogante, presuntuoso e antipatico.

A distanza di dodici anni da quella pubblicazione, l'attore ha finalmente rotto il silenzio durante un'intervista proprio alla Croisette. "È stato gestito malissimo", ha dichiarato Teller con una franchezza disarmante, con le sue parole che tradiscono ancora il senso di ingiustizia provato: "È stata una tale violazione di quello che è realmente accaduto".

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A Cannes, dove il glamour si mescola alla politica culturale e gli applausi possono durare dieci minuti o trasformarsi in fischi, il Festival 2026 ha regalato una controversia che va ben oltre la competizione per la Palma d'Oro. Al centro della tempesta c'è Arthur Harari, regista francese in gara con The Unknown, un thriller fantascientifico tratto dalla sua stessa graphic novel che vede protagonisti Léa Seydoux e August Diehl in un gioco di scambio di corpi e identità. Ma non è il film a far parlare, o almeno non solo quello.

Durante la conferenza stampa di martedì, Harari ha difeso con fermezza la sua firma su una lettera aperta che ha fatto tremare le fondamenta del cinema francese. Il documento, intitolato "Time to Switch-Off Bolloré", prende di mira Vincent Bolloré, magnate della finanza e dei media il cui gruppo controlla il 30% di Canal Plus, colosso televisivo che da decenni è linfa vitale per il cinema transalpino ed europeo. La lettera, firmata da circa 600 professionisti del settore, lancia un allarme: l'influenza crescente di Bolloré sui media e sull'entertainment francese rappresenterebbe una minaccia per la diversità culturale e l'indipendenza editoriale.

Le parole di Harari dal palco di Cannes non lasciano spazio a fraintendimenti. "Posso solo ribadire quello che ho detto. Mi sembra che dobbiamo chiamare le cose con il loro nome quando esistono. Stavo parlando di una realtà che si impone a noi. Siamo in un momento che, mi sembra, deve essere nominato", ha dichiarato il regista con tono solenne. Il riferimento è esplicito: tra un anno la Francia andrà al voto per le presidenziali, e secondo i sondaggi il Rassemblement National, partito di estrema destra guidato da Marine Le Pen e Jordan Bardella, è in testa. Emmanuel Macron non potrà ricandidarsi dopo due mandati, e il paese si trova stretto tra crisi economica, tagli alla spesa pubblica e tensioni sull'immigrazione.

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Ci sono alcuni registi la cui filmografia, se esplorata dall’inizio alla fine, sembra appartenere ad autori diversi. Nicolas Winding Refn è uno di questi. Il suo nuovo film, Her Private Hell, rappresenta il culmine di una metamorfosi tematica e soprattutto stilistica radicale. Quasi nessuno nella storia del cinema ha fatto come lui. Se mettessimo il cinema di Refn su un piano cartesiano, con il tempo in cui sono usciti i lungometraggi sulle ascisse e il realismo degli stessi sulle ordinate, vedremmo una linea costantemente decrescente: dagli slanci quasi naturalistici di Pusher alla perfezione delle immagini stilizzate del regista, post Drive Refn si è trasformato. Ed è la cosa più da Refn che potesse fare.

Dopo qualche tempo passato a girare serie TV è tornato al cinema con quello che appariva come un sequel, per lo meno tematico, del bellissimo The Neon Demon. Se il racconto della trama sembra lacunoso e inutilmente complicato, si tenga presente che il film è volutamente così: ingarbugliato senza che ce ne sia bisogno.

Di cosa parla Her Private Hell?

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Il giorno dopo la presentazione di L'inconnue, suo secondo film da regista presentato in concorso al 79° festival di Cannes, il regista Arthur Harari ci ha accolto sulla terrazza dell'hotel Marriott, sulla Croisette, di fronte al mare e alle barche che stanno approdando al porto. Abbiamo parlato del suo film, così stratificato e misterioso, affascinante per quello, sfidante, ma tutt'altro che incomprensibile.

La storia era già visivamente potente nella graphic novel che hai realizzato con tuo fratello Lucas. Perché hai deciso di portarla al cinema?

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Mentre cerca di svelare il mistero alla base del film, la protagonista arriva in un cinema che proietta film del passato: tra le locandine affisse, notiamo più in vista delle altre quelle di Wim Wenders, soprattutto Alice nelle città. Nel cinema moderno, la dichiarazione dei propri riferimenti e delle proprie fonti d'ispirazione è un gesto d'autore importante, e Arthur Harari, regista di L'inconnue, in concorso al 79° Festival di Cannes, decide di rendere omaggio a nomi che i registi più giovani considerano meno, ma che hanno sempre bisogno di un rinforzo della memoria: come Kieslowski, Antonioni e, appunto, il maestro tedesco.

Il metodo Harari: smontare le convenzioni narrative

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Cannes 2026 sarà ricordato anche per un'assenza che ha fatto rumore quanto gli applausi scroscianti. Mentre Paper Tiger conquistava la Croisette con una standing ovation da dieci minuti, Scarlett Johansson non c'era. La protagonista del film di James Gray, attesa sul red carpet del festival, è rimasta lontana dalla Francia, lasciando il regista e il cast a gestire da soli il trionfo della serata.

L'immagine è diventata virale sui social: Gray, circondato dagli applausi interminabili della sala, che tenta una videochiamata alla sua stella. Lo smartphone in mano, il volto concentrato, la speranza di condividere almeno virtualmente quel momento. Ma la chiamata non va a buon fine. Nessuna risposta. Il regista riappende, visibilmente deluso, mentre il pubblico continua a tributare al film un successo che già si prefigura come uno dei momenti clou del festival.

In un'edizione del festival criticata da alcuni per la scarsità di produzioni hollywoodiane di peso e quindi di volti noti, l'assenza della Johansson ha pesato doppio. Cannes ha sempre fatto della dimensione glamour e della presenza delle star uno dei suoi punti di forza, e quando una protagonista calibro Johansson manca all'appello, si nota. Eccome se si nota.

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Javier Bardem è un vero e proprio fiume in piena in questi giorni, ed in quel di Cannes 2026 ha condiviso delle nuove dichiarazioni sul conflitto israelo-palestinese e sull'effettivo stato della democrazia nel mondo. L'attore spagnolo ha quindi criticato duramente la fusione tra Paramount e Warner Bros., vedendola come sintomo di un monopolio crescente nel mondo dell'informazione. "Chi controllerà effettivamente tutto questo, ciò che ascoltiamo, ciò che vediamo?", si è chiesto con fare serio.

La preoccupazione riguarda soprattutto le nuove generazioni, bombardate da messaggi rapidi, riassuntivi, spesso populisti, che rischiano di compromettere la capacità di pensiero critico. "Dobbiamo assicurarci che i giovani continuino a pensare, ad applicare la ragione, a comprendere, confrontare, verificare le informazioni. Se non lo fanno, è davvero pericoloso".

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In questi anni di co-produzioni europee sempre più importanti, abbiamo spesso visto registi andare a girare film fuori dalla loro nazione, usando lingue e raccontando culture diverse dalle proprie. Cristian Mungiu, romeno vincitore di una Palma d'oro con 4 mesi, 3 settimane, 2 giorni, nel suo nuovo film Fjord, in concorso a Cannes 2026, ragiona proprio sulla questione dell'integrazione e dell'assimilazione culturale.

Un dramma di giudizi e pregiudizi

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