Casa e appartenenza, patria e paternità. Il nuovo film di Paweł Pawlikowski chiarisce il suo intento già dal titolo: riflettere su ciò che vuol dire provenire. Come nei suoi precedenti, Ida e Cold War, lo fa con una storia ambientata a metà del Novecento — qui siamo precisamente nel 1949 — e che parla di un ritorno, di un viaggio intimista sull'idea di eredità storica e relazionale, messo in atto in Fatherland a bordo di una Buick nera nella Germania divisa.

Il viaggio di Thomas Mann: Francoforte e Weimar, passato e presente

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Netflix e Adam Sandler tornano insieme per un altro sequel che nessuno si sarebbe aspettato. Il colosso dello streaming ha ufficialmente confermato che Un weekend da bamboccioni 3 è in sviluppo, e che riporterà sullo schermo uno dei franchise comici più redditizi e sorprendentemente longevi degli ultimi anni.

Il progetto vedrà alla regia Kyle Newacheck, mentre la sceneggiatura sarà affidata alla collaudata coppia formata da Adam Sandler e Tim Herlihy, collaboratori di lunga data che conoscono perfettamente la ricetta vincente di questa saga. La produzione sarà curata dallo stesso Sandler insieme a Jackie Sandler, Jack Giarraputo e Tim Herlihy, con Kevin Grady e Judit Maull nel ruolo di produttori esecutivi.

Per chi non ricordasse, il primo caoitolo di Un weekend da bamboccioni uscì nel 2010 e raccontava la reunion di un gruppo di amici d'infanzia riunitisi in occasione della morte del loro vecchio allenatore di basket. Il film fu un fenomeno commerciale inaspettato, incassando oltre 271 milioni di dollari in tutto il mondo nonostante recensioni tutt'altro che entusiastiche. La conferma del successo arrivò tre anni dopo con Un weekend da bamboccioni 2, che nel 2013 raggiunse i 247 milioni di dollari globali, dimostrando che il pubblico aveva ancora voglia di quella particolare alchimia tra i protagonisti.

Il cast originale rappresentava un'autentica all-star del panorama comico americano. Adam Sandler interpretava Lenny Feder, affiancato da Kevin James nei panni di Eric Lamonsoff, Chris Rock come Kurt McKenzie, David Spade nel ruolo di Marcus Higgins e Rob Schneider in quello di Rob Hilliard. La componente femminile vedeva Salma Hayek Pinault come Roxanne Chase-Feder, Maria Bello nei panni di Sally Lamonsoff e Maya Rudolph come Deanne McKenzie, con l'aggiunta di Steve Buscemi nel personaggio di Wiley.

Al momento, Netflix non ha ancora annunciato il cast ufficiale di Un weekend da bamboccioni 3, e questa rimane probabilmente la domanda più scottante per i fan della saga. Riusciranno a riunire tutti gli attori originali dopo tredici anni dall'ultimo capitolo? La presenza di alcuni volti noti è praticamente scontata, considerando che Sandler ha sempre dimostrato una straordinaria capacità di coinvolgere i suoi storici collaboratori nei progetti Netflix, ma resta da vedere se l'intera banda tornerà al completo.

La strategia del gigante dello streaming sembra chiara: puntare su proprietà intellettuali collaudate, con un appeal nostalgico forte e una base di fan già consolidata. In un panorama dell'intrattenimento sempre più frammentato e competitivo, dove ogni piattaforma lotta per trattenere gli abbonati, titoli come Un weekend da bamboccioni 3 rappresentano una scommessa relativamente sicura, capace di generare buzz immediato e visualizzazioni massicce.

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Fino al 2022, il nome di Monica Barbaro era noto soprattutto agli appassionati di serie TV americane. Poi è arrivato Top Gun: Maverick, poi A Complete Unknown, poi la candidatura all'Oscar, poi Andrew Garfield. E nel giro di tre anni quella che era un'attrice di talento ancora in attesa della grande esposizione è diventata uno dei volti più discussi di Hollywood. Nata a San Francisco il 17 giugno 1990, ha oggi 35 anni, radici che mescolano Italia, Messico, Germania e Nicaragua, e una carriera costruita con una progressione che non lascia spazio alla fortuna cieca: ogni passo è stato guadagnato.

Le origini: Mill Valley, la danza e la Tisch School

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La trilogia di 28 anni dopo dovrebbe avere il suo capitolo conclusivo ed a suggerirlo è stato un post Instagram dell'attore Alfie Williams, che ha condiviso due immagini mentre si allena con arco e frecce, accompagnate dalla didascalia "It's Great to be Back!" (È fantastico essere tornato) e un emoji ammiccante. Un messaggio apparentemente innocuo, ma che per i fan della saga post-apocalittica diretta da Danny Boyle rappresenta la conferma definitiva: il terzo film si farà.

Williams interpreta Spike, il giovane protagonista che ha lasciato la sua comunità insulare per avventurarsi da solo sulla terraferma. Nei due film precedenti, il personaggio ha già utilizzato arco e frecce come arma di sopravvivenza, e il fatto che l'attore sia tornato ad allenarsi con questi strumenti non lascia spazio a dubbi sulle riprese imminenti.

La notizia acquista ancora più peso se si considera il contesto commerciale tutt'altro che favorevole, visto che 28 anni dopo: Il tempio delle ossa, uscito a gennaio 2026, ha incassato appena 58,5 milioni di dollari a livello mondiale contro un budget di 63 milioni, configurandosi come un flop al botteghino. Un risultato deludente, soprattutto se confrontato con il successo del primo capitolo, che aveva raccolto 151,3 milioni contro un budget di 60 milioni.

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A volte capita che un film sia il risultato di una reazione chimica. Lo è Histoires parallèles, il film di Asghar Farhadi presentato in concorso al 79° Festival di Cannes: da una parte, la forte personalità artistica del più famoso regista iraniano vivente, autore di Una separazione e di altri bellissimi film; dall'altra, l'aura di maestro di Krzysztof Kieślowski, che è il punto di partenza del film.

Un triangolo ossessivo tra voyeurismo e finzione

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Dopo mesi di attesa e speculazioni, Matt Reeves ha finalmente iniziato a svelare i dettagli di The Batman - Parte II, il sequel del fortunato film del 2022 che ha rilanciato il Cavaliere Oscuro sul grande schermo con una visione cupa e noir. Il regista ha scelto un approccio particolare per annunciare il cast: mercoledì pomeriggio ha iniziato a pubblicare su X una serie di messaggi di benvenuto accompagnati da GIF tratte dal primo capitolo, rivelando uno per uno gli attori che torneranno a Gotham City.

Le riprese di The Batman - Parte II partiranno a giugno 2026, segnando l'inizio della produzione di uno dei sequel più attesi degli ultimi anni. Robert Pattinson vestirà nuovamente i panni di Bruce Wayne e del suo alter ego mascherato, continuando il percorso di un Batman ancora giovane, tormentato e alla ricerca del proprio posto in una città divorata dalla corruzione.

Accanto a lui ritroveremo Jeffrey Wright nei panni del commissario Jim Gordon, alleato fondamentale del vigilante e uno dei pochi uomini onesti rimasti nel dipartimento di polizia di Gotham. Andy Serkis tornerà come Alfred Pennyworth, il fedele maggiordomo e figura paterna per Bruce, il cui rapporto con il protagonista è stato uno degli elementi più toccanti del primo film.

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ATTENZIONE! Questo articolo contiene spoiler sulla quinta stagione di The Boys. Se non hai ancora visto gli episodi, non proseguire nella lettura.

The Boys ha sempre giocato al massacro con i confini del cattivo gusto televisivo, ma il settimo episodio della quinta e ultima stagione segna un punto di non ritorno. Patriota, il Superman psicopatico interpretato da Antony Starr, compie un salto qualitativo nella sua discesa agli inferi: non si accontenta più di essere temuto, vuole essere adorato. E chi non si inginocchia, muore.

La scena chiave dell'episodio vede protagonista Oh Father, il supereroe religioso interpretato da Daveed Diggs, attore noto per Hamilton e Snowpiercer. Il personaggio organizza un focus group per testare la reazione del pubblico alle campagne pubblicitarie che promuovono Patriota come divinità incarnata. Un dio vero e proprio, da venerare senza riserve.

Tra i partecipanti al focus group, alcuni psichici al servizio di Vought riescono a identificare chi nutre una fede genuina verso Patriota e chi invece recita una parte, magari per compiacenza o paura. Quando Oh Father scopre che solo sei persone su tutte quelle presenti credono davvero nella divinità di Patriota, il copione cambia drasticamente.

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M. Night Shyamalan non è nuovo alle dichiarazioni audaci, ma questa volta le sue parole arrivano supportate da dati concreti. Durante la presentazione degli upfront di Warner Bros. Discovery rivolta agli inserzionisti pubblicitari, il regista ha rivelato che Remain, il suo prossimo film in uscita il 5 febbraio 2027, è il progetto che ha ottenuto i risultati più alti nei test di gradimento di tutta la sua carriera. Un'affermazione che non può passare inosservata, considerando che stiamo parlando del creatore di Il Sesto Senso, Split e della trilogia Unbreakable.

Remain racconta la storia di Tate Donovan, un architetto alle prese con la depressione che decide di trasferirsi a Cape Cod in cerca di una rinascita. Qui incontra Wren, una donna misteriosa interpretata da Phoebe Dynevor, e da questo incontro scaturisce una storia che mescola elementi romantici a una crescente sensazione di inquietudine. Jake Gyllenhaal veste i panni del protagonista, mentre Julie Hagerty completa il cast in un ruolo ancora non rivelato.

La particolarità di questo progetto risiede nella sua genesi. Remain nasce da una collaborazione inedita e per certi versi sorprendente tra Shyamalan e Nicholas Sparks, l'autore di romanzi d'amore come Le Pagine della Nostra Vita. I due hanno lavorato insieme non solo alla sceneggiatura del film, ma anche a un romanzo intitolato Remain: A Supernatural Love Story, pubblicato nel 2025. Si tratta di un esperimento narrativo ambizioso: anziché adattare l'uno il lavoro dell'altro, Shyamalan e Sparks hanno scelto di raccontare la stessa storia attraverso due medium differenti, il cinema e la letteratura, sfruttando le specificità di ciascun linguaggio.

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Le macchine da presa hanno iniziato a girare per Un film Minecraft 2, il seguito del blockbuster da 961 milioni di dollari che ha conquistato il box office mondiale nel 2025. A confermarlo è una foto pubblicata direttamente da una delle protagoniste: Kirsten Dunst ha condiviso su Instagram uno scatto dal set che immortala due sedie da regista affiancate, una con il suo nome e l'altra con quello di Jack Black.

L'immagine, apparentemente semplice, svela un dettaglio atteso dai fan: Dunst interpreterà Alex, il personaggio iconico del videogioco originale Minecraft. Dopo settimane di rumor e indiscrezioni, quella foto conferma ufficialmente il casting e segna l'inizio della produzione del sequel, programmato per arrivare nelle sale il 23 luglio 2027.

Il personaggio di Alex aveva fatto una breve apparizione nella scena post-credits di Un film Minecraft, dove era presentata come l'attuale occupante della casa un tempo abitata da Steve, il protagonista interpretato da Jack Black. In quella sequenza fugace, Alex era doppiata da Kate McKinnon non accreditata e fisicamente interpretata da Alice May Connolly. Ora il personaggio avrà un ruolo centrale, affidato a un'attrice del calibro di Dunst.

Un film Minecraft ha rappresentato un fenomeno cinematografico sorprendente. Arrivato nelle sale 14 anni dopo la pubblicazione del primo gioco Minecraft da parte di Mojang Studios, il film ha diviso la critica ma conquistato il pubblico, diventando il quinto film con il maggiore incasso del 2025. La pellicola ha intercettato perfettamente il target della Generazione Z, trasformando un videogame sandbox in un'esperienza cinematografica capace di generare quasi un miliardo di dollari a livello globale.

Il successo commerciale ha spinto Warner Bros. ad annunciare il sequel già nell'ottobre dello stesso anno, confermando la volontà di costruire un franchise cinematografico attorno al mondo di Minecraft. Oltre ai due film, il brand si sta espandendo anche nel formato seriale: Netflix sta sviluppando una serie TV animata dedicata all'universo Minecraft, annunciata nel 2024.

Il franchise di Minecraft continua a espandersi in ogni direzione. Dai videogiochi ai libri, dai giochi da tavolo al merchandising, fino al cinema e alle serie TV, l'universo creato da Mojang Studios si conferma uno dei fenomeni di intrattenimento più duraturi e redditizi degli ultimi decenni. Con Un film Minecraft 2, Warner Bros. punta a consolidare questa tendenza, trasformando un gioco di blocchi digitali in una saga cinematografica capace di competere con i grandi franchise del momento.

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Peter Jackson, padre cinematografico della trilogia de Il Signore degli Anelli, ha ricevuto la Palma d'Oro alla carriera al Festival di Cannes 2026, dove ha partecipato a una masterclass ricca di rivelazioni sul futuro della saga e su uno dei temi caldi del momento: l'uso dell'intelligenza artificiale nel cinema.

Durante l'incontro con il pubblico, Jackson ha espresso un punto di vista chiaro sulla questione, dimostrando un approccio estremamente pragmatico, spiegando di non avere problemi col suo utilizzo: "Per me è semplicemente un effetto speciale, non diverso dagli altri effetti speciali".

Ironizzando, poi, sul fatto che la tecnologia possa distruggere il mondo, su una cosa è stato molto fermo: la protezione dei diritti degli attori. Secondo Jackson, se si crea un duplicato digitale di qualcuno, come Indiana Jones o qualsiasi altra persona, l'unico modo di neutralizzare possibili problemi è che si acquisiscano i diritti dalla persona rappresentata.

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Prima di conquistare i grandi schermi con Obsession, il suo debutto cinematografico atteso per il 15 maggio 2026, Curry Barker si era già fatto un nome nel mondo dell'horror attraverso un percorso molto meno convenzionale. Mentre Hollywood continua a investire milioni in produzioni che spesso deludono, questo giovane regista ha dimostrato che talento e visione possono fare la differenza anche con un budget che definirebbe imbarazzante sarebbe un eufemismo: appena 800 dollari.

Il film in questione si intitola Milk and Serial, un'opera found footage della durata di un'ora rilasciata nel 2024 sul canale YouTube del regista. Si tratta di un lungometraggio strutturato che ha letteralmente fatto esplodere la reputazione di Barker nel circuito horror indipendente, contribuendo a portarlo all'attenzione di Blumhouse Productions, la casa di produzione dietro Obsession.

La storia di Milk and Serial parte da una premessa apparentemente classica: un gruppo di amici gestisce un canale YouTube dedicato agli scherzi. Quando uno dei membri, Seven, tira uno scherzo a Milk, le cose cominciano a prendere una piega inaspettata. Per i primi venti minuti, il film sembra seguire i binari del found footage tradizionale: un uomo misterioso bussa alla porta durante una festa, viene invitato a casa sua, e quello che doveva essere uno scherzo degenera in qualcosa di terribile.

Ma è proprio qui che Barker sovverte completamente le aspettative del genere. Il colpo di scena rivela che Milk sta in realtà orchestrando l'omicidio perfetto come serial killer in erba. La storia prende una direzione totalmente diversa, trasformandosi in un'esplorazione delle meccaniche della manipolazione psicologica. Milk sottopone Seven a un sistematico gaslighting, facendogli credere di stare impazzendo, in quella che diventa una dimostrazione cinica e spietata di controllo mentale.

Il finale, descritto dalla critica come tanto brillante quanto soddisfacente, porta alle estreme conseguenze i temi della manipolazione, culminando in una dimostrazione di hubris che lascia lo spettatore con un senso di disagio profondo. Non è il classico horror che punta sui jumpscare o sugli effetti speciali raccapriccianti, ma un thriller psicologico che lavora sui nervi e sulla tensione crescente.

Uno degli aspetti più notevoli di Milk and Serial è la performance dello stesso Curry Barker nel ruolo del protagonista Milk. Il regista non si è limitato a dirigere, ma ha interpretato l'antagonista sociopatico del film, dimostrando un talento recitativo sorprendente. La sua interpretazione si sdoppia magistralmente: quando deve nascondere il suo lato oscuro, Milk appare come un ragazzo normale, forse un po' sopra le righe ma sostanzialmente innocuo, il tipo di persona con cui passeresti volentieri una serata. Non è un mistero il motivo per cui sia riuscito a circondarsi di amici per la sua festa di compleanno.

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Cosa succederebbe se la perfezione colorata e patinata di una bambola prendesse vita e si scontrasse con la realtà quotidiana? È questa la premessa del film diretto da Greta Gerwig che ha trasformato un'icona pop in un fenomeno cinematografico da otto nomination agli Oscar, tra cui quella per Miglior Film. Barbie torna stasera in prima serata, su La 5, alle 21.15.

In un universo chiamato Barbieland, dove i colori pastello dominano e ogni giornata scorre senza preoccupazioni, Barbie interpretata da Margot Robbie vive circondata da altre versioni di se stessa: c'è la Barbie presidente, la Barbie fisica, la Barbie avvocata. Accanto a lei, Ryan Gosling veste i panni di Ken, il compagno eternamente sorridente che abita questo mondo apparentemente perfetto. Ma quando i due vengono improvvisamente scaraventati nel mondo reale degli esseri umani, la loro esistenza subisce una svolta radicale.

Nel passaggio dalla dimensione fantastica alla realtà concreta, Barbie si trova ad affrontare qualcosa che non aveva mai sperimentato: una crisi d'identità esistenziale. Chi è davvero quando non c'è più la cornice rassicurante di Barbieland a definirla? La scoperta delle gioie ma anche dei pericoli della vita umana diventa un viaggio alla riscoperta di se stessa, della propria femminilità e indipendenza. Ken, dal canto suo, deve confrontarsi con le aspettative e il suo ruolo nella società, misurandosi con una realtà ben diversa da quella a cui era abituato.

Ad accompagnare i due protagonisti in questa avventura nel mondo reale ci sono Gloria, interpretata da America Ferrera, e sua figlia Sasha, che portano la prospettiva umana in un racconto che mescola commedia, avventura e riflessione sociale. Nel cast stellare compaiono anche Kate McKinnon nei panni della "Barbie Strana", Michael Cera come Allan, Will Ferrell nel ruolo del CEO della Mattel, e perfino la voce narrante di Helen Mirren a guidare lo spettatore attraverso questa storia surreale.

La regista Greta Gerwig ha curato ogni dettaglio della produzione con maniacale attenzione. Un esempio? Le dimensioni di Barbie nel film sono state progettate per essere il 23% più grandi rispetto agli oggetti di Barbieland, per simulare la scala sproporzionata delle vere bambole rispetto agli accessori. Questo tipo di scelta tecnica contribuisce a creare un mondo visivo coerente che oscilla costantemente tra finzione e realtà.

Il film, distribuito nel 2023 e della durata di circa due ore, ha ricevuto un'accoglienza straordinaria sia da parte della critica che del pubblico. Tra i riconoscimenti più prestigiosi figura un Golden Globe per la Miglior Canzone Originale e ben otto nomination agli Oscar, un risultato che ha consacrato l'opera come uno dei fenomeni culturali dell'anno.

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Quarantanove anni dopo l'uscita del primo film, Star Wars cambia volto in modo silenzioso ma definitivo. Dopo il 4 maggio 2026, la data celebrata ogni anno dalla community come Star Wars Day, i dati di streaming su Disney+ hanno fotografato qualcosa che non era mai successo prima nella storia del franchise: la trilogia prequel è più visualizzata della trilogia originale. La Minaccia Fantasma e L'Attacco dei Cloni occupano posizioni stabili nella top 10 della piattaforma, mentre dell'intera trilogia originale resiste solo Una Nuova Speranza. Non è una coincidenza, non è un effetto momentaneo legato a un anniversario: è il riflesso di un cambiamento generazionale profondo che ha impiegato vent'anni per manifestarsi, e che adesso è ufficialmente realtà.

La trilogia originale e il suo primato storico

Per quasi trent'anni, la domanda su quale Star Wars dominasse le classifiche non aveva bisogno di essere posta. Una Nuova Speranza del 1977 aveva ridefinito il cinema di fantascienza, L'Impero Colpisce Ancora del 1980 era considerato da critica e pubblico il miglior capitolo della saga, e Il Ritorno dello Jedi del 1983 aveva chiuso un'epoca con la stessa potenza emotiva con cui l'aveva aperta. Quei tre film erano più di buoni film: erano i film dell'infanzia di una generazione intera. I suoni, i personaggi, i duelli con le spade laser, la forza narrativa di Darth Vader e Luke Skywalker avevano costruito un legame che resisteva al tempo e alla distanza.

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Sequenze di batteria elettronica. Rintocchi di campane. Tappeti di tastiere. E una lunga intro che fa partire il famoso tema di Harold Faltermeyer. In controluce sagome nere di uomini e aerei si stagliano su un cielo rosso. Inizia così Top Gun, cult movie del 1986 diretto da Tony Scott che lanciava definitivamente nel firmamento delle stelle del cinema Tom Cruise. In occasione del quarantesimo anniversario, Top Gun torna al cinema il 13 e il 14 maggio, seguito da Top Gun: Maverick, il sequel del 2022, il 18 e il 19 maggio. È l’occasione di ripensare a quel film e di capire perché, a distanza di anni, questo film continui a piacerci ancora tanto, anche in tempi come questi. In cui ci sarebbe tutto per odiarlo. Rivedendolo, intanto, la prima cosa che ci è balzata agli occhi è come, dopo 4 minuti, senza troppi preamboli, il film entri subito nel vivo, nel cuore dell’azione. Una cosa che sarebbe piaciuta molto a Netflix, e alle sue teorie sull’attenzione. Erano almeno 30 anni prima di Netflix, e nessuno faceva questi ragionamenti. Ma Tony Scott, come il fratello Ridley, veniva dalla pubblicità. E di tempi del racconto se ne intendeva. 

Gli anni Ottanta e quell’America che sembrava la Terra Promessa

Ma perché amiamo tanto Top Gun? Prima di tutto perché nel 1986, quando lo abbiamo visto la prima volta, eravamo dei ragazzi, dei preadolescenti, o dei bambini, e ogni cosa vista in quel periodo di entra dentro e non ti lascia più. Da un certo punto di vista, ci piace allo stesso modo in cui, guardando Stranger Things, troviamo qualcosa di familiare, qualcosa che risuona nel conscio e nell’inconscio, nel nostro personale romanzo di formazione. È lo stesso schema in cui, quando ascoltiamo una canzone degli anni Ottanta proviamo un grande piacere, anche se non è tra le canzoni più belle di quegli anni. La chiamano nostalgia, ma è qualcosa di più complesso. E poi, allora, guardavamo all’America con gli occhi incantati di ragazzini che sognavano un posto dove tutto era più grande, più luminoso. Ci sembrava la Terra Promessa.

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Volendo partire da ciò che è visibile, possiamo sicuramente dire che c'è una certa continuità tematica e stilistica nel cinema del regista giapponese Koji Fukada. Innamorato del cinema di Éric Rohmer, quello di Fukada è un cinema prevalentemente di riprese fisse, interessato più ai momenti di dialogo che all'incedere deciso dell'intreccio, ossessionato dall'asfissiante dramma da interni di personaggi che non riescono a esprimere la propria emotività — una castrazione sentimentale che parla di una crisi identitaria —, afflitti da perdite e gravi assenze. Come in Love Life, anche in Nagi Notes Fukada si conferma però attratto dallo stesso pericoloso limite: quello di chi costruisce tra il film e i suoi spettatori un invalicabile muro di incomunicabilità.

Scultura, lutto e distanza: il peso di ciò che manca

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Su RaiPlay si può trovare, gratis e senza abbonamento, uno dei film italiani più amati di sempre: Nuovo Cinema Paradiso di Giuseppe Tornatore. Non è una novità nel senso stretto del termine, ma è esattamente il tipo di riscoperta che vale la pena segnalare, perché ogni generazione ha bisogno di incrociare questo film almeno una volta, e chi lo ha già visto sa che rivederlo è ogni volta come la prima. Vincitore dell'Oscar come miglior film straniero nel 1990, con una colonna sonora firmata da Ennio Morricone che è entrata nella memoria collettiva quanto le immagini stesse, Nuovo Cinema Paradiso è quella rara cosa che nel cinema si chiama capolavoro senza che la parola risulti esagerata.

La storia: un bambino, un proiezionista e un cinema di paese

Salvatore, detto Totò, cresce nel dopoguerra in un piccolo paese della Sicilia. Il centro del suo universo è il Cinema Paradiso, l'unico luogo di intrattenimento del paese, e l'uomo che lo gestisce: Alfredo, il proiezionista, interpretato da Philippe Noiret in una delle prove più commosse e calibrate della sua carriera. Tra i due nasce un legame che va ben oltre l'amicizia: Alfredo è il padre che Totò non ha, il maestro che gli insegna a guardare il mondo attraverso una lente diversa, letteralmente e figurativamente. Il cinema del paese è il luogo in cui la comunità si ritrova, ride, piange, litiga, si innamora. È il cuore pulsante di una vita collettiva che esiste solo finché quelle proiezioni continuano.

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La Grazia, l'ultimo film di Paolo Sorrentino è finalmente disponibile su Netflix Italia. La pellicola cinematografica segna un ritorno alle origini per il regista napoletano con un'opera che molti considerano il suo riscatto dopo l'accoglienza tiepida riservata a Parthenope un paio di anni fa a Cannes.

La Grazia si presenta come uno dei lavori più audaci e diversi dell'intera filmografia del regista. Al centro della narrazione c'è Mariano De Santis, Presidente della Repubblica interpretato da Toni Servillo, giunto ormai al termine del suo mandato. Un uomo delle istituzioni, rigoroso e solitario, segnato dalla perdita della moglie, che si prepara a quello che dovrebbe essere il tranquillo epilogo di un'esperienza di responsabilità senza pari.

Ma niente è semplice quando si tratta di Sorrentino. Gli ultimi giorni del mandato di De Santis vengono infatti turbati da due domande di grazia particolarmente delicate e da un disegno di legge sull'eutanasia che divide l'opinione pubblica. Non è un caso che queste richieste di grazia siano in qualche modo connesse proprio al tema del fine vita, creando un intreccio di questioni morali, giuridiche ed esistenziali che il Presidente dovrà affrontare.

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Qual è l'età giusta per cercare, reclamare o pretendere il proprio spazio, fisico ed emotivo? Se lo chiede senza dirlo Gabrielle (una Léa Drucker attorno a cui ruota l'intero film e che, ovviamente, lo illumina) e prova a dare una risposta La vie d'une femme, il film che apre il concorso del festival di Cannes numero 79.

Gli altri come specchio

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Non la cercano per denaro. Non la vogliono morta per un segreto di Stato, ma la cacciano per una caratteristica scritta nel suo DNA, stampata in ogni cellula del suo corpo: un rarissimo gruppo sanguigno che vale più dell'oro nel sottobosco criminale asiatico. My Dearest Assassin è il thriller sentimentale thailandese che sta scalando le classifiche di Netflix in mezzo mondo, Italia compresa.

Disponibile sulla piattaforma dal 7 maggio 2026, il film si è piazzato nella Top 10 globale a pochi giorni dall'uscita, confermando la crescente capacità del cinema orientale di conquistare il pubblico occidentale con storie che mescolano brutalità fisica, complessità emotiva e un'estetica visiva capace di competere con le produzioni hollywoodiane. Diretto da Taweewat Wantha e scritto da Watthana Veerayawatthana, il lungometraggio prodotto dalla Sunwrite Moonact rappresenta un ibrido riuscito tra action movie, melodramma romantico e thriller psicologico.

La protagonista è Lhan, una giovane donna vietnamita cresciuta all'interno di Casa 89, una tenuta dove vengono addestrati assassini professionisti. Salvata da bambina dopo la distruzione della sua famiglia, Lhan è stata allevata in un ambiente dove sentimento, disciplina e violenza convivono senza mai spiegarsi davvero l'un l'altro. Casa 89 non è semplicemente un'organizzazione criminale: è una famiglia distorta, retta da codici ferrei e guidata da Poh, il patriarca interpretato da Chartayodom Hiranyasthiti, che decide chi può entrare, chi può restare e secondo quali regole si deve vivere.

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Quarantadue anni dopo la sua uscita nelle sale, C'era una volta in America torna al centro dell'attenzione cinematografica: un film sulle origini che racconta come Sergio Leone abbia inseguito per oltre un decennio il sogno di portare sul grande schermo la sua ultima, monumentale opera. Un progetto che consumò il regista italiano, che lo ossessionò fino a diventare la sua ragione di vita professionale per quindici lunghi anni.

La notizia arriva dalla Leone Film Group, che sta sviluppando un lungometraggio dedicato proprio al processo di produzione del capolavoro gangster del 1984. Non si tratterà di una semplice cronaca di riprese, ma di una narrazione che attraverserà più decenni, risalendo persino all'infanzia del maestro del cinema italiano. Un biopic mascherato da making-of, o forse il contrario: una celebrazione dell'atto creativo che diventa anche ritratto intimo di un uomo divorato dalla propria visione artistica.

Il film percorrerà tappe cruciali della genesi di C'era una volta in America, incluso l'incontro determinante tra Leone e il produttore Arnon Milchan a Cannes, momento che avrebbe cambiato il destino del progetto. Le location previste spaziano da Parigi a Roma, da Los Angeles a New York, città che non sono solo scenari ma simboli di un viaggio artistico e personale. Ogni metropoli rappresenta una tappa di questa odissea cinematografica, un tassello nel mosaico di compromessi, battaglie creative e visioni incomprese che accompagnarono la realizzazione del film.

A guidare il progetto c'è Raffaella Leone, figlia del regista e co-CEO della Leone Film Group, che assume anche il ruolo di produttrice. Le sue parole racchiudono l'essenza di ciò che il film vuole raccontare: "È fondamentalmente la storia di un uomo che insegue un sogno per tutta la vita. O, almeno, che impiegò 15 anni per fare un film e non fece nient'altro finché non riuscì a realizzarlo. Ed è raccontata con l'ironia di mio padre".

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