Dopo un weekend dedicato a una serie di eventi speciali, dal quarantennale de Il nome della rosa di Jean-Jacques Annaud all’omaggio a Carlo Collodi con Pinocchio di Enzo D’Alò, lunedì 15 giugno la 62esima edizione del Pesaro Film Festival è entrata nel vivo con l’apertura del concorso Pesaro nuovo cinema. Si tratta di una competizione decisamente peculiare, in cui trovano spazio sia cortometraggi che lungometraggi, espressioni dell’arte cinematografica delle più diverse realtà geografiche; ad accomunarli, pertanto, sono la ricerca e la sperimentazione rispetto al linguaggio filmico. È in primo luogo questo aspetto a rendere il Festival di Pesaro un appuntamento così ricco d’interesse soprattutto per i cinefili, a cui offre l’opportunità di scoprire titoli e autori che altrimenti rischierebbero di restare ‘invisibili’.

Concorso, giorno 1: tre cortometraggi nel segno dello sperimentalismo

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John Williams è tornato. Non che fosse mai andato via, immortale nelle sue molteplici sinfonie capaci di trasportarci in ogni angolo di questo mondo conosciuto e non, ma era da tempo che il più grande compositore per immagini del nostro tempo sembrava avesse abbandonato per sempre la settima arte. Era l’8 Febbraio del 2022 quando Williams, il giorno del suo 90° compleanno, annunciava in una lunga intervista per il New York Times la voglia di concentrarsi su nuovi lidi della composizione musicale, tralasciando per sempre quel mondo che tanto lo aveva reso celebre ma ormai troppo distante dalla sua realtà. “Non voglio più particolarmente fare film”, diceva. “Sei mesi di vita alla mia età sono tanti. Mi sento come se fossi seduto sul bordo di qualcosa mentre il cambiamento sta avvenendo”.

La lunga gestazione per la composizione di The Fabelmans così come la creazione del tema per lo spin-off seriale incentrato sulla gesta di Obi- Wan Kenobi, dopo la dipartita della Repubblica Galattica ne La vendetta dei Sith, avevano spinto Williams a chiudere un capitolo sessantennale che tanto gli aveva donato ma che ormai considerava fortemente debilitante. Ma ciò che più di tutto aveva sottovalutato era la forza persuasiva del suo più fido compagno, Steven Spielberg.

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Ha avuto inizio a Pesaro la 62esima Mostra Internazionale del Nuovo Cinema, la manifestazione che, dal 13 al 20 giugno, trasforma la città marchigiana in una meta di indubbio interesse per i cinefili di ogni età. Anche quest’anno il Pesaro Film Festival propone un programma ricco e variegato, in grado di unire la riscoperta o la celebrazione di opere del passato alla presentazione in anteprima di nuovi titoli, fra lungometraggi e cortometraggi, film di finzione e documentari. Ad aprire l’edizione 2026 del Pesaro Film Festival, la sera di sabato 13 giugno, è stata la proiezione de Il nome della rosa: l’amatissimo giallo medievale di Jean-Jacques Annaud, tratto dall’omonimo romanzo di Umberto Eco e interpretato da un memorabile Sean Connery, è stato proiettato in Piazza del Popolo in occasione del quarantesimo anniversario del suo fortunato debutto nelle sale.

Gli omaggi del Pesaro Film Festival: Maurizio Nichetti e Carlo Collodi

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I bambini degli anni Ottanta lo sanno bene. Se nelle camerette delle sorelline spiccava la casa di Barbie e il camper rosa, la loro era l’universo di He-Man, un supereroe con il caschetto biondo che sapeva combattere i cattivi con la magica Spada del Potere. E quando nel 1987 nelle sale arrivò “I dominatori dell’universo”, il pubblico si trovò davanti a qualcosa di insolito: un film fantasy e fantascientifico tratto da una linea di giocattoli. Oggi può sembrare normale vedere franchise nati da fumetti, videogiochi o perfino giochi da tavolo trasformarsi in kolossal cinematografici, ma negli anni Ottanta l’operazione era decisamente innovativa.

La pellicola diretta da Gary Goddard, con Dolph Lundgren nei panni di He-Man e Frank Langella in quelli di Skeletor, non fu un successo al botteghino, ma col tempo è diventata un vero cult per un’intera generazione. Ma facciamo qualche passo indietro: tutto comincia nel 1981, quando Mattel lancia la linea di action figure “Masters of the Universe”. Le figure muscolose, coloratissime e ricche di accessori conquistano rapidamente il mercato. A differenza di molti altri giocattoli dell’epoca, però, questi personaggi non avevano alle spalle una storia consolidata. Per dare loro identità e profondità narrativa vennero creati mini fumetti allegati alle confezioni, che iniziarono a raccontare le battaglie tra He-Man e Skeletor sul pianeta Eternia.

Il vero salto di qualità arrivò nel 1983 con la serie animata “He-Man e i dominatori dell’universo”, prodotta dalla Filmation. Oggi viene ricordata come uno dei simboli assoluti dell’animazione anni Ottanta, ma all’epoca rappresentò anche un piccolo terremoto nell’industria televisiva. Per molti storici dell’animazione fu infatti il primo caso di serie realizzata specificamente per sostenere una linea di giocattoli già esistente. Il successo fu enorme: 130 episodi in due stagioni, trasmissioni in tutto il mondo e una popolarità che trasformò He-Man in un fenomeno globale.

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Non ho sonno venne accolto come il grande ritorno di Dario Argento al thriller che lo ha consacrato tra i maestri dell'horror e del giallo internazionale. Dopo anni di sperimentazioni e percorsi differenti, il regista romano decise infatti di recuperare molti degli elementi che avevano reso celebri opere come l’iconico Profondo rosso. In questa pellicola gli ingredienti ci sono tutti: un serial killer enigmatico, una città carica di fascino e mistero come Torino, una colonna sonora firmata dai Goblin e un intreccio costruito su indizi, false piste e colpi di scena.

Dietro questo film si nascondono però numerose curiosità che contribuiscono a renderlo ancora più interessante. Alcune riguardano dettagli apparentemente marginali, altre raccontano aneddoti sorprendenti emersi durante la lavorazione. La storia del film prende il via nel 1983, quando il giovane Giacomo Gallo (interpretato da Stefano Dionisi) assiste all'omicidio della madre per mano del cosiddetto “Nano Assassino”, un serial killer che terrorizza Torino. Nonostante le indagini del commissario Ulisse Moretti (Max von Sydow), il caso sembra chiudersi con la morte del presunto colpevole.

Diciassette anni dopo, però, una nuova serie di delitti sconvolge la città. Le modalità ricordano inquietantemente quelle degli omicidi del passato e Moretti, ormai in pensione, viene coinvolto nuovamente nelle indagini. Al suo fianco si ritrova proprio Giacomo, deciso a scoprire finalmente la verità sulla morte della madre. Filastrocche misteriose, sagome di animali lasciate accanto ai cadaveri e una lunga scia di sangue, accompagnano lo spettatore verso un finale sorprendente, nel quale il passato e il presente si intrecciano in modo tragico.

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Bud Spencer è stato ed è tuttora uno degli attori più amati del cinema italiano. Anche dalle nuove generazioni. Un nome che riporta inevitabilmente alle sue scazzottate memorabili e a quell’aria bonaria che lo contraddistinguerà per sempre. Tra tutti i suoi personaggi che hanno contribuito a costruirne il mito, il commissario Rizzo, protagonista di Piedone lo sbirro, occupa senza ombra di dubbio un posto speciale nel cuore del pubblico. Uscito nelle sale nel 1973 e diretto da Steno, il film rappresenta la svolta importante nella carriera dell'attore e diede origine a una saga destinata a entrare per sempre nella storia.

La vicenda è ambientata in una Napoli travolta da traffici illeciti, lotte di potere e criminalità organizzata. Il vice commissario Rizzo, soprannominato "Piedone" per la sua imponente corporatura, conduce un'indagine che prende il via dal caso di un militare americano coinvolto in una vicenda di droga. Le sue ricerche lo portano a scontrarsi con malavitosi locali e organizzazioni criminali internazionali, in una battaglia che si sviluppa tra vicoli, porto e quartieri popolari. Pur muovendosi ai margini delle procedure tradizionali, il commissario riesce a ottenere risultati grazie alla conoscenza del territorio e alla fiducia conquistata tra la gente comune.

Ma il dettaglio che più colpisce ancora oggi riguarda il modo in cui Piedone affronta i criminali. A differenza di molti protagonisti dei polizieschi degli anni Settanta, il commissario Rizzo evita quasi sempre di ricorrere alle armi da fuoco. È una scelta narrativa precisa che contribuisce a definire l'identità del personaggio. Bud Spencer combatte a mani nude, affidandosi alla forza fisica e al celebre pugno "a martello" che diventerà il marchio di fabbrica della serie. Ai tempi, il cinema poliziesco si identificava fortemente nelle sparatorie e e negli inseguimenti ad alta tensione, ma Steno preferì costruire un eroe diverso: un uomo forte ma sostanzialmente pacifico, che utilizza la violenza solo come estrema risposta ai soprusi. Un contrasto che ha funzionato.

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Storia della mia famiglia, la serie ideata da Filippo Gravino e diretta da Claudio Cupellini, di cui la seconda stagione si può vedere su Netflix dal 10 giugno, affronta temi complessi come la malattia, il lutto e la genitorialità con uno sguardo delicato, alternando momenti di commozione a situazioni cariche di umanità e ironia. Ma oltre alle interpretazioni di Eduardo Scarpetta, Vanessa Scalera, Massimiliano Caiazzo e, da quest’anno anche di Sergio Castellitto, c'è un altro elemento che contribuisce a rendere credibile e coinvolgente il racconto: le location.

I luoghi scelti dalla produzione non rappresentano semplicemente uno sfondo narrativo. Diventano anch’essi protagonisti della storia, riflettendo le emozioni dei personaggi e accompagnandone il percorso umano. A dominare la scena è soprattutto Roma, mostrata però in una veste diversa rispetto a quella delle grandi produzioni turistiche.

La capitale all'interno della serie è infatti una città vissuta, quotidiana, fatta di quartieri popolari, spazi verdi e strade percorse ogni giorno da migliaia di persone. Gran parte delle riprese della seconda stagione si è concentrata nell'area del Tuscolano, una delle zone residenziali più estese della città. Qui il traffico, i negozi di quartiere, i parchi e le piazze contribuiscono a costruire quell'atmosfera familiare che caratterizza l'intera serie. Tra le aree più riconoscibili compaiono Piazza Ragusa e il Parco Giordano Sangalli.

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Quando nel 2022 Netflix ha deciso di affidare a Shawn Levy la regia di The Adam Project, molti hanno storto il naso. L'idea di fondere Star Wars con Ritorno al futuro suonava come l'ennesimo tentativo disperato di cavalcare la nostalgia, una ricetta per il disastro annunciato. Eppure, contro ogni previsione, l'esperimento è stato fruttuoso: il film si è rivelato uno dei più sottovalutati originali sci-fi della piattaforma streaming, un'opera capace di omaggiare i classici degli anni '80 senza scadere nella sterile ripetizione.

La trama mette in scena Ryan Reynolds nei panni di Adam, un pilota di caccia che nel distopico 2050 ruba un jet capace di viaggiare nel tempo. Il suo obiettivo è disperato quanto personale: tornare indietro per impedire l'assassinio di sua moglie Laura, interpretata da Zoe Saldaña, un evento che ha permesso a un villain di prendere il controllo della tecnologia temporale. Nel suo viaggio attraverso le epoche, Adam incontra sé stesso dodicenne, e i due dovranno collaborare per salvare non solo Laura, ma l'intero corso della storia.

Qui sta il primo colpo di genio di Levy: non permettere mai che i nodi della continuità temporale soffochino il ritmo della narrazione. Mentre negli ultimi anni la fantascienza televisiva ha alzato l'asticella della complessità narrativa, con show come Altered Carbon che costruiscono mondi stratificati e densi, The Adam Project sceglie una strada diversa. Il film alleggerisce deliberatamente l'aspetto della hard science, concentrandosi invece sul rapporto emotivo tra le due versioni di Adam e sull'adrenalina pura dell'avventura blockbuster.

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Il ritorno di Beverly Hills, 90210 su Sky e NOW ha riportato alla ribalta uno dei fenomeni televisivi più amati degli anni Novanta, il teen drama per eccellenza da cui hanno preso forma tutti quelli successivi. Per molti spettatori nati negli anni Ottanta è stata l’occasione per ritrovare vecchi amici come Dylan, Kelly, Brenda e Brandon, ma anche quei personaggi adulti che contribuivano a dare equilibrio alle vicende dei ragazzi del West Beverly High. Tra questi spicca Cindy Walsh, la madre premurosa interpretata da Carol Potter, figura rassicurante che per anni ha rappresentato il punto di riferimento della famiglia Walsh.

Mentre i fan si immergono nuovamente nelle dieci stagioni della serie, una domanda torna a circolare con insistenza: che cosa fa oggi Carol Potter? La risposta racconta una storia molto diversa da quella della casalinga che ha interpretato sul piccolo schermo e rivela il percorso sorprendente di una donna che, dopo il successo televisivo, ha deciso di reinventarsi.

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Un’ intera generazione lo ricorda soprattutto come Luca Molinari, il protagonista di Notte prima degli esami, una delle commedie italiane più amate degli anni Duemila. Eppure la storia professionale di Nicolas Vaporidis non si è fermata al successo cinematografico che lo ha reso uno dei volti più popolari del grande schermo. Negli ultimi anni l’attore romano ha scelto infatti una strada diversa, ma soprattutto inaspettata, allontanandosi progressivamente dal mondo dello spettacolo per dedicarsi a un progetto imprenditoriale che oggi occupa gran parte della sua vita. Una scelta radicale che ha sorpreso molti fan e che lui stesso ha raccontato pubblicamente con estrema sincerità.

Nato a Roma il 22 dicembre 1981, da madre romana e padre greco, Vaporidis si avvicina alla recitazione dopo un percorso per niente facile. Terminato il liceo classico, si iscrive all’università, ma presto decide di interrompere gli studi e trasferirsi a Londra. Nella capitale britannica lavora come cameriere, studia inglese e frequenta corsi di recitazione. Un’esperienza che, col senno di poi, si rivelerà determinante non soltanto per la sua formazione artistica, ma anche per il futuro professionale che avrebbe costruito molti anni dopo.

L’esordio sul grande schermo arriva nei primi anni Duemila, ma la vera consacrazione avviene nel 2006 con Notte prima degli esami. Il film diretto da Fausto Brizzi diventa un cult tra i maturandi di quell’anno (e non solo), e trasforma Vaporidis in uno degli attori più richiesti del momento. Seguono numerose commedie di successo, tra cui Notte prima degli esami - Oggi, Come tu mi vuoi, Maschi contro femmine e Femmine contro maschi. Nel corso della carriera si cimenta anche come produttore e prende parte a produzioni internazionali, arrivando persino a lavorare con Ridley Scott nel film Tutti i soldi del mondo.

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Fino a una trentina di anni fa, il calcio era un prodotto amatissimo e popolarissimo, ma che aveva il suo cuore tra l'Europa e l'America del Sud, luoghi in cui è, in molti casi, una religione e non serve pubblicizzare le date della liturgia: nessuno ha bisogno di uno spot pubblicitario per ricordarsi quando è Natale. Nel 1994, però, il campionato mondiale di calcio fece per la prima volta la sua apparizione in Nord America, precisamente negli Stati Uniti, un posto dove il calcio era uno sport per collegiali e, soprattutto, per ragazze.

Così, sull'onda di clamorosi investimenti, i brand cominciarono a sbizzarrirsi per creare spot sempre più belli, vere perle nell'arte del cinema breve: lo diciamo per scansare ogni equivoco, vince la Nike, che non ci sponsorizza, ma che nel corso di tre decenni ha dimostrato un fiuto, una capacità di pensiero e gestione delle idee visive e un talento comunicativo senza pari. Proprio da loro, e dal mondiale 1994, cominciamo questo viaggio.

The Wall - 1994

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C'è stato un momento preciso in cui il pubblico globale ha smesso di voler emulare i miliardari e ha iniziato a volerli vedere sbranati. Se negli anni '80 e '90 il grande schermo celebrava l'edonismo sfrenato alla Wall Street o la favola capitalista di Pretty Woman, l’ultimo decennio ha registrato un’inversione di rotta radicale e spietata. Lo schermo contemporaneo è diventato un'arena romana dove l’1% della popolazione mondiale viene sistematicamente ridicolizzato, torturato e, infine, distrutto. In questo solco di "lotta di classe" in formato dark comedy si inserisce perfettamente Ricchi... da Morire - delitti in famiglia, in sala dal 17 giugno con Lucky Red.

Eat the Rich

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Il primo a vedere qualcosa in Glen Powell fu Richard Linklater. Non fu un colpo di intuito facile: dopo aver lavorato, giovanissimo, con lui in Fast Food Nation, il regista gli rifilò il ruolo più adatto al suo fisico e alla sua immagine d'attore, 13 anni dopo, in Tutti vogliono qualcosa. La combinazione fu perfetta. Il seguito d’anima di La vita è un sogno è un cult movie (per i pochi che l’hanno visto) irresistibile per il carisma che lo avvolge. Si segue un gruppo di amici, maschi, negli anni ’80, mentre rifiutano in ogni modo di entrare nell’età adulta tra scherzi, droghe ricreative e tempo libero. L’esperienza del film per lo spettatore è l’energia che trasmette. Finnegan, interpretato da Powell, è la batteria più carica.

Passano altri 7 anni. Il 2023, come scritto sui cartelli sorretti dai colleghi all’anteprima di Hit-Man - Killer per caso, è il momento di Glen Powell. La svolta, l’anno in cui tutti hanno smesso di pensare che sarebbe stato un volto confinato nello stesso ruolo di sfondo e hanno visto ciò che aveva intuito Linklater: l'incredibile versatilità di un corpo nato per l'action e di un volto perfetto per la commedia.

I risultati della consapevolezza e di anni di duro lavoro

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Immaginiamo per un attimo che il cinema si sia terribilmente moralizzato. Non per forza in senso negativo, ma oggettivamente: forse vi ricordate (o vi hanno raccontato) che andare in sala fosse un’esperienza liberatoria. Si entra, si vede un film e, soprattutto, si viaggia. C’è il viaggio leggero della pura evasione, quello denso – ma sempre stimolante - del film politico. Ma quel che un film sicuramente non farà è mettervi l’ansia di dovervi pronunciare sulla moralità spicciola di ciò che vedete.

Questo (vi hanno sempre raccontato) lo facevano i gruppi religiosi, così molesti e bigotti che a un certo punto un gruppo di scafati capitalisti hollywoodiani decise di darsi un codice con tutti i trigger da evitare, così da poter continuare a sfornare in santa pace quel che il loro pubblico gli aveva sempre chiesto: racconti immorali.

C’è però un codice che sopravvive a qualunque censura. Si chiama “genere”. Un genere è tante cose, alcune delle quali molto tecniche e venali. Ma al succo è un insieme di convenzioni. Un accordo tra artista e pubblico per cui “questo tipo di racconti funziona così, le regole del reale sono sospese: prego, siete autorizzati a sognare”. È quel che fingono di non capire le persone che odiano i musical, quando dicono “mi disturba che a un certo punto inizino a cantare”. Come se una gara di occhiatacce in un western o una rapina di Mission: Impossible fossero in alcun modo più plausibili, meno codificate. Non eravate venuti a vedere un film?

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Per molti anni, nel parlare di “cinema femminile” europeo, il termine è stato usato per indicare una categoria a parte, un recinto in cui le donne potevano raccontare storie intime, familiari e private, mentre il grande cinema della Storia, della politica o della società rimaneva roba da degli uomini.

Negli ultimi vent’anni questa distinzione è progressivamente saltata grazie a grandi autrici, prima fra tutte Agnès Varda. Agnès Varda ha mostrato come il personale possa essere politico. Nei suoi film la vita quotidiana, i corpi femminili, l’invecchiamento, il lavoro domestico, la memoria e perfino gli oggetti abbandonati diventano strumenti per interrogare la società e i rapporti di potere. Molto prima che si parlasse di “female gaze”, Varda aveva già dimostrato che lo sguardo di una donna poteva cambiare non soltanto i personaggi raccontati, ma il modo stesso di guardare il mondo. Molte delle registe europee di oggi, da Céline Sciamma a Mia Hansen-Løve, ma anche Alice Rohrwacher e Justine Triet hanno seguito il percorso che Varda ha tracciato, quello di un cinema in cui l’esperienza individuale femminile diventa uno strumento per leggere il mondo e la Storia.

In questo percorso la famiglia è diventata uno dei grandi territori di esplorazione del cinema europeo contemporaneo, non più solo il luogo rassicurante della tradizione, ma uno spazio attraversato da assenze, silenzi, traumi ereditati, ed è proprio in questo spazio critico che si inserisce il cinema di Carla Simón.

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Per gran parte della sua carriera, Martin Scorsese ha disegnato a mano gli storyboard dei propri film. Ora non più, o quasi. Ad aiutarlo ci pensa FLUX, uno strumento della start-up di AI generativa Black Forest Labs, di cui il regista è diventato advisor. «Con questo strumento posso condividere ciò che visualizzo in modo più chiaro ed efficiente con il mio team creativo», spiega in un video che in questi giorni agita il web. Ma Scorsese è solo l'ultimo - e più rumoroso - dei grandi autori del cinema che stanno cambiando approccio sull'AI. Qualcosa che il pubblico sembra vivere come un tradimento.

Da quando l'AI generativa è entrata nel discorso, la questione si è posta in modo secco: insulto alla creatività, furto o futuro inevitabile. Ora che questi strumenti diventano reali, e bussano alle porte dei grandi Studios e non solo, la musica cambia, e arrivano i distinguo, le zone grigie.

A mostrare una svolta è stato anche Steven Spielberg, ospite del podcast IMO di Michelle Obama e Craig Robinson: «Usate l'AI come uno strumento, ma non come l'ultima parola su nulla che sia creativo. Non c'è sostituto per l'anima». Sfumature, cambi di prospettiva, che si fanno sempre più comuni nelle alte sfere di Hollywood e non solo. A Cannes, Peter Jackson ha alzato il tiro in una masterclass: «Per me l'AI è solo un effetto speciale. Non è diverso dagli altri effetti speciali». Sempre sulla Croisette, Steven Soderbergh ha presentato John Lennon: The Last Interview, documentario in cui il 10 per cento del minutaggio - le parti in cui Lennon e Yoko Ono parlano in termini astratti, impossibili da illustrare con archivio - è generato da AI in partnership con Meta. «Non mi sento minacciato», aveva detto a Variety. «Mi spaventano solo le cose che non capisco». Per il prossimo film, Soderbergh ha confermato l'uso di «molta AI».

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Al Circo Massimo, a Roma, hanno suonato Bruce Springsteen, i Rolling Stones, David Gilmour, Vasco Rossi. Per capirci, al Circo Massimo ci arrivi quando sei diventato una rockstar. Non ditelo mai a Michel Rech, in arte Zerocalcare, perché è l’ultima cosa che vorrebbe sentirsi dire. Anche domenica sera, davanti a 10mila persone – che erano lì anche per Coez e Giancane, certo – ha continuato ad essere incredulo del successo che ha raggiunto e ha continuato a schernirsi e a mantenere il suo solito understatement. Tanto che Michele Foschini, il Direttore e Fondatore di Bao Publishing, a un certo punto della serata, lo ha detto a tutto il pubblico. “L’unico che non crede ancora di essere riuscito a fare qualcosa che ha un prima e un dopo è lui” ha dichiarato riferendosi a Zerocalcare. “Se stasera vi piace l’anteprima, che è la sola cosa di cui ci importa a questo punto, fate un sacco di rumore perché ho bisogno di dirgli: te lo avevo detto”.

Un lavoro di tre anni

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È una sommessa ambiguità a innervare, in maniera impalpabile ma via via più manifesta, l’intreccio di Amarga Navidad, il ventiquattresimo lungometraggio di Pedro Almodóvar, reduce dal concorso del Festival di Cannes 2026. Un’ambiguità di carattere espressamente drammaturgico, che ammanta la vicenda al centro del film: quella di Elsa, regista di spot pubblicitari interpretata da Bárbara Lennie. Autrice di un paio di sfortunati cult-movie, Elsa vagheggia il ritorno al cinema, ma la sua serenità è minata dalle frequenti emicranie da cui è afflitta e dall’ombra del lutto per la morte della madre; e neppure l’amorevole vicinanza del compagno Bonifacio (Patrick Criado), giovane pompiere con un secondo lavoro da stripper, sembra in grado di placare le sue silenziose inquietudini.

Sulla radice di tali inquietudini, così come sull’esatta direzione del racconto, stavolta Pedro Almodóvar non ci fornisce facili appigli: troppo trattenuto per afferire al melodramma e ben lontano dai territori del thriller e del noir (a dispetto della tensione costantemente evocata dalla suggestiva colonna sonora del fidato Alberto Iglesias), Amarga Navidad segue un andamento insolito, abbandonando a poco a poco il personaggio di Bonifacio per introdurre invece prima la figura di Patricia (Victoria Luengo), madre di famiglia che Elsa vorrebbe vedere emanciparsi da un marito fedifrago, e poi un’altra amica della protagonista, Natalia (Milena Smit), alle prese con un tormentoso rimorso da cui non riesce a trovare sollievo, e che Elsa accoglierà nel selvaggio scenario vulcanico dell’isola di Lanzarote, meta di un’improvvisa vacanza alla ricerca di ispirazione.

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La vendetta è il motore narrativo più antico del mondo. Esiste da prima del cinema, ma è sul grande schermo che ha trovato la sua forma estetica più pura. Da genere "sporco" e marginale, relegato ai cinema di seconda visione negli anni '70, il revenge movie si è elevato a capolavoro d'autore, capace di esplorare gli abissi della natura umana.

Dalle lame affilate dell'Oriente alle metropoli corrotte dall'uomo, in occasione dell’uscita di Kill Bill: The Whole Bloody Affair, in sala dal 28 maggio al 3 giugno, ecco la classifica definitiva dei 10 migliori film di vendetta di sempre.

10. Una donna promettente (Emerald Fennell, 2020)

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Quando abbiamo visto la prima volta, più di venti anni fa, il primo volume di Kill Bill abbiamo pensato che fosse il parco giochi di Quentin Tarantino, il luogo cinematografico in cui potesse sfogare le sue passioni fregandosene di tutto, anche, forse, dei giudizi del pubblico. Quando poi, qualche mese dopo, abbiamo visto la seconda parte, ci è invece apparso chiaro che quell’opera non era un giocattolo dorato, era un percorso cinematografico, era un viaggio dentro la propria cinefilia da cui Tarantino è un uscito un regista diverso, forse migliore. E ora che per la prima volta nella storia possiamo vedere la versione integrale Kill Bill: The Whole Bloody Affair, nelle sale solo dal 28 maggio al 3 giugno, ne abbiamo la conferma.

Il quarto film di Tarantino è uno spartiacque nella carriera del cineasta del Tennessee: fino a quel momento, con i suoi primi tre film (Le iene, Pulp Fiction e Jackie Brown, a cui aggiungiamo il segmento del film a episodi Four Rooms), il regista si era mosso nell’alveo del cinema indipendente, lavorando su dialoghi strepitosi, su una calibratissima costruzione della struttura narrativa, lavorando con le citazioni e i riferimenti come un tappeto su cui edificare vere e proprie cattedrali, in cui più che la tensione, l’azione o l’intreccio contavano le atmosfere e il mood, un’aura che nasce senza sforzo da personaggi e situazioni più che dalle trovate puramente visive, nelle quali la frammentarietà diventa elemento che paradossalmente unifica.

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