Borat - Studio culturale sull'America a beneficio della gloriosa nazione del Kazakistan, questo il titolo integrale dell’opera, usciva al cinema 20 anni fa. Oltre a considerare cosa stavamo facendo, oppure com’eravamo quando quest’uomo stravagante ha simpaticamente invaso le nostre vite con il tormentone orecchiabile “Mio nome Borat”, potremmo domandarci come siano cambiati i tempi – nell’arco di due decadi – anche cinematograficamente. L’opera in questione, nata dall’estro e dalla follia artistica di Sacha Baron Cohen, è arrivata nelle sale come un fulmine a ciel sereno.

Qualcosa di talmente deflagrante, per contenuto e sviluppo, da cambiare per sempre la concezione di commedia brillante. Infatti, un film come Borat oggi viene definito mockumentary: un racconto che somiglia a un documentario, dal punto di vista cinematografico, ma utilizza la satira sociale come arma principale e strumento di linguaggio.

La gestazione travagliata

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Ci siamo! Mancano pochissime ore all'esordio nelle sale cinematografiche di Spider-Man: Brand New Day, il quarto capitolo targato Sony Pictures e Marvel Studios che vede Tom Holland vestire ancora una volta i panni dell’Amichevole Uomo Ragno di quartiere. Come emerso chiaramente dai trailer e dalle anticipazioni diffuse nelle scorse settimane, la pellicola diretta da Destin Daniel Cretton segna un deciso cambio di rotta: archiviate le atmosfere multiversali di No Way Home e ridotti al minimo i grandi legami con l'MCU, il film abbraccia una dimensione decisamente più urbana, cruda e street-level.

In attesa di staccare il biglietto per il cinema, dunque, facciamo un riepilogo dettagliato di tutti i personaggi principali apparsi nei trailer, mettendo a confronto i loro volti cinematografici con la rispettiva controparte cartacea per scoprire quali indizi e segreti i fumetti Marvel possono rivelarci sulla trama.

Hulk e il Punitore: gli alleati ingombranti

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C’è un momento, più o meno a metà delle due ore, cruciale per comprendere tanto l’operazione di Anno tanto un intero stato d’animo, un modo di vivere, una paranoia che domina l’esistenza giapponese da quasi un secolo. Una sequenza apparentemente simile alle altre, fino a che uno dei personaggi non avanza una supposizione: e se Godzilla avesse a che fare con l’atomico? In quell’istante cala un gelo che zittisce tanto gli altri personaggi quanto la colonna sonora stessa, che prende una pausa per respirare, anch’essa incapace di fiatare.

Un sentimento comune, toccato proprio quando sembrava più distante, al pari di quanto avvenne in Giappone nel 2011. Non è facile immaginare, infatti, Shin Godzilla senza il disastro di Fukushima, evento traumatico che fece sprofondare nuovamente la società nipponica nel caos psicotico post-atomico.

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Il conto alla rovescia sta per giungere al termine: il prossimo 31 luglio arriva nelle sale cinematografiche Spider-Man: Brand New Day, la nuova avventura di Peter Parker - interpretato nuovamente da Tom Holland - diretta da Destin Daniel Cretton. Si tratta di un evento cruciale per il Marvel Cinematic Universe, essendo una delle sole due pellicole che arriveranno sul grande schermo in questo 2026, insieme all’imponente e attesissimo Avengers: Doomsday (di cui abbiamo visto proprio in questi giorni il primo trailer).

La storia finora: il nuovo inizio di Peter Parker

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Il fisico ingombrante dell’attore americano, la pelle arrossata, il fiato corto di chi porta addosso un peso non solo fisico, ma morale. Tutti elementi che diventavano un vero e proprio lessico nei film che Philip Seymour Hoffman ha reso unici con il suo sconfinato talento. In un'industria che premia spesso e volentieri la bellezza statuaria (ormai a qualunque età, peraltro) lui ha costruito una carriera intera giocando in un'altra categoria. Lo ricordiamo in Boogie Nights (1997), l'assistente di scena Scotty J., innamorato e ridicolo, che piange nella sua auto dopo un bacio rifiutato: Paul Thomas Anderson gli affida l'imbarazzo più puro che il cinema americano degli anni Novanta abbia saputo raccontare, e Hoffman lo restituisce senza un grammo di autocommiserazione - il che, semmai, è ancora più straziante. È lì che probabilmente abitava il suo alfabeto: nella vergogna più profonda, nel timore del giudizio altrui.

Con Anderson il sodalizio si farà sistematico - Magnolia (1999), Ubriaco d’amore (2002), fino al vertice con The Master (2012), dove Lancaster Dodd, il guru-ciarlatano modellato su suggestioni scientologiche, gli permette di lavorare sul crinale sottilissimo che separa il carisma dalla truffa, il padre dal predatore. Hoffman capisce, meglio di chiunque altro della sua generazione, che il potere sullo schermo non è mai muscolare ma vocale, respiratorio, celato nelle pause prima delle battute.

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In La casa dalle finestre che ridono la quiete del paese diventa un ingrediente fondamentale per costruire il folklore. Comacchio, paesino della bassa padana situato sul delta del Po, si trasforma in una terrificante bolla da cui è impossibile fuggire, e quando Stefano (Lino Capolicchio) viene assunto per restaurare un affresco del misterioso pittore Buono Legnani, si ritrova immerso in un incubo sotto la luce del sole. La costruzione dell’orrore nel film di Pupi Avati passa dalla provincia, dalle dinamiche quotidiane che la vita fuori dai centri urbani possiede — con tutti che conoscono tutti, con le voci che girano e le storie che vengono raccontate — e dal tempo che sembra fermarsi, ripetersi, senza mai andare avanti.

Il folklore assume così il suo stato più primordiale, connesso alle leggende locali e alla follia che diventa fonte d’ispirazione nell’opprimente contesto territoriale italiano.

Il folk horror nel nord Italia

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È un grande classico della commedia italiana: un film che, dopo averlo visto per la prima volta, conquista inesorabilmente, e invita a essere rivisto ancora e ancora! Bianco, rosso e Verdone, pellicola diretta e interpretata da Carlo Verdone e arrivata nelle sale nel 1981, conserva intatta la propria forza comica e il suo straordinario ritratto dell'Italia, fatto di tic, difetti, risate, umanità e malinconia. Il film consacrò Verdone dopo il successo di Un sacco bello, dimostrando che il giovane artista romano non era un semplice fenomeno del momento, ma un autore che riusciva a trasformare personaggi apparentemente caricaturali in figure profondamente umane. Dietro quella crescita artistica, però, c'è anche l'incontro destinato a dare la svolta: quello con Sergio Leone.

L'idea narrativa è semplice e proprio per questo, straordinaria. Durante un fine settimana elettorale tre uomini affrontano un lungo viaggio per raggiungere il proprio seggio. Ognuno rappresenta un modo diverso di essere italiani e ciascuno diventa protagonista di un percorso ricco di situazioni esilaranti, ma anche di riflessioni amare. Verdone interpreta tutti e tre i personaggi principali, offrendo un 'incredibile prova d'attore.

Pasquale Amitrano è un emigrato italiano che vive in Germania e torna in Basilicata per votare. Uomo riservato e quasi sempre silenzioso, affronta un viaggio costellato di disavventure, truffe, furti e umiliazioni che culminano in uno sfogo finale rimasto nella storia del cinema italiano. Furio Zòccano, invece, è probabilmente il personaggio più celebre dell'intera filmografia di Verdone. Ossessionato dall'ordine, dalle regole e dalla precisione, trasforma una semplice vacanza in famiglia in un incubo per la moglie Magda e per i figli. Le sue manie, raccontate con un ritmo irresistibile, hanno consegnato al cinema italiano alcune delle battute più citate di sempre.

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“Lei danza in un cerchio di fuoco e si sbarazza dalla sfida con una scrollata”. Iniziamo da questi versi per raccontarvi The Doors, il film di Oliver Stone dedicato a Jim Morrison e alla sua band, che ritorna al cinema dal 13 al 15 luglio distribuito da Lucky Red. Sono i versi, i primi, che Jim Morrison dedica alla compagna Pam. Qui dentro c’è tutto, il fuoco dell’arte che ardeva in Jim e quello che scatenavano i Doors sul palco, l’amore e la passione per la sua compagna e per tutto quello che faceva, la poesia. Sì, Jim Morrison è stato una rockstar, un’icona della musica, un pezzo di storia del rock. Ma è stato prima di tutto un poeta.

Il film di Oliver Stone ce lo ricorda sin dalle prime scene. Siamo già molto avanti con la storia, prima che il nastro la riavvolga e ci riporti ai suoi inizi. Siamo in uno studio di registrazione, di notte. Solo Jim Morrison, un microfono e un fonico. “Niente Doors” precisa l’artista. Vuole solo registrare le sue poesie. “Non sei una rockstar, sei un poeta” gli dice alla fine del film Pam. E la tensione tra il Morrison artista e il Morrison performer, tra il bisogno di fare arte e la tentazione della fama è uno dei fili conduttori del film.

Ammantare i Doors d’oro e rosso fuoco

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Sono passati quarantacinque anni dal primo capitolo della saga ideata da Sam Raimi, e il franchise de La casa non ha mai smesso di scommettere sui giovani registi. Nel 1981, un quasi esordiente e sconosciuto studente di cinema (aveva diretto un unico lungometraggio di 70 minuti, mai distribuito nella sale) dirigeva un horror realizzato con una piccola crew composta da amici e studenti (tra cui Joel ed Ethan Coen) e con meno di 400.000 dollari di budget. La casa (Evil Dead) sarebbe presto diventato il manifesto dell’horror artigianale, del cinema fatto in casa con il gusto del divertimento e il fascino dell’arrangiarsi produttivamente. Dopo il grande successo di pubblico, Sam Raimi ha girato altri due capitoli: La casa 2 (1987) e L’armata delle tenebre (1992), senza dimenticare il pilot dello spin-off televisivo Ash vs Evil Dead (2015), con il ritorno di Bruce Campbell nel ruolo del protagonista.

Il franchise è tornato al cinema nel 2013 con La casa, reboot diretto dall’esordiente Fede Álvarez, regista uruguaiano che prima del grande passo cinematografico aveva realizzato soltanto cortometraggi. Sam Raimi in produzione decise di piazzare la scommessa, cercando linfa nuova in un regista sconosciuto (come lo era lui nel 1981) e affidandogli un progetto scivoloso: il ritorno sul grande schermo di uno degli universi cinematografici più amati della storia dell’horror. Nel suo reboot - il più fedele al capitolo originale, sia per crudeltà visiva che per impostazione narrativa - il regista modifica il genere del protagonista, settando lo standard proseguito nei capitoli successivi. Da Bruce Campbell nel ruolo di Ash Williams si passa alla final girl interpretata da Jane Levy, elemento che tornerà anche nei successivi film (e reboot) del regista uruguaiano. Il film incassa poco meno di 100 milioni di dollari a fronte di un budget di appena 17, lanciando la carriera di Álvarez che avrebbe poi diretto due capitoli della saga Millennium e Alien: Romulus.

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Nel vasto oceano delle grandi produzioni hollywoodiane, capita talvolta che piccoli ma significativi frammenti di cinema italiano rimangano sommersi, custodi di una sorpresa che il grande pubblico tende a dimenticare con il passare degli anni. È il caso di un' opera miliardaria che ha incantato più generazioni di spettatori e che, nel suo secondo capitolo, ha attinto a piene mani dal bacino attoriale del nostro Paese. Parliamo de Le cronache di Narnia - Il principe Caspian, pellicola del 2008 diretta da Andrew Adamson e prodotta da Walt Disney Pictures insieme a Walden Media. Se la maggior parte del pubblico associa la saga ai giovani fratelli Pevensie e al maestoso leone Aslan, l'occhio più attento e critico non può fare a meno di notare una presenza nostrana d'eccezione: quella di Pierfrancesco Favino.

L'attore romano, oggi consacrato come uno dei pesi massimi del cinema europeo, ha preso parte a questa imponente macchina spettacolare in un ruolo tutt'altro che marginale, muovendosi all'interno di un'opera che tentava di smarcarsi dalle atmosfere più favolistiche del debutto per abbracciare una narrazione decisamente più cupa, complessa e strutturata.

Per comprendere appieno il contesto in cui si inserisce il lavoro di Favino, è necessario riavvolgere il nastro della narrazione firmata da C.S. Lewis. Nel secondo libro del ciclo, la temporalità di Narnia si dissocia drammaticamente da quella terrestre. Se per i fratelli Peter, Susan, Edmund e Lucy Pevensie è trascorso soltanto un anno scolastico nella Londra della Seconda Guerra Mondiale, nel mondo oltre l'armadio sono passati ben tredici secoli. Un’era dorata che si è spenta, lasciando il posto all’oblio: l'immortale leone Aslan sembra essere svanito nel mito e le creature mitologiche che un tempo popolavano le foreste, sono state estinte o costrette alla clandestinità più selvaggia.

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Da qualche anno Hollywood e le piattaforme streaming hanno scoperto che romance contemporaneo è una miniera d’oro. Dopo il successo di Bridgerton, The Summer I Turned Pretty, Maxton Hall, È colpa tua, Heated Rivalry, e dei tanti progetti nati dall’universo BookTok, anche Every Summer After di Carley Fortune è diventata una serie tv, con il titolo italiano Un anno dopo l’altro. Ma se il libro è diventato un fenomeno editoriale proprio grazie a una voce, a un’atmosfera e a una precisa costruzione emotiva, l’adattamento non ha convinto e ha acceso una discussione che accompagna il cinema praticamente da quando esistono i libri: quanto è giusto cambiare? E quando un adattamento smette di essere un adattamento per diventare qualcos’altro? 

Pubblicato nel 2022, Every Summer After è il romanzo d’esordio di Carley Fortune, giornalista canadese che per anni ha lavorato nel settore editoriale e nei magazine femminili. Nessuno si aspettava che quel debutto diventasse uno dei casi editoriali più importanti degli ultimi anni. La storia è apparentemente semplice: Persephone Fraser torna nel luogo dove ha trascorso tutte le estati della sua adolescenza dopo dieci anni di assenza. Lì ritrova Sam Florek, il ragazzo che ha amato più di ogni altra persona al mondo e che ha perso per un errore che continua a perseguitarla.

Fortune costruisce il romanzo alternando due linee temporali: il presente e le estati del passato. È una struttura ormai classica, ma estremamente efficace perché trasforma il libro in un puzzle emotivo, il lettore sa che qualcosa è andato terribilmente storto, ma scopre la verità poco alla volta. Il successo del romanzo nasce soprattutto da questo meccanismo. Non è soltanto una storia d’amore, è una storia di nostalgia, di crescita, di colpa e di seconde possibilità. Un libro che parla di ciò che perdiamo diventando adulti e di quanto sia difficile perdonare se stessi. Anche per questo Every Summer After è diventato uno dei titoli più consigliati e discussi su BookTok, conquistando una comunità di lettrici estremamente affezionata ai personaggi e al tono del romanzo.

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Mimmo è il più piccolo della famiglia della Garbatella. Anzi lo era, perchè intanto è cresciuto. Per milioni di telespettatori è stato il bambino dagli occhi curiosi che raccontava gli eventi della serie con la sua voce fuori campo, accompagnando il pubblico de I Cesaroni stagione dopo stagione. Oggi quel bambino è diventato un uomo e, con il ritorno della storica fiction nella settima stagione, Federico Russo è tornato sotto i riflettori.

Il revival della serie ha riportato in primo piano molti volti storici del cast, ma tra quelli che hanno maggiormente incuriosito il pubblico c'è proprio lui. Non soltanto perché è uno dei pochi interpreti presenti in tutte le stagioni della fiction, ma anche perché la sua crescita artistica è avvenuta praticamente sotto gli occhi degli spettatori.

Nato a Roma il 19 ottobre 1997, Federico Russo ha iniziato la sua carriera molto presto. Ancora bambino, ha mosso i primi passi davanti alle telecamere partecipando alle ultime stagioni della soap Incantesimo e prendendo parte alla miniserie dedicata ad Alcide De Gasperi. La popolarità, tuttavia, arriva nel 2006 quando entra nel cast de I Cesaroni. Mimmo diventa immediatamente uno dei personaggi più amati della serie. A differenza di molti bambini attori che finiscono per essere ricordati esclusivamente per un singolo ruolo, Russo riesce a costruire nel tempo una carriera articolata, continuando a lavorare nel mondo dello spettacolo anche dopo il grande successo della fiction Mediaset.

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Continua il nostro reportage dal Pesaro Film Festival, che martedì 16 giugno ha visto proseguire il concorso Pesaro nuovo cinema con una seconda giornata di opere provenienti da tutto il mondo. Nella sala grande del Teatro Sperimentale di Pesaro, introdotti dal direttore del Festival, Pedro Armocida, e dal team dei selezionatori, sono stati proiettati tre nuovi titoli caratterizzati in particolare dalla sperimentazione sul linguaggio filmico. Ma subito prima delle proiezioni del concorso, a conquistare la nostra attenzione sono stati soprattutto due mediometraggi realizzati in Spagna nel 1969: una coppia di brevi e coraggiosi film ‘universitari’ presentati nell’ambito della sezione chiamata Lezioni di storia.

Da Robert e June a un lisergico Dracula, un concorso all’insegna dello sperimentalismo

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Dopo un weekend dedicato a una serie di eventi speciali, dal quarantennale de Il nome della rosa di Jean-Jacques Annaud all’omaggio a Carlo Collodi con Pinocchio di Enzo D’Alò, lunedì 15 giugno la 62esima edizione del Pesaro Film Festival è entrata nel vivo con l’apertura del concorso Pesaro nuovo cinema. Si tratta di una competizione decisamente peculiare, in cui trovano spazio sia cortometraggi che lungometraggi, espressioni dell’arte cinematografica delle più diverse realtà geografiche; ad accomunarli, pertanto, sono la ricerca e la sperimentazione rispetto al linguaggio filmico. È in primo luogo questo aspetto a rendere il Festival di Pesaro un appuntamento così ricco d’interesse soprattutto per i cinefili, a cui offre l’opportunità di scoprire titoli e autori che altrimenti rischierebbero di restare ‘invisibili’.

Concorso, giorno 1: tre cortometraggi nel segno dello sperimentalismo

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John Williams è tornato. Non che fosse mai andato via, immortale nelle sue molteplici sinfonie capaci di trasportarci in ogni angolo di questo mondo conosciuto e non, ma era da tempo che il più grande compositore per immagini del nostro tempo sembrava avesse abbandonato per sempre la settima arte. Era l’8 Febbraio del 2022 quando Williams, il giorno del suo 90° compleanno, annunciava in una lunga intervista per il New York Times la voglia di concentrarsi su nuovi lidi della composizione musicale, tralasciando per sempre quel mondo che tanto lo aveva reso celebre ma ormai troppo distante dalla sua realtà. “Non voglio più particolarmente fare film”, diceva. “Sei mesi di vita alla mia età sono tanti. Mi sento come se fossi seduto sul bordo di qualcosa mentre il cambiamento sta avvenendo”.

La lunga gestazione per la composizione di The Fabelmans così come la creazione del tema per lo spin-off seriale incentrato sulla gesta di Obi- Wan Kenobi, dopo la dipartita della Repubblica Galattica ne La vendetta dei Sith, avevano spinto Williams a chiudere un capitolo sessantennale che tanto gli aveva donato ma che ormai considerava fortemente debilitante. Ma ciò che più di tutto aveva sottovalutato era la forza persuasiva del suo più fido compagno, Steven Spielberg.

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Ha avuto inizio a Pesaro la 62esima Mostra Internazionale del Nuovo Cinema, la manifestazione che, dal 13 al 20 giugno, trasforma la città marchigiana in una meta di indubbio interesse per i cinefili di ogni età. Anche quest’anno il Pesaro Film Festival propone un programma ricco e variegato, in grado di unire la riscoperta o la celebrazione di opere del passato alla presentazione in anteprima di nuovi titoli, fra lungometraggi e cortometraggi, film di finzione e documentari. Ad aprire l’edizione 2026 del Pesaro Film Festival, la sera di sabato 13 giugno, è stata la proiezione de Il nome della rosa: l’amatissimo giallo medievale di Jean-Jacques Annaud, tratto dall’omonimo romanzo di Umberto Eco e interpretato da un memorabile Sean Connery, è stato proiettato in Piazza del Popolo in occasione del quarantesimo anniversario del suo fortunato debutto nelle sale.

Gli omaggi del Pesaro Film Festival: Maurizio Nichetti e Carlo Collodi

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I bambini degli anni Ottanta lo sanno bene. Se nelle camerette delle sorelline spiccava la casa di Barbie e il camper rosa, la loro era l’universo di He-Man, un supereroe con il caschetto biondo che sapeva combattere i cattivi con la magica Spada del Potere. E quando nel 1987 nelle sale arrivò “I dominatori dell’universo”, il pubblico si trovò davanti a qualcosa di insolito: un film fantasy e fantascientifico tratto da una linea di giocattoli. Oggi può sembrare normale vedere franchise nati da fumetti, videogiochi o perfino giochi da tavolo trasformarsi in kolossal cinematografici, ma negli anni Ottanta l’operazione era decisamente innovativa.

La pellicola diretta da Gary Goddard, con Dolph Lundgren nei panni di He-Man e Frank Langella in quelli di Skeletor, non fu un successo al botteghino, ma col tempo è diventata un vero cult per un’intera generazione. Ma facciamo qualche passo indietro: tutto comincia nel 1981, quando Mattel lancia la linea di action figure “Masters of the Universe”. Le figure muscolose, coloratissime e ricche di accessori conquistano rapidamente il mercato. A differenza di molti altri giocattoli dell’epoca, però, questi personaggi non avevano alle spalle una storia consolidata. Per dare loro identità e profondità narrativa vennero creati mini fumetti allegati alle confezioni, che iniziarono a raccontare le battaglie tra He-Man e Skeletor sul pianeta Eternia.

Il vero salto di qualità arrivò nel 1983 con la serie animata “He-Man e i dominatori dell’universo”, prodotta dalla Filmation. Oggi viene ricordata come uno dei simboli assoluti dell’animazione anni Ottanta, ma all’epoca rappresentò anche un piccolo terremoto nell’industria televisiva. Per molti storici dell’animazione fu infatti il primo caso di serie realizzata specificamente per sostenere una linea di giocattoli già esistente. Il successo fu enorme: 130 episodi in due stagioni, trasmissioni in tutto il mondo e una popolarità che trasformò He-Man in un fenomeno globale.

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Non ho sonno venne accolto come il grande ritorno di Dario Argento al thriller che lo ha consacrato tra i maestri dell'horror e del giallo internazionale. Dopo anni di sperimentazioni e percorsi differenti, il regista romano decise infatti di recuperare molti degli elementi che avevano reso celebri opere come l’iconico Profondo rosso. In questa pellicola gli ingredienti ci sono tutti: un serial killer enigmatico, una città carica di fascino e mistero come Torino, una colonna sonora firmata dai Goblin e un intreccio costruito su indizi, false piste e colpi di scena.

Dietro questo film si nascondono però numerose curiosità che contribuiscono a renderlo ancora più interessante. Alcune riguardano dettagli apparentemente marginali, altre raccontano aneddoti sorprendenti emersi durante la lavorazione. La storia del film prende il via nel 1983, quando il giovane Giacomo Gallo (interpretato da Stefano Dionisi) assiste all'omicidio della madre per mano del cosiddetto “Nano Assassino”, un serial killer che terrorizza Torino. Nonostante le indagini del commissario Ulisse Moretti (Max von Sydow), il caso sembra chiudersi con la morte del presunto colpevole.

Diciassette anni dopo, però, una nuova serie di delitti sconvolge la città. Le modalità ricordano inquietantemente quelle degli omicidi del passato e Moretti, ormai in pensione, viene coinvolto nuovamente nelle indagini. Al suo fianco si ritrova proprio Giacomo, deciso a scoprire finalmente la verità sulla morte della madre. Filastrocche misteriose, sagome di animali lasciate accanto ai cadaveri e una lunga scia di sangue, accompagnano lo spettatore verso un finale sorprendente, nel quale il passato e il presente si intrecciano in modo tragico.

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Bud Spencer è stato ed è tuttora uno degli attori più amati del cinema italiano. Anche dalle nuove generazioni. Un nome che riporta inevitabilmente alle sue scazzottate memorabili e a quell’aria bonaria che lo contraddistinguerà per sempre. Tra tutti i suoi personaggi che hanno contribuito a costruirne il mito, il commissario Rizzo, protagonista di Piedone lo sbirro, occupa senza ombra di dubbio un posto speciale nel cuore del pubblico. Uscito nelle sale nel 1973 e diretto da Steno, il film rappresenta la svolta importante nella carriera dell'attore e diede origine a una saga destinata a entrare per sempre nella storia.

La vicenda è ambientata in una Napoli travolta da traffici illeciti, lotte di potere e criminalità organizzata. Il vice commissario Rizzo, soprannominato "Piedone" per la sua imponente corporatura, conduce un'indagine che prende il via dal caso di un militare americano coinvolto in una vicenda di droga. Le sue ricerche lo portano a scontrarsi con malavitosi locali e organizzazioni criminali internazionali, in una battaglia che si sviluppa tra vicoli, porto e quartieri popolari. Pur muovendosi ai margini delle procedure tradizionali, il commissario riesce a ottenere risultati grazie alla conoscenza del territorio e alla fiducia conquistata tra la gente comune.

Ma il dettaglio che più colpisce ancora oggi riguarda il modo in cui Piedone affronta i criminali. A differenza di molti protagonisti dei polizieschi degli anni Settanta, il commissario Rizzo evita quasi sempre di ricorrere alle armi da fuoco. È una scelta narrativa precisa che contribuisce a definire l'identità del personaggio. Bud Spencer combatte a mani nude, affidandosi alla forza fisica e al celebre pugno "a martello" che diventerà il marchio di fabbrica della serie. Ai tempi, il cinema poliziesco si identificava fortemente nelle sparatorie e e negli inseguimenti ad alta tensione, ma Steno preferì costruire un eroe diverso: un uomo forte ma sostanzialmente pacifico, che utilizza la violenza solo come estrema risposta ai soprusi. Un contrasto che ha funzionato.

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Storia della mia famiglia, la serie ideata da Filippo Gravino e diretta da Claudio Cupellini, di cui la seconda stagione si può vedere su Netflix dal 10 giugno, affronta temi complessi come la malattia, il lutto e la genitorialità con uno sguardo delicato, alternando momenti di commozione a situazioni cariche di umanità e ironia. Ma oltre alle interpretazioni di Eduardo Scarpetta, Vanessa Scalera, Massimiliano Caiazzo e, da quest’anno anche di Sergio Castellitto, c'è un altro elemento che contribuisce a rendere credibile e coinvolgente il racconto: le location.

I luoghi scelti dalla produzione non rappresentano semplicemente uno sfondo narrativo. Diventano anch’essi protagonisti della storia, riflettendo le emozioni dei personaggi e accompagnandone il percorso umano. A dominare la scena è soprattutto Roma, mostrata però in una veste diversa rispetto a quella delle grandi produzioni turistiche.

La capitale all'interno della serie è infatti una città vissuta, quotidiana, fatta di quartieri popolari, spazi verdi e strade percorse ogni giorno da migliaia di persone. Gran parte delle riprese della seconda stagione si è concentrata nell'area del Tuscolano, una delle zone residenziali più estese della città. Qui il traffico, i negozi di quartiere, i parchi e le piazze contribuiscono a costruire quell'atmosfera familiare che caratterizza l'intera serie. Tra le aree più riconoscibili compaiono Piazza Ragusa e il Parco Giordano Sangalli.

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