Alla Festa del CInema di Roma e ora nelle sale, L'assurda storia della Gialappa's Band è il documentario diretto da Walter Veltroni che ha raccontato la parabola di una delle più inventive e intelligenti idee che lo spettacolo italiano abbia avuto nel dopoguerra, ossia la Gialappa's Band, nata quasi per caso, a commentare le partite di calcio su Radio Popolare e arrivata a rinnovare il varietà italiano. Abbiamo avuto occasione di intervistare i due membri dell'ex-trio, Marco Santini e Giorgio Gherarducci, e il regista del film.

La prima cosa che mi ha sconcertato, quando ho saputo del film, è il nome del regista. Non pensavo che Walter Veltroni avesse qualcosa in comune, nell’immaginario, con voi. Nel film è diventato una specie di Gialappo a suo modo. Come avete accolto questa operazione e il lavoro con lui, comprese le sue richieste?

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Radici, la docuserie diretta da Nicola Rovera Rafele e presentata nella sezione Freestyle della Festa del Cinema di Roma, segue la prima stagione dell’Ostiamare, il club in cui Daniele De Rossi, ex centrocampista e capitano della Roma, ha iniziato a giocare da bambino e che oggi ha rilevato per rilanciarlo. Sotto l’etichetta FM Records, a dare voce a questo ritorno è Massimo Martellotta, polistrumentista che ha firmato, tra le altre, le colonne sonore di Finalmente l’alba di Saverio Costanzo e del documentario Italia 1982 – Una storia azzurra. Dopo aver visto in anteprima i primi quattro episodi, lo abbiamo intervistato per capire come si traduce in musica il ricordo di un’infanzia. La serie arriverà a novembre su Sky e NOW.

Cosa ti ha colpito di questo progetto?

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Lo scorso anno ha portato in sala Aldo, Giovanni e Giacomo con Attitudini: nessuna, fenomeno da oltre due milioni di euro al box office che ripercorreva la storia, l’amicizia e le origini del trio. Due anni prima, però, c’era stato Il cerchio (David di Donatello per il miglior documentario), che seguiva per cinque anni consecutivi, dalla prima alla quinta, gli alunni di una classe elementare. Ora Sophie Chiarello torna a posizionare la macchina da presa sui banchi e compie un passo avanti, mostrando l’età in cui i ragazzi devono scegliere che strada intraprendere. Parla con me racconta questo passaggio delicato portandoci dentro una scuola media della zona 167 di Lecce, quartiere di edilizia popolare ai margini di una città.

Realizzato con una linea di intervento del Piano Nazionale Cinema e Immagini per la Scuola e in collaborazione con Nasca, associazione culturale di Ippolito Chiarello impegnata in laboratori e percorsi teatrali sul territorio pugliese, il film è stato presentato nella sezione Alice nella Città della Festa del Cinema di Roma 2026. Noi di BadTaste abbiamo incontrato la regista per parlare del progetto.

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Tre anni fa Gábor Reisz vinceva il premio per il Miglior Film di Orizzonti con il meraviglioso Una spiegazione per tutto. Ora, in occasione dell’83ª Mostra del Cinema di Venezia, arriva nella sezione Spotlight con Ground Floor. Che è un film bello, anzi bellissimo. Lo intervistiamo a Casa I Wonder, che lo distribuirà nelle nostre sale, e prima di cominciare con le domande ci fumiamo una sigaretta insieme. Ci chiede quale sia stato, per noi, il film più bello visto in questa edizione. Rispondiamo Wild Horse Nine di Martin McDonagh - e aggiungiamo che Ground Floor avrebbe meritato un posto in concorso. Una persona semplice e genuina, Gábor Reisz.

Mi ha colpito molto, in questo film, il tema dell'indifferenza, dell'apatia, ed è qualcosa che mi tocca anche come cittadino italiano. È un approccio orientato tutto al mantenimento dello status quo, a non fare niente per cambiare le cose. Da dove nasce, secondo lei, la causa profonda di questa apatia?

Non so se sia una cosa consapevole, ma credo abbia a che fare con il sistema di comunicazione di chi sta al governo: le persone non hanno la possibilità, la chance, di essere critiche, perché chi comanda semplicemente non vuole ascoltare. E così la gente smette di sviluppare un pensiero critico, anche perché nel frattempo si sviluppa un altro livello di vita parallelo, quello dei politici da una parte, quello reale, dall'altra. Io non vivo al piano terra, ma ci ho vissuto a lungo, e la penso come chi ci sta.

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Se venisse anche l'inferno, il film di Samuele Rossi presentato come Evento Speciale alle Giornate degli Autori di Venezia 83, racconta la Resistenza senza alcuna retorica eroica, ma attraverso il racconto di un uomo solo, in preda alla fatica e al freddo. Ne abbiamo parlato con il regista e con due dei suoi interpreti, Luca Tanganelli e Giorgio Colangeli.

Samuele, hai detto di aver fatto questo film sulla resistenza di allora per riflettere sulle resistenze di oggi. C'è stato però un episodio in particolare che ti ha spinto a realizzarlo?

SAMUELE ROSSI: Sono partito da sensazioni contemporanee, ma in realtà mi agganciavo a una resistenza personale, ai valori in cui ho sempre creduto e al modo in cui guardo il mondo come essere umano. La sensazione di dover resistere, nel nostro mondo, nel cinema, nell'industria, nella politica, con questo ritorno ai fascismi che stanno inquinando le società, è difficile non pensare alle resistenze palestinesi e ucraine. Questo tornare a dover testimoniare le resistenze mi ha agganciato a quel biennio là, agli anni di dittatura e di resistenza. Ho voluto raccontare il punto più alto di quella resistenza: resistere quando tutto sembrava procedere verso la sconfitta, la solitudine e la paura.

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Presentato in anteprima mondiale nella sezione Orizzonti della 83ª Mostra del Cinema di Venezia, Oasis è il nuovo film d’esordio del regista tedesco Jannis Lenz, al suo primo lungometraggio dopo un percorso che lo ha visto assistente di Michael Hanek e dopo una serie di cortometraggi (Wannabe e Soldat Ahmet) già incentrati su corpi e violenza giovanile. Con Oasis Lenz torna in Germania, nel luogo della propria infanzia, per raccontare una storia di tre ragazzi ai margini di una scuola che trovano rifugio in un bosco dopo un’ondata di violenza scatenata in seguito a un video online. Lo abbiamo incontrato la mattina dopo la première per fargli qualche domanda.

Come ti senti a essere qui a Venezia?

È stata un'esperienza magica condividere questo film con il team e con gli attori: penso sia stato un momento molto emozionante per tutti noi. Abbiamo festeggiato dopo la proiezione, sono ancora un po' stanco, ma molto felice.

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Prima della guerra è l'esordio nel lungometraggio di Tommaso Usberti, regista e sceneggiatore italo-francese che nel 2017 si era già fatto notare alla Cinéfondation di Cannes, arrivando terzo con il corto Deux égarés sont morts. Il film, presentato alla Settimana Internazionale della Critica di Venezia 2026, segue Guido, poco più di vent'anni, cresciuto in una piccola cittadina del Nord Italia dove si è guadagnato il rispetto dei coetanei con la violenza tipica di un ambiente razzista e misogino. Quando incontra Sonia, giovane immigrata kosovara, quell'equilibrio comincia a incrinarsi.

Sul set, al fianco di Usberti, il fratello Piero, alla sua prova nel ruolo di Guido. Nel cast anche Luàna Bajrami, Massimiliano Balduzzi, Sebastien Halnaut e Cisky Capizzi. Il film è una coproduzione tra Francia e Italia, prodotto da Thibault de Gantès e Lucas Le Postec (L'Heure d'été), Francesco Virga, Adele Dell'Erario e Marco Serrecchia (MIR Cinematografica) e Beatrice Bordone Bulgari (Eolo Film Productions), con vendite internazionali affidate a The Party Film Sales.

Abbiamo incontrato il regista Tommaso e gli interpreti Piero e Luàna per parlare di provincia, corpo e maschilità.

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Dopo Burning (2018) Lee Chang-dong torna al cinema con Possible Love, una storia che intreccia due famiglie completamente opposte, quattro destini e un pezzo di storia coreana rimasto sepolto per un decennio. La pellicola, presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, ha come titolo uno degli episodi del Decalogo di Krzysztof Kieślowski, omaggio al regista polacco a cui Lee Chang-dong fa addirittura una dedica nei titoli di coda; ma non solo, perché tra i produttori del film figura anche Krzysztof Piesiewicz, storico sceneggiatore dello stesso Kieślowski. Nel cast, a formare le due coppie protagoniste, troviamo Sol Kyung-gu e Jeon Do-yeon, entrambi già diretti da Lee Chang-dong rispettivamente in Oasis e Secret Sunshine, e Jo In-sung e Cho Yeo-jeong.

La genesi del film

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A pochi giorni dall’inizio dell’83ª Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, in programma dal 2 al 12 settembre, abbiamo intervistato il suo direttore Alberto Barbera per fare il punto su un’edizione che si apre con diversi fronti caldi: dall’estate record del box office fino al fresco annuncio di Naza, il documentario sullo sterminio dei civili di Gaza da parte di Israele firmato dai co-autori di No Other Land. Con Barbera abbiamo anche parlato di Intelligenza Artificiale, dei costi sempre più insostenibili per gli addetti ai lavori che seguono il festival, del “vivaio” di autori costruito in quindici anni di direzione e anche dei titoli più sorprendenti di questa edizione.

Direttore, mi tolga prima una curiosità: ha visto l’Odissea di Nolan?

L'ho visto dieci giorni fa, purtroppo in condizioni non ideali, in una sala con uno schermo piccolo e un audio pessimo. Credo che solo chi lo ha visto in IMAX 70mm possa dire di averlo visto davvero, per questo preferisco sospendere il giudizio. A una prima impressione, però, mi è parso uno dei film meno riusciti di Nolan: l'ho trovato piuttosto pasticciato, costruito a blocchi, quasi un insieme di situazioni giustapposte più che un racconto unitario. Anche dal punto di vista visivo non mi ha convinto del tutto e alcune scene mi hanno fatto storcere un po’ il naso, come quella di Polifemo, della Maga Circe o della stessa caduta di Troia.

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Fra i film italiani presentati alla 83esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia ci sarà anche Serpenti, il nuovo film diretto da Roberto De Paolis Maino scritto insieme ai fratelli D’Innocenzo. L’ambiziosa pellicola del regista, presente nella sezione Venezia Spotlight e nelle sale italiane dal 10 settembre, vedrà alternarsi al centro della scena un folto cast in cui spiccano Leonardo Lidi, Alessandro Borghi, Pietro Castellitto e Valeria Golino. Il film, la personale e allucinata odissea di un uomo che uccide la moglie e, per quanto lo desideri, non riesce a farsi arrestare, segna il ritorno di De Paolis Maino a Venezia dopo aver aperto la sezione Orizzonti nel 2022 con Princess.

Al centro del film il tema del femminicidio: Paolo Marra ha ucciso sua moglie e, divorato dal senso di colpa, decide di costituirsi. Vorrebbe pagare per ciò che ha fatto, scontare la sua pena, ma la sua è una storia destinata a trasformarsi in un dramma kafkiano, ai limiti del tragicomico. L’uomo incontrerà diversi personaggi che non lo prenderanno mai sul serio, da poliziotti distratti a cartomanti, rendendolo il perfetto capro espiatorio di una società grottesca che ignora chi vuole redimersi.

I Tarocchi entrano in Serpenti come un vero e proprio linguaggio narrativo, più che come semplice elemento scenografico. Ad aiutare con la consulenza per la stesa dei Tarocchi utilizzata nel film sono Lea e Vera Borniotto, registe gemelle da anni impegnate nella ricerca e nella rilettura degli strumenti simbolici del passato.

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Quanti avrebbero immaginato che l'action dystopia di James Cameron si sarebbe rivelata più avanguardia che follia? Terminator non è nato per raccontare futuri possibili, eppure il mondo è cambiato talmente tanto da rischiare più volte di avvicinarsi a quei concetti che 35 anni fa sembravano il preludio alla fine dell'umanità. A differenza del primo capitolo, Terminator 2 è riuscito a rappresentare quel mondo distorto con una maturità e una consapevolezza ben diverse, portando sul grande schermo la consacrazione di Arnold Schwarzenegger come action hero. Il film tornerà in sala dal 28 al 30 agosto, distribuito in Italia da Lucky Red, in una splendida versione restaurata in 4K che celebra un'opera divenuta spartiacque per il cinema di genere.

Questo film trasmette ancora una fascinazione particolare che va al di là dei suoi contenuti: per stile e tecnica, Cameron e il suo team hanno saputo superare gli standard dell'epoca con ingegno e maestria, poggiando le basi di un impianto produttivo destinato a restare nella storia del cinema. Non c'era occasione migliore per farci raccontare Terminator 2 da chi l'ha vissuto dietro le quinte, prima di arrivare sui nostri schermi: Alessandro Rossi, storico doppiatore di Arnold Schwarzenegger, ha condiviso con noi la sua esperienza al leggio e alcuni aneddoti sull'impatto della pellicola nella cultura popolare.

Terminator 2 è diventato un cult assoluto e lo ha fatto in maniera sorprendente. Qual è stato il vostro approccio nell'adattare un'opera così fuori dagli schemi?

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Il 21 luglio al Giffoni circa mille bambini della giuria della sezione Elements +6, dedicata al cinema per il giovane pubblico, hanno accolto con entusiasmo Jumbo, il debutto nel lungometraggio d'animazione del regista indonesiano Ryan Adriandhy. Non un semplice film, ma un vero e proprio fenomeno: in Indonesia, Jumbo è diventato l'opera animata più vista di sempre, con oltre 10 milioni di spettatori.

La storia che ha conquistato un intero Paese è quella di Don, bambino paffuto e bersaglio degli scherzi dei coetanei, la cui unica rivincita possibile passa dal talent show del villaggio: lì vuole portare in scena il libro di fiabe lasciatogli dai genitori, ormai scomparsi. Quando un compagno glielo ruba, sembra tutto perduto — finché non arriva Meri, bambina del mondo degli spiriti, anche lei alla ricerca della propria famiglia. Insieme intraprendono un'avventura in cui la magia apre la strada, ma è l'amicizia a indicare il cammino. Insomma, un film che promette di restituire all'infanzia tutta la sua densità emotiva.

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Mediaset Infinity rinnova il proprio impegno nella valorizzazione del patrimonio cinematografico italiano presentando il restauro de “La gabbianella e il gatto”, il capolavoro campione d’incassi diretto da Enzo d’Alò che, a quasi trent'anni dalla sua uscita, continua a emozionare spettatori di ogni età con la forza senza tempo del suo racconto. Realizzato dai laboratori specializzati Cine Lab Services di Roma, il restauro restituisce al film la luminosità, la ricchezza dei colori e la qualità visiva della versione originale. Dal 20 luglio sarà disponibile su Mediaset Infinity.

Presentato in anteprima il 19 luglio al Giffoni Film Festival, nella sezione Elements +3, alla presenza del regista, il racconto tratto dall'opera di Luis Sepúlveda resta ancora profondamente attuale per il modo in cui affronta temi all'apparenza complessi con un linguaggio, quello dell'animazione, perfetto per elaborare dialoghi diretti con lo spettatore (anche quando si tratta dei più piccoli). Un'opera che rappresenta valori imprescindibili e di cui abbiamo parlato direttamente con il regista.

"È come ritrovare un vecchio amico e scoprire che ha ancora moltissimo da raccontarci”.

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Dal 9 all'11 luglio si è svolta, all'Anteo Palazzo del Cinema di Milano, la seconda edizione del CortoCircuito Film Festival: un evento interamente dedicato al cinema breve, tra proiezioni di cortometraggi (italiani e internazionali), incontri con autori e panel dedicati alle professioni dell'audiovisivo. Un traguardo importante per Rassegna CortoCircuito: nata quattro anni fa come una serata di proiezioni indipendenti a La Corte dei Miracoli e cresciuta negli anni fino a diventare un vero e proprio festival che nel 2026 ha spento la sua seconda candelina. A guidarla fin dall'inizio è Bianca Puchetti, che in questa intervista racconta la nascita della rassegna, il rapporto con Milano e le sfide del cinema di domani.

Com'è nata Rassegna CortoCircuito?

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Chiunque abbia mai studiato cinema in Italia si è inevitabilmente confrontato con almeno un libro di Gianni Rondolino. Storico, critico, docente universitario e autore di importanti manuali dedicati alla Settima Arte (i suoi Manuale del film: linguaggio, racconto, analisi e Manuale di storia del cinema restano ancora i testi principali dei corsi di cinema delle università italiane), ha contribuito a formare intere generazioni di studiosi e appassionati, diventando uno dei grandi punti di riferimento per la cultura cinematografica del Novecento. A dieci anni dalla sua scomparsa, la città di Torino ha deciso di rendergli omaggio in una Giornata degli Studi dedicata - Un Rondolino fa primavera - svoltasi il 19 giugno all’Università Statale del capoluogo piemontese, dove Rondolino è stato per anni ordinario del corso di Storia e Critica del Cinema.

L’iniziativa, organizzata da Alfa Multimedia con il contributo del Ministero della Cultura, ha registrato una partecipazione eccezionale, per quella che non è stata solo una semplice commemorazione, ma una grande occasione di riflessione collettiva, tra interventi e testimonianze capaci di restituire l’eredità storica e culturale del critico torinese. Abbiamo chiesto a Steve Della Casa, allievo e collaboratore di Rondolino e direttore artistico della giornata, di ricordare una delle figure intellettuali italiane più amate e autorevoli.

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Quando si pensa a John Hannah vengono in mente La Mummia e Quattro matrimoni e un funerale. Ma nell’attore scozzese c’è molto altro ed è radicato nella sua capacità di essere poliedrico nelle trasformazioni rimanendo con i piedi per terra. Si capisce immediatamente durante l’incontro con la stampa al 65° Festival della TV di Monte-Carlo, evento fiore all’occhiello della serialità in Europa.

Da Damages a Agents of S.H.I.E.L.D., da Transplant a Sandokan, ha lavorato a molti progetti per il piccolo schermo, mantenendo sempre quell’ironia che lo contraddistingue.

E ora, alla kermesse monegasca, ripercorre alla corte del principe Alberto II di Monaco i momenti salienti della carriera, compresi incontri inattesi come quello con Robin Williams e Matt Damon.

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È stato uno degli eventi speciali del Pesaro Film Festival 2026, in prossimità della chiusura della manifestazione che si è svolta nell’arco dell’ultima settimana nella città marchigiana: stiamo parlando di Mamma, That’s All Right, che dopo l’anteprima mondiale a Washington DC, in occasione del 50esimo anniversario della NIAF – National Italian American Foundation e dell’Italian-American Heritage and Culture Month, sabato 20 giugno ha avuto la sua anteprima italiana proprio a Pesaro, in presenza della regista e co-produttrice Valentina Signorelli. Ambientato in Tennessee, fra Nashville e Memphis, Mamma, That’s All Right descrive l’esperienza di due immigrati italiani, Luca Chiappara e Mario Montero, che si sono trasferiti negli Stati Uniti per inseguire il sogno di lavorare nella musica.

La celebrazione della festa del 4 luglio è l’occasione, per Valentina Signorelli, di testimoniare l’incontro e il sodalizio artistico fra Chiappara e Montero, fino ad arrivare a una sessione di registrazione presso il Sun Studio, la fucina in cui presero vita molti fra i maggiori successi di Elvis Presley, inclusa quella leggendaria That’s All Right (da cui il titolo del film) incisa il 5 luglio 1954 e diventata il singolo di debutto del Re del rock’n’roll. Nata a Bergamo nel 1989 ma residente da diversi anni a Londra, nella nostra intervista Valentina Signorelli ci ha raccontato la genesi e la realizzazione di Mamma, That’s All Right, opera caratterizzata da uno sguardo carico di affetto e di fascinazione nei confronti di questa parte importantissima dell’immaginario culturale americano.

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Una delle immagini più potenti delle serie degli ultimi anni riguarda l’accuratezza dei ritratti di The Crown. Il merito, in larga parte della scrittura, va comunque riconosciuto anche alla magnifica scelta di cast nelle varie epoche del regno di Elisabetta II. Una delle interpreti di Margaret, Leslie Manville, ha particolarmente lasciato il segno. Gigante a teatro, in tv e al cinema, l’attrice britannica è stata scelta come presidente della giuria fiction del Festival della TV di Monte-Carlo, che ha chiuso i battenti il 16 giugno scorso alla presenza del Principe Alberto II.

Durante il suo soggiorno al prestigioso evento (il più antico d’Europa legato alla serialità), l’artista si è raccontata ai microfoni di Badtaste e ha anticipato il suo prossimo progetto, la serie comedy Escorted, scritta e interpretata da Brett Goldstein (Ted Lasso).

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Far ridere è un’arte e Greg Daniels ne è maestro. Sceneggiatore di Parks and recreation, The Office e del suo spin-off The Paper, attualmente disponibile su Sky e NOW (solo per citare alcuni dei suoi progetti), resta una delle penne più acute del panorama attuale.

Da italiani, non possiamo che partire chiedendole di Sabrina Impacciatore, che ha scelto come star di The Paper. Cosa l’ha colpita di lei?

Credo sia la persona più affascinante che conosca e ancora non ho capito se è sempre nel personaggio o ha infuso in Esmeralda qualcosa di sé. Divertentissima, padroneggia i tempi comici con rara maestria ed è incredibile nella comedy più fisica. Da quando l’abbiamo conosciuta tutti noi sul set usiamo l’intercalare “allora”, come fa lei.

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Nella giornata di martedì 16 giugno, il Pesaro Film Festival ha celebrato Indivisibili: sono passati infatti dieci anni dall’uscita dell’apprezzato film di Edoardo De Angelis, che nel 2016 faceva il suo debutto alla Mostra del Cinema di Venezia, nella sezione Giornate degli Autori, venendo accolto da ottime recensioni, per poi approdare il 29 settembre nelle sale italiane. Celebrato come l’autentica “sorpresa italiana” a Venezia 2016, Indivisibili sarebbe stato insignito in seguito di sei David di Donatello, fra cui il premio per la sceneggiatura scritta dal regista insieme a Nicola Guaglianone e Barbara Petronio. E proprio De Angelis è stato l’ospite della serata di martedì a Pesaro, per una proiezione speciale di Indivisibili a Piazza del Popolo.

Nato a Napoli, quarantasette anni, Edoardo De Angelis ha diretto cinque lungometraggi per il cinema (a partire dal suo esordio nel 2011, con Mozzarella Stories), a cui vanno aggiunti tre film per la televisione e la serie Netflix La vita bugiarda degli adulti, tratta dall’omonimo libro di Elena Ferrante; nel frattempo ha completato le riprese del suo sesto lavoro per il cinema, Il fuoco che ti porti dentro, trasposizione di prossima uscita del romanzo di Antonio Franchini. Ma al Festival di Pesaro, il fulcro dell’attenzione è stata la pellicola che, dieci anni fa, ha reso di colpo De Angelis uno dei nuovi autori di punta del cinema italiano: «A Venezia avvenne una sorta di incantesimo, ci fu una reazione deflagrante la sera della proiezione alle Giornate degli Autori. E per l’occasione voglio ringraziare con affetto immenso l’uomo che volle il nostro film in quella sezione, Giorgio Gosetti».

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