Un accordo che cambia il modo in cui gli italiani guarderanno la TV. Rai e Disney+ hanno ufficializzato una nuova partnership strategica che porterà i contenuti del servizio pubblico su una delle piattaforme globali più diffuse. Non si tratta solo di una collaborazione tecnica, ma di un passo importante nella trasformazione digitale dei media. Programmi iconici e produzioni recenti saranno disponibili anche online, spesso già il giorno dopo la messa in onda. Un cambiamento che unisce tradizione televisiva e innovazione digitale.

L’intesa tra Rai e Disney+ nasce con un obiettivo preciso: ampliare la diffusione dei contenuti italiani e adattarsi alle nuove abitudini di visione. Sempre più spettatori, infatti, preferiscono lo streaming alla TV tradizionale, scegliendo quando e dove guardare i programmi. Grazie a questo accordo, alcuni format trasmessi su Rai 2 saranno disponibili su Disney+ già il giorno successivo alla messa in onda televisiva. Tra i primi esempi concreti ci sono Belve, il talk show condotto da Francesca Fagnani, e The Floor - Ne Rimarrà Solo Uno, un game show guidato da Paola Perego e Gabriele Vagnato.

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La conferma è arrivata direttamente da Alessandro Gassmann durante il Bif&st di Bari, dove la serie Guerrieri – La regola dell’equilibrio ha già mostrato il forte legame con il pubblico e con il territorio pugliese. L’attore ha ufficializzato che la seconda stagione si farà, segnando così il ritorno dell’avvocato Guido Guerrieri su Rai 1 dopo il successo della prima stagione. L’annuncio ha subito acceso l’interesse degli spettatori, che ora attendono nuovi sviluppi narrativi e il ritorno dei personaggi già conosciuti.

La produzione della seconda stagione seguirà una tabella di marcia già definita: le riprese sono programmate per partire tra settembre e ottobre 2026, mentre la messa in onda è attesa tra la fine del 2026 e l’inizio del 2027, sempre sulla rete ammiraglia Rai 1. Si tratta quindi di un progetto già in fase avanzata di pianificazione, che conferma la fiducia della produzione e della Rai nel proseguimento della serie tratta dai romanzi di Gianrico Carofiglio. Durante l’incontro al festival, Gassmann ha espresso grande soddisfazione per il risultato ottenuto dalla prima stagione, sottolineando però anche la complessità del lavoro svolto.

Ha ricordato come la scrittura di Carofiglio sia densa e ricca di sfumature, rendendo necessario operare scelte narrative precise per adattarla al linguaggio televisivo senza perdere profondità e coerenza. Proprio questa sfida, secondo l’attore, rappresenta uno degli elementi centrali del progetto. Il successo numerico della prima stagione ha avuto un ruolo decisivo nel rinnovo: la serie ha registrato una media di circa 3 milioni e 500mila spettatori per episodio, con picchi che hanno raggiunto i 3 milioni e 800mila telespettatori. Risultati considerati solidi e convincenti, capaci di spingere la Rai a dare il via libera alla seconda stagione e a investire ulteriormente nello sviluppo della storia.

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C'è una citazione che Fabrizio De André amava ripetere, presa da un capitano pirata del XVII secolo: "Io sono un principe libero e ho altrettanta autorità di fare guerra al mondo intero quanto colui che ha cento navi in mare". Non è solo una frase ad effetto. È la chiave per comprendere un uomo che ha trasformato la propria ribellione in poesia, la propria sensibilità in canzoni che hanno segnato generazioni, facendo dell'anticonformismo non una posa ma una scelta di vita radicale.

Questa sera la Rai trasmette Fabrizio De André: Principe libero, il film biografico del 2018 diretto da Luca Facchini che racconta la vita del cantautore genovese attraverso 190 minuti intensi. Un'opera che va in onda su Rai 1 alle 21.30 e che merita attenzione non solo per gli appassionati del cantautore, ma per chiunque voglia capire come un artista possa davvero fare la differenza nella cultura di un paese.

Il film ha il coraggio di non limitarsi alla celebrazione agiografica. Parte dalla giovinezza ribelle di De André, quando Genova era ancora una città portuale che oscillava tra borghesia conservatrice e fermenti anarchici. Qui si forma l'identità di un ragazzo che rifiuta le convenzioni familiari, che preferisce le osterie ai salotti buoni, che scopre nella musica non un mestiere ma una necessità espressiva.

Luca Marinelli, in quello che molti considerano uno dei suoi ruoli più riusciti, restituisce questa complessità con una prova d'attore che va oltre la semplice imitazione fisica. C'è lo sguardo malinconico, la voce roca, ma soprattutto c'è la capacità di mostrare le contraddizioni di un uomo che componeva canzoni d'amore struggenti mentre la sua vita sentimentale attraversava terremoti emotivi.

Gli amori di De André non sono semplici parentesi biografiche: sono materia viva che alimenta la sua arte. Il film esplora la relazione con Puny, Enrica Rignon, la prima moglie, e quella successiva con Dori Ghezzi, che diventerà compagna definitiva e custode della sua eredità artistica. Valentina Bellè ed Elena Radonicich interpretano questi due poli femminili con sensibilità, mostrando come le donne nella vita di Faber non fossero muse passive ma interlocutrici, complici, a volte contrappesi necessari alla sua tendenza autodistruttiva.

Ma è impossibile parlare di De André senza affrontare il momento che ha segnato uno spartiacque nella sua esistenza: il rapimento in Sardegna nell'estate del 1979. Faber e Dori vengono sequestrati dall'Anonima Sequestri e tenuti prigionieri per quattro mesi nelle campagne della Barbagia. Un'esperienza traumatica che però, paradossalmente, diventa occasione di riflessione profonda. Il film non spettacolarizza l'evento ma ne restituisce l'impatto psicologico: la paura, certo, ma anche l'incontro con una Sardegna arcaica, con codici d'onore pre-moderni, con una marginalità sociale che De André aveva sempre cantato ma mai vissuto così da vicino.

Da quella prigionia emerge trasformato. Non vittima ma testimone. Le canzoni successive portano il segno di quell'esperienza: una comprensione più profonda della complessità umana, della differenza tra illegalità e ingiustizia, tra legge e giustizia. Temi che attraversano album fondamentali come Creuza de mä, dove la scelta di cantare in dialetto genovese diventa ulteriore gesto controcorrente in anni dominati dall'omologazione linguistica.

Il percorso artistico di De André è costellato di crisi creative, momenti di blocco, dubbi sulla propria capacità di dire ancora qualcosa di rilevante. Il film diretto da Luca Facchini non nasconde questi passaggi, anzi li valorizza come parte necessaria di un processo creativo che rifuggiva le formule facili e il compiacimento. Ogni disco era una scommessa, ogni canzone doveva avere una ragione d'essere che andasse oltre il mercato discografico.

Quello che emerge, in queste oltre tre ore di racconto, è il ritratto di un uomo che ha fatto della coerenza una bussola esistenziale. In anni di piombo, quando schierarsi era quasi obbligatorio, De André sceglie la parte degli ultimi: non per ideologia ma per empatia naturale verso chi sta ai margini. Canta i perdenti, le prostitute, gli anarchici, i transessuali, i carcerati. Non per provocazione ma perché riconosce in loro una dignità che la società nega.

La sua musica non invecchia perché nasce da uno sguardo antropologico prima ancora che politico. De André osserva l'umanità con la curiosità di chi sa che ogni esistenza, anche la più marginale, contiene universi da esplorare. Per questo le sue canzoni continuano a parlare anche a chi non ha vissuto quegli anni, anche alle generazioni cresciute con altri linguaggi musicali.

Fabrizio De André: Principe libero è un film che riesce nell'impresa di raccontare un mito senza mitizzare, di celebrare un'icona restituendone la dimensione umana. Perché Faber era questo: un principe senza regno che ha dichiarato guerra al conformismo armato solo di una chitarra e di una sensibilità fuori dal comune. Un artista che ha dimostrato come la vera libertà non stia nel fare ciò che si vuole, ma nell'essere fedeli a ciò che si è, costi quel che costi.

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La terza stagione di Cuori porta su Rai1 una ventata di mistero e imprevedibilità. Tra le corsie dell'ospedale torinese degli anni Settanta fa il suo ingresso Gregorio Fois, un sensitivo dalla personalità magnetica interpretato da Giulio Scarpati. Un personaggio che rappresenta l'esatto opposto della razionalità medica, un'intuizione geniale degli sceneggiatori che promette di scuotere le certezze dei protagonisti.

Per chi ha amato Giulio Scarpati nei panni del dottor Lele Martini di Un medico in famiglia, il cambio di registro è radicale. Niente camice bianco e stetoscopio: questa volta l'attore si presenta con barba, baffi curati e capelli lunghi, vestito con abiti ricercati e raffinati che tradiscono immediatamente la natura poco convenzionale del personaggio. Un look studiato nei minimi dettagli, frutto di diverse prove e ipotesi stilistiche, fino a trovare quella giusta combinazione di stravaganza e raffinatezza.

Ma chi è davvero Gregorio Fois? Il sensitivo fa la sua comparsa durante una festa, dove incontra la dottoressa Delia, interpretata da Pilar Fogliati, e il dottor Alberto di Matteo Martari. Fin dal primo incontro si delinea il conflitto: Delia rivendica con forza la sua fede nella scienza, mentre Gregorio rappresenta tutto ciò che sfugge alla logica empirica. Il destino però li riporta faccia a faccia quando il sensitivo viene ricoverato proprio nel loro ospedale.

Ed è qui che il personaggio rivela la sua natura più divertente e provocatoria. Gregorio è un paziente indisciplinato, uno di quelli che mettono a dura prova la pazienza del personale sanitario. Ma la sua peculiarità va oltre l'irrequietezza: percepisce la natura delle persone, ne intuisce le fragilità, comprende cosa non va anche quando nessuno glielo chiede. E non può fare a meno di dispensare consigli, richiesti o meno, trasformando la sua degenza in un'occasione per sondare l'animo umano di chi lo circonda.

Per prepararsi al ruolo, Scarpati ha dovuto immergersi in un mondo a lui sconosciuto. La soluzione è arrivata da una fonte inaspettata e familiare: sua nipote, che oltre a svolgere lavori normali, come tiene a precisare l'attore con una punta di ironia, legge i tarocchi. Da lei ha preso lezioni private, studiando come si muovono le mani, come si mescolano le carte, come si pronunciano le previsioni. Anche se nella serie Gregorio legge i tarocchi solo una volta, e a sé stesso, quel lavoro preparatorio è stato fondamentale per costruire la gestualità e la credibilità del personaggio.

Il contrasto con il passato televisivo di Scarpati non potrebbe essere più evidente. Il dottor Lele Martini gli ha regalato una popolarità che va oltre la nicchia del teatro e del cinema sperimentale a cui era abituato. All'epoca dell'offerta per Un medico in famiglia, l'attore ammette di essere stato spaventato e persino prevenuto. Quattordici mesi di lavorazione per la prima serie sembravano un impegno enorme, e il salto dal teatro d'autore alla fiction generalista lo metteva a disagio.

Oggi, con Gregorio Fois, Scarpati dimostra ancora una volta questa versatilità. Il sensitivo di Cuori 3 è l'antitesi del medico rassicurante: è imprevedibile, scomodo, affascinante. Rappresenta quella parte di realtà che sfugge ai protocolli, alle diagnosi, alle certezze del metodo scientifico. In un ospedale dove tutto deve essere misurabile e spiegabile, lui porta il caos della percezione, l'intuito che anticipa la ragione.

I costumi amplificano questa diversità. Mentre Scarpati nella vita reale si definisce spartano nel vestire, Gregorio sfoggia un guardaroba ricercato che lo distingue immediatamente. Ogni dettaglio contribuisce a costruire un personaggio che è tanto divertente quanto inquietante, capace di leggere tra le righe dell'animo umano con una precisione che mette in discussione le convinzioni più solide.

La terza stagione di Cuori si arricchisce così di una figura che promette di catalizzare tensioni e rivelare verità nascoste. In un'epoca in cui la scienza sembrava poter spiegare tutto, Gregorio Fois ricorda che esistono dimensioni dell'esperienza umana che sfuggono al microscopio e alla cartella clinica. E se c'è qualcuno che può rendere credibile e affascinante questo paradosso, quello è proprio Giulio Scarpati.

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Quando nel 1990 Kevin Costner decise di dirigere e interpretare Balla coi lupi, Hollywood lo considerò pazzo. Un western di tre ore, con dialoghi in lingua Lakota sottotitolati, ambientato nella frontiera americana del 1863 e incentrato sul rapporto tra un tenente dell'Unione e una tribù di nativi americani Sioux. Un progetto che sulla carta sembrava destinato al disastro commerciale, ma che invece riscrisse le regole del genere western e conquistò sette statuette agli Oscar, tra cui quelle per miglior film e miglior regia.

La storia segue il tenente John Dunbar, interpretato dallo stesso Costner, un soldato nordista che dopo essersi ferito gravemente durante la Guerra Civile chiede di essere trasferito in un avamposto remoto al confine con i territori inesplorati. Convinto di essere prossimo alla morte, Dunbar è quasi rassegnato al suo destino, ma il suo gesto di coraggio in battaglia gli vale invece una promozione e la possibilità di scegliere la propria destinazione. Sceglie la frontiera, spinto dal desiderio romantico di vedere l'Ovest "prima che scompaia".

Arrivato al Fort Sedgwick, un avamposto abbandonato nel mezzo del nulla, Dunbar si ritrova completamente solo. L'isolamento iniziale diventa l'occasione per un'osservazione attenta della natura selvaggia che lo circonda e per un primo, cauto contatto con la tribù Sioux che abita quelle terre. Il rapporto con i nativi si sviluppa gradualmente, attraverso gesti di reciproco rispetto che sfidano i pregiudizi dell'epoca. Dunbar impara la loro lingua, condivide le loro abitudini, partecipa alle cacce al bisonte. La svolta emotiva arriva quando il tenente incontra Alzata con Pugno, interpretata da Mary McDonnell, una donna bianca cresciuta dai Sioux dopo che la sua famiglia fu massacrata da un'altra tribù. Lei diventa il ponte culturale tra due mondi, la traduttrice non solo di parole ma di visioni del mondo incompatibili.

Il film costruisce con pazienza cinematografica rara un affresco epico della vita nelle Grandi Pianure. Le riprese, effettuate in South Dakota, restituiscono la maestosità di paesaggi ancora incontaminati. La colonna sonora di John Barry, premiata con l'Oscar, amplifica la dimensione lirica e malinconica del racconto. Ma è soprattutto la scelta di rappresentare i nativi americani non come selvaggi sanguinari ma come una comunità complessa, con rituali, politica interna, senso dell'umorismo e dignità, a fare di Balla coi lupi un'opera rivoluzionaria.

Balla coi lupi incassò oltre 400 milioni di dollari in tutto il mondo e dimostrò che il pubblico era pronto per narrazioni più mature e complesse. Il film non è privo di critiche: alcuni studiosi hanno evidenziato come la prospettiva rimanga comunque quella di un uomo bianco "salvatore", che funge da mediatore tra lo spettatore e la cultura nativa. Eppure, nel contesto cinematografico del 1990, l'opera di Costner rappresentò una rottura significativa con decenni di rappresentazioni offensive e semplicistiche.

La durata di 180 minuti, inizialmente considerata un ostacolo commerciale, divenne invece uno dei punti di forza. Concesse al racconto il tempo di respirare, di costruire relazioni credibili, di mostrare la quotidianità di due culture in contatto. Ogni scena ha un peso specifico, dalla celebre sequenza della caccia al bisonte alla cerimonia di matrimonio tra Dunbar e Alzata con Pugno, fino al commovente addio finale.

Questa sera Rai 3 propone il film alle 21:25, un'occasione per riscoprire un'opera che ha segnato un'epoca. A distanza di oltre trent'anni dalla sua uscita, Balla coi lupi mantiene intatta la sua forza evocativa. Non è solo un western, ma una riflessione sulla possibilità del dialogo tra culture diverse, sulla violenza della colonizzazione, sulla nostalgia per un mondo perduto. Un film che Kevin Costner, allora trentacinquenne e al suo debutto dietro la macchina da presa, realizzò seguendo l'istinto e andando controcorrente. La storia gli ha dato ragione.

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La terza stagione di Cuori riaccende i riflettori sul reparto di cardiochirurgia delle Molinette di Torino, riportando gli spettatori negli anni Settanta, quando un gruppo di medici visionari stava letteralmente riscrivendo il futuro della medicina. Senza gli strumenti che oggi diamo per scontati, quegli uomini e quelle donne immaginavano interventi che sembravano fantascienza: dal brevetto dei primi cuori artificiali al trapianto di cuore, passando per tecniche sperimentali che avrebbero allungato e migliorato milioni di vite.

La serie, ispirata a fatti reali e in onda su Rai 1, intreccia le scoperte scientifiche con le storie personali dei protagonisti, sullo sfondo di un'Italia in profonda trasformazione. Sono gli anni del femminismo, del divorzio, delle lotte operaie: un Paese che cambia pelle mentre i suoi medici sfidano i limiti della natura umana.

Al centro della narrazione restano Delia Brunello e Alberto Ferraris, interpretati da Pilar Fogliati e Matteo Martari. Due personalità forti, guidate dall'audacia e dalla voglia irrefrenabile di superare le proprie convinzioni, ma anche due esseri umani con fragilità, dubbi e conflitti che esplodono proprio quando la pressione professionale raggiunge livelli insostenibili.

Nel quinto episodio, in onda il 9 febbraio, la tensione tra Delia e Alberto raggiunge un punto di rottura. Lei è profondamente arrabbiata con lui, ma comprende che non può continuare a trascinare quel rancore. La rabbia lascia spazio alla determinazione: Delia decide di affrontare la questione di petto, senza più giri di parole. Il confronto avviene al Blue Night, un luogo che diventa teatro di una resa dei conti emotiva e professionale.

Parallelamente, altre vicende si intrecciano nel reparto. Bruno, esasperato dai continui esami medici, trova comunque la forza di prepararsi per un esame universitario grazie al supporto costante di Elena. È una storia di resilienza che racconta come la malattia non fermi la vita, ma la costringa semplicemente a trovare nuove strade.

Ci sono anche momenti di dolcezza rubata alla durezza della corsia: Helmut e Virginia, bardati come astronauti, lavorano fianco a fianco allo sviluppo del pacemaker, un dispositivo che sarebbe diventato ordinario solo decenni dopo. Il loro è un romanticismo fatto di scienza e vicinanza, dove le tute protettive non impediscono la connessione umana. Dall'altra parte, Riccardo sorprende Luisa con un regalo prezioso, un gesto che parla più di mille parole in un'epoca dove i sentimenti si esprimevano ancora con una certa pudicizia.

Il sesto episodio introduce un caso clinico che metterà a dura prova il reparto e le divergenze tra Delia e Alberto. Arriva Girolamo Recchi, un ex ferroviere con il cuore gravemente compromesso. Le opzioni terapeutiche tradizionali non bastano più: l'unica possibilità è tentare un intervento sperimentale utilizzando cateteri e palloncini, una tecnica che oggi chiamiamo angioplastica ma che all'epoca rappresentava una frontiera inesplorata.

Delia, sempre incline a spingere oltre i confini del possibile, si mostra possibilista. Alberto, invece, lo esclude categoricamente. Ed è proprio questo atteggiamento che fa scattare una domanda: da quando è diventato così cauto? Cosa è cambiato nell'uomo che un tempo era disposto a rischiare tutto per salvare una vita? È un interrogativo che attraversa l'episodio come un filo rosso, suggerendo che qualcosa di profondo si è spezzato nel suo approccio alla medicina.

Ma le sfide non riguardano solo la sala operatoria. Irma, personaggio che si muove ai margini del reparto ma con un ruolo sempre significativo, si trova nei guai: è stata fermata alla guida in stato di ebrezza e chiede aiuto ad Alberto. È un momento che aggiunge complessità al personaggio, mostrando come le fragilità umane non risparmino nessuno, nemmeno chi lavora ogni giorno per salvare vite.

Nel frattempo, Bruno vive un momento di svolta: può finalmente uscire dal polmone d'acciaio, quella macchina ingombrante e claustrofobica che lo ha tenuto in vita per settimane. È un'emozione enorme, una liberazione fisica e simbolica. Ma questa gioia riattiva vecchie ferite nel rapporto tra Luciano e Marianna, che litigano duramente. A volte, i momenti più belli diventano catalizzatori di conflitti sepolti, facendo emergere tutto ciò che era rimasto non detto.

Cuori 3 non è solo una serie sulla medicina: è un ritratto corale di un'epoca in cui l'Italia stava diventando moderna, pagando il prezzo di questa trasformazione con conflitti generazionali, cambiamenti nei ruoli di genere e una ridefinizione dei valori collettivi. I medici delle Molinette incarnano questa tensione, sospesi tra il peso della tradizione e l'urgenza di innovare.

La serie racconta storie di scienza, ma soprattutto di persone che hanno avuto il coraggio di immaginare l'impossibile. Ogni intervento, ogni esperimento, ogni fallimento e ogni successo sono tessere di un mosaico più grande: quello di una medicina che imparava a guardare il cuore non solo come un organo, ma come il simbolo stesso della vita che vale la pena combattere fino all'ultimo battito.

Gli episodi in onda nelle prossime settimane promettono di approfondire ulteriormente questi temi, mantenendo alta la tensione emotiva e narrativa che ha reso Cuori una delle serie italiane più amate degli ultimi anni. Con una scrittura attenta ai dettagli storici e una recitazione che bilancia dramma e umanità, la terza stagione conferma la capacità della serie di parlare al presente attraverso il passato, ricordandoci che ogni grande conquista della scienza è stata prima di tutto un atto di fede nell'essere umano.

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Ieri sera su Rai1 sono andati in onda gli episodi 3 e 4 dell'Amica geniale: Storia della bambina perduta. Dopo aver introdotto Elena adulta (Alba Rohrwacher) nei primi due episodi, ritroviamo il personaggio a Napoli, circondato dalla famiglia e dai vecchi amici del rione, tra cui ovviamente Lila (Irene Maiorino).

Ricapitoliamo cos'è successo.

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L'amica geniale è andata in onda ieri sera su Rai1 con i primi due episodi della quarta e ultima stagione: Storia della bambina perduta. L'appuntamento proseguirà ogni lunedì fino al 9 dicembre. Sono passati più di due anni da quando abbiamo salutato Lila e Lenù nella terza stagione e ora le ritroviamo donne adulte, interpretate non più da Gaia Girace e Margherita Mazzucco ma da Irene Maiorino e Alba Rohrwacher (voce narrante delle prime tre stagioni).

Ma cos'è successo alle nostre protagoniste in questi primi due episodi? Vediamolo insieme.

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Online è stato condiviso il trailer della stagione 4 della serie L'amica geniale, l'ultima tratta dai romanzi scritti da Elena Ferrante.

Gli episodi ispirati a Storia della bambina perduta avranno come protagoniste Alba Rohrwacher e Irene Maiorino nei ruoli di Elena e Lila.
Le puntate arriveranno in autunno sugli schermi della Rai e negli Stati Uniti, su HBO, dal 9 settembre.

Gli eventi dell'ultimo capitolo sono ambientati durante gli anni '80, verso la fine di decenni di violenza politica e disordini sociali. Elena e Lila si ritrovano a vivere nello stesso quartiere e sono alle prese con problemi personali, professionali, tradimenti, scomparse e disastri naturali.

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È la HBO a diffondere le prime immagini della quarta e ultima stagione de L'Amica Geniale, la serie di Saverio Costanzo tratta dai romanzi di Elena Ferrante che debutterà in Italia in prima serata su Rai 1 da novembre. Su HBO e in streaming su MAX, invece, andrà in onda dal 9 settembre.

Nel cast dei nuovi episodi ci saranno Irene Maiorino, Alba Rohrwacher e Fabrizio Gifuni.

Potete vedere il teaser trailer, in italiano, qui sopra!

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Sono iniziate ufficialmente le riprese della quinta stagione di Mare Fuori, come comunicato dalla Rai.

Molte le novità in arrivo nei nuovi episodi, a partire dall'annunciato addio di Ivan Silvestrini, che verrà sostituito alla regia da Ludovico Di Martino (Skam Italia 3). Maurizio Careddu è l’head writer di un team di cinque sceneggiatori: oltre a lui vi saranno Luca Monesi, Angelo Petrella (già nel team di scrittura delle precedenti stagioni), Sara Cavosi ed Elena Tramonti.

Mare Fuori 5: nuovi personaggi in arrivo

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I protagonisti della serie Sandokan sono attualmente in corso e dal set arrivano le prime foto ufficiali dei protagonisti Can Yaman, Alanah Bloor, Ed Westwick, Alessandro Preziosi, e John Hannah.

Il progetto è prodotto da Lux Vide, società del gruppo Fremantle, in collaborazione con Rai Fiction. Da un’idea di Luca Bernabei, la serie è un nuovo adattamento della storica saga di romanzi di Emilio Salgari, sviluppata per la televisione da Alessandro Sermoneta, Scott Rosenbaum e Davide Lantieri, e diretta da Jan Maria Michelini e Nicola Abbatangelo.

Sandokan andrà in onda prossimamente su Rai1 e sarà distribuita in tutto il mondo da Fremantle International e in Spagna da Mediterráneo Mediaset España Group.

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Considerati i tempi che corrono, 7 stagioni sono da considerarsi una vittoria per la ABC, la TV generalista in generale e The Good Doctor in particolare. La, serie ispirata ad uno show coreano, è stata ideata da David Shore e prodotta da Daniel Dae Kim, e ha impegnato Freddie Highmore nel difficile ruolo di Shaun Murphy, un ragazzo affetto da autismo che riesce a realizzare il sogno di diventare medico grazie principalmente all'aiuto della figura paterna rappresentata dal Dottor Aaron Glassman (Richard Schiff) e di una squadra di medici ed amici che, nel corso della sua storia, lo aiuteranno nel suo percorso di vita.

• LEGGI- MIA 2017: la nostra intervista esclusiva con Daniel Dae Kim

Cosa accade nel finale di serie

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Ed Westwick, John Hannah e Alanah Bloor faranno parre del cast del reboot della serie Sandokan con star Can Yaman.

Le riprese inizieranno il 22 aprile a Formello, vicino a Roma, in Toscana, nell'isola Réunion nell'Oceano indiano e a Lamezia Terme, dove è stata ricreata la colonia britannica di Labuan. Gli episodi riporteranno sul piccolo schermo i personaggi creati da Emilio Salgari, già al centro del cult degli anni '70 che ha reso Kabir Bedi una star internazionale.

Luca Bernabei, CEO di Lux Vide, ha avuto l'idea per la serie, poi sviluppata per la tv da Alessandro Sermoneta (Devils), Scott Rosenbaum (The Shield), Davide Lantieri (Monterossi) e diretta da Jan Maria Michelini (Devils) e Nicola Abbatangelo (Doc).

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Andrà in onda giovedì 7 marzo su Rai1 il finale della terza stagione di DOC. Nelle tue mani: il medical drama con Luca Argentero si concluderà lasciando il posto a Don Matteo 14, e tra le due serie avverrà niente meno che un crossover, del quale oggi sono state diffuse le prime immagini.

Don Matteo 14: le anticipazioni sul crossover con DOC. Nelle tue mani

Questa la descrizione inviata dall'ufficio stampa a corredo delle immagini, nelle quali vediamo Luca Argentero assieme a Nino Frassica:

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Dal 14 Febbraio sono disponibili su RaiPlay tutti gli episodi di Mare Fuori 4: ecco cosa ne pensiamo (niente paura, la recensione NON contiene spoiler) 

Dopo il boom di visualizzazioni della prima parte di stagione, i fan della serie meritavano un premio ed ecco arrivare un annuncio a sorpresa: in totale non 12, bensì 14 episodi di Mare Fuori 4, due puntate bonus che hanno il sapore di un vero e proprio regalo di San Valentino. Una specie di scatola di cioccolatini che però, a fine visione, si sono rivelati dal gusto più amaro che dolce. 

• LEGGI – Mare Fuori 4, i nuovi episodi non saranno sei ma otto: “Sarà un momento memorabile”

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La seconda metà della quarta stagione di Mare Fuori arriverà questa notte su RaiPlay: i primi 6 episodi erano stati pubblicati sulla piattaforma il 1 febbraio, e questa notte a mezzanotte arriveranno gli altri 6, con l'aggiunta... di una sorpresa.

• LEGGI - Mare Fuori 4, i nuovi episodi non saranno sei ma otto: "Sarà un momento memorabile"

Ivan Silvestrini, infatti, ha annunciato con un post su Instagram che verranno caricati anche altri due episodi aggiuntivi. Il sogno del regista, da tempo, è quello di realizzare un film di Mare Fuori: un sogno di difficile realizzazione, visto che ogni anno è prevista l'uscita di una nuova stagione e che quindi non ci sono i tempi tecnici per realizzare una produzione importante per il cinema. Ma le idee per questo film, a conclusione della quarta stagione, si sono comunque concretizzate in due episodi aggiuntivi concepiti come una sorta di film da 100 minuti complessivi:

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Continua il successo di Mare Fuori, la serie tv targata Rai, con i primi sei episodi della quarta stagione disponibili dal 1 Febbraio su RaiPlay

Mare Fuori è tornato e l’ha fatto nel silenzio della notte. Anche se a giudicare dai numeri si è trattata di una notte tutt’altro che silenziosa. Alla mezzanotte di giovedi 1 febbraio su RaiPlay sono state infatti caricate le prime sei puntate dell’attesissima quarta stagione e dopo sole due ore dalla pubblicazione sono state registrate 1.136.202 visualizzazioni, più del doppio rispetto allo scorso anno, con un incremento dell’82% di tempo speso sulla piattaforma. 

• LEGGI – Mare Fuori: le ragioni di un fenomeno tutto italiano

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Nun v’ preoccupat’ uagliù, l’attesa è finita: Mare Fuori è tornato (le prime 6 puntate della stagione 4 sono disponibili da oggi su RaiPlay). 

Il clamoroso successo di Mare Fuori è un dato di fatto che non è più possibile ignorare. Interazioni social che superano il miliardo, più di 105 milioni di visualizzazioni su RaiPlay alla messa in onda degli ultimi 6 episodi della scorsa stagione e milioni di ore di fruizione totali: numeri impressionanti da oggi pronti a triplicarsi e che potrebbero costare un blocco dei server alla piattaforma streaming.

Partita nel 2020, Mare Fuori è riuscita ad insinuarsi nel cuore degli italiani, soprattutto di quelli più giovani, diventando a tutti gli effetti un cult generazionale dall’engagement mostruoso. Ma come ha fatto una serie tv nostrana a diventare un simile fenomeno, di quelli che in Italia non si sono mai visti, incredibile se pensiamo che stiamo parlando di un prodotto targato Rai?

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Abbiamo atteso a lungo l'arrivo di Il giro del mondo in 80 giorni in Italia e finalmente la serie inglese del 2021 sarà disponibile su Rai2 dal 27 dicembre. Una lunga attesa che però non è stata ripagata dalla qualità del prodotto.

Il giro del mondo in 80 giorni, per essere una serie d'avventura a spasso per il globo, è incredibilmente noiosa, visivamente piatta e non riesce a scrollarsi di dosso il razzismo dell'opera originale.

Trama e personaggi

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