Quando debuttò nel 2024, la stagione 1 di Batman: Caped Crusader si proponeva come l'erede spirituale di Batman The Animated Series. Prodotta proprio da Bruce Timm, uno dei creatori originali, al fianco di J.J. Abrams e Matt Reeves, lo show animato ci mise davanti un Batman alle prime armi, che si muove per una Gotham che inizia a venir popolata dai freak che la distingueranno dalle altre città del mondo DC. Ovviamente, con l'esordio di un nuovo universo, arrivarono anche le critiche dei puristi per le rivisitazioni della serie (come i cambi di sesso o di etnia di alcuni personaggi). Peccato, perché la prima stagione di Caped Crusader arricchiva positivamente la libreria di serie animate di Prime Video, tant'è che lo show è stato rinnovato praticamente subito.

La stagione 2 ha invece debuttato, con tutti i suoi dieci episodi, lo scorso 31 luglio - e purtroppo, vuoi per la sovresposizione di Spider-Man: Brand New Day al cinema, vuoi per l'estate (anche se la prima stagione era uscita ad agosto), non ha ancora avuto la risonanza che merita. La serie di Bruce Timm continua però per la sua strada e mette l'acceleratore sulle scene sadiche e violente, mostrando aspetti ancora più truci di questa nuova Gotham. Scopriamo insieme luci e ombre di questa stagione 2 e perché non potete perdervi Batman: Caped Crusader.

Gotham, Anno Due

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“La gente ha paura di cacciarsi nella mischia delle autostrade di Los Angeles. È la prima cosa che sento dire al mio ritorno in città”. Sono le prime righe di Meno di Zero, il fulminante romanzo d’esordio di Bret Easton Ellis, del 1985. Partiamo da qui per raccontarvi The Shards, la serie tratta dall’ultimo romanzo di Ellis, uscito in Italia con Einaudi nel 2023 con il titolo Le schegge. Lo show adattato da Ryan Murphy e dallo stesso Ellis è in streaming su Disney+ dal 6 agosto. The Shards vede in scena un giovane Bret Easton Ellis nel 1981, intento nella scrittura di quel suo primo romanzo, Meno di Zero, ed è per questo che tutto ha un fascino così particolare.

È un libro che ci proietta nel momento della creazione di quel romanzo eccezionale. Ed è un protagonista che è proprio lui, lo scrittore, colto a quei tempi - anche se tutto quello che gli accade è pura finzione. È per questo che eravamo molto curiosi di vedere la serie tratta da The Shards: curiosi di capire se anche la serie potesse portarci in quel mondo. Per lunghi tratti, la serie di Ryan Murphy sembra davvero ricreare le atmosfere del libro - e anche rendere giustizia a Meno di Zero, il cui adattamento filmico di fine anni Ottanta non era stato all’altezza. Però…

Chiedi chi era Robert Mallory

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Damian McCarthy ha costruito in pochi anni una filmografia coerente, fatta di case infestate che sono sempre, in fondo, teste infestate: prima con Caveat (2020), poi con Oddity (2024), il regista di Cork ha dimostrato una capacità rara di piegare gli stilemi dell’horror popolare verso un discorso più intimo, quello della colpa e del lutto irrisolto.

Con HOKUM, al cinema in Italia dal 5 agosto con Lucky Red dopo l’anteprima mondiale al SXSW, McCarthy compie un ulteriore passo di maturità, portando il proprio cinema fuori dalle mura di una singola casa per rinchiuderlo in un luogo altrettanto claustrofobico e ancora più carico di storia: un albergo isolato nella campagna irlandese, dove ogni corridoio custodisce un segreto e ogni oggetto d’antan, dal televisore a tubo catodico alle pendole da tavolo, racconta un tempo fermo, incapace di guarire.

Affrontare i demoni del passato per scrivere il presente

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Ci sono film che raccontano una storia e altri che sembrano dipinti, prima ancora che animati. A New Dawn, esordio alla regia di Yoshitoshi Shinomiya, appartiene decisamente alla seconda categoria. Dopo aver lasciato il segno come animatore e art director in opere come Your Name e Il giardino delle parole, Shinomiya firma un'opera profondamente personale, presentata in concorso alla 76ª Berlinale e premiata al Festival di Annecy, arrivata nelle sale italiane dal 23 al 29 luglio grazie ad AnImagine.

È un debutto che sorprende non tanto per l'ambizione della storia, quanto per il modo in cui sceglie di raccontarla. A New Dawn non rincorre il ritmo frenetico di molta animazione contemporanea, né cerca facili emozioni. Preferisce rallentare, osservare, lasciare che siano le immagini e i silenzi a parlare. È un film che chiede pazienza allo spettatore, ma sa ripagare l'attesa con una sensibilità visiva fuori dal comune.

Tra i fuochi d'artificio e il tempo che passa

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Un nuovo giorno. Questa è la traduzione italiana di Brand New Day, il sottotitolo del quarto capitolo di Spider-Man con protagonista Tom Holland. Ed è proprio un nuovo giorno quello che si affaccia sulla storia cinematografica dell'eroe urbano più amato del mondo, con alla regia Destin Daniel Cretton (già regista di Shang-Chi e la leggenda dei Dieci Anelli e co-creatore della serie dedicata a Wonder Man che abbiamo visto a inizio anno su Disney+). Abbiamo visto in anteprima Spider-Man: Brand New Day e siamo pronti a darvi il nostro parere senza svelarvi nulla della trama principale.

Il ritorno dell'Uomo Ragno

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Human Vapor è il remake di un film del 1960, dal titolo omonimo, incentrato su un villain dalla consistenza gassosa. Segue un detective della polizia caduto in disgrazia, Kenji Okamoto (Shun Oguri), assegnato a un caso inspiegabile: uno scienziato è stato ucciso in diretta televisiva da una misteriosa nuvola di vapore che l’ha disintegrato dall’interno dopo essersi espansa nei suoi polmoni. La reporter che lo stava intervistando, Kyoko Kono (Yu Aoi), è l’ex fidanzata di Kenji, una donna assertiva e ambiziosa con un passato misterioso e un’ossessione per la giustizia.

Seguendo il format della detective story, Human Vapor si declina in body horror, in dramma sociale, in thriller cospirazionista e in revenge, riuscendo a inserire nella narrazione anche una parentesi dedicata alle fake news e alla diffusione social come strumento di indagine sulle verità. Recente rivisitazione del classico di Ishiro Honda (il “papà” di Godzilla), Human Vapor è l’erede – nell’era della CGI – dei tokusatsu, le produzioni fantascientifiche giapponesi come Ultraman o Kamen Rider, entrate in auge nel dopoguerra, dove gli attori venivano infilati in tute da supereroe o da mostro per partecipare ad avventure zeppe di effetti speciali.

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Tre anni fa, con Oppenheimer, Christopher Nolan ci trasportava nel cuore di tenebra del “secolo breve”, ricostruendo il percorso di un uomo che, nell’intento di salvare il mondo da un pericolo incombente, progettava un’arma in grado di minacciare l’esistenza stessa dell’umanità. Se il capolavoro interpretato da Cillian Murphy, nel suo sinistro monito sul potere (auto)distruttivo fornito alla nostra specie, si richiamava implicitamente al mito di Prometeo, il tredicesimo lungometraggio del regista britannico, Odissea, si confronta in maniera diretta con l’antica cultura greca e il suo immaginario epico-mitologico, riproposto in quella chiave di cupa spettacolarità che è da sempre la peculiare cifra stilistica del cinema nolaniano.

La novità, in questo caso, risiede proprio nel fatto di rivisitare un’opera composta quasi tremila anni fa e in cui affondano le radici di gran parte della civiltà mediterranea e occidentale: una scelta inedita per Christopher Nolan, che perlomeno dai tempi di Batman Begins (2005) ha legato invece la sua carriera all’universo super-eroistico (la saga del “cavaliere oscuro”), al genere della fantascienza e dintorni (da The Prestige alla trilogia formata da Inception, Interstellar e Tenet) e, più di recente, alle cronache della Seconda Guerra Mondiale (Dunkirk e, appunto, Oppenheimer). In Odissea, invece, per la prima volta Nolan si cimenta con un passato dai contorni ancestrali, ma realizzando un film comunque assolutamente coerente con gli elementi-chiave della propria poetica cinematografica. 

Il “ritorno a casa” dell’Odisseo inquieto di Matt Damon

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Per i cileni di oggi il Golpe dell’11 settembre 1973 è una ferita ancora aperta che continua a influenzare la memoria collettiva e l’identità nazionale. Un evento che ha rappresentato la fine della democrazia e l’inizio di diciassette anni di repressione del regime di Pinochet, segnati da torture e censura. Non sorprende, quindi, che il cinema abbia più volte provato a confrontarsi con questo trauma, cercando di conservarne la memoria storica e allo stesso tempo interrogare gli spettatori di oggi sul valore della democrazia e della giustizia.

Tra gli autori che più ne hanno indagato le storture c’è senza dubbio Pablo Larrain con la sua Tetralogia Cilena: Tony Manero (2008), che seguiva un uomo ossessionato dal personaggio di John Travolta durante il clima di terrore del regime, Post Mortem (2010), in cui il Golpe veniva osservato dal punto di vista di un impiegato di un obitorio; No (2012), una parabola sul referendum del 1988 che pose fine alla dittatura; infine, El Conde (2023), una satira horror che ritraeva Pinochet come un vampiro immortale che continuava a manifestarsi nel presente. Proprio su questo drammatico evento il cinema è tornato a posare il suo sguardo.

A cinquantatré anni dal Golpe arriva nelle sale L’hangar rosso (dal 9 luglio con IWonder Pictures), il nuovo film di Juan Pablo Sallato presentato in anteprima nella sezione Prospectives all’ultima edizione della Berlinale. Un'opera che sceglie di confrontarsi con questa pagina di storia attraverso un approccio essenziale e rigoroso.

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Il franchise di Evil Dead ha sempre avuto un rapporto ambiguo con l'idea di famiglia, un concetto che nasce già nel primo film di Sam Raimi come qualcosa di scelto, di ricostruito attorno alla sopravvivenza, per poi restringersi progressivamente attorno alla figura di Ash, l'eroe riluttante che diventa icona proprio perché resta solo. Quello che rendeva quell'operazione seminale non era soltanto la commistione tra grottesco e splatter, ma la capacità di piegare un genere già codificato verso una direzione più libera, quasi anarchica.

Con Ash vs Evil Dead il discorso si sposta verso la legacy, il peso di un'eredità che si accetta o si rifiuta. La trilogia “sequel” inaugurata da Lee Cronin, invece, porta tutto su un piano più esplicitamente metaforico. La Casa - Il risveglio del Male puntava sulla sorellanza, sul legame tra Beth ed Ellie e sui figli di quest'ultima, Danny e Bridget, rendendo ogni possessione demoniaca lo specchio deformato di dinamiche familiari già ferite in partenza. Con La Casa - Il rogo del Male, al cinema dall’8 luglio con Eagle Pictures, Sébastien Vaniček (già autore di Vermines) permette al discorso di compiere un ulteriore passo, forse il più radicale della trilogia.

La famiglia come prigione da incendiare

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Elle Woods è tornata, questa volta sul piccolo schermo, con una serie tv prequel targata Prime Video realizzata con la collaborazione di Reese Witherspoon, che ha interpretato il personaggio nella commedia cult La rivincita delle bionde. Il suo coinvolgimento ha permesso di assicurare una certa continuità con quanto raccontato sul grande schermo, in particolare nella rappresentazione della protagonista: l'esordiente Lexi Minetree riesce a ricreare quasi alla perfezione l'interpretazione originale senza mai scivolare nella caricatura.

Cosa racconta la serie prequel

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Approcciarsi al genere post-apocalittico in un contesto esterno a Hollywood è materia assai complessa. Non c'è mai abbastanza spazio per esplorare, stupire o turbare senza che lo stile e la patina dello spettacolo prevalgano sulla sostanza. Per trovare opere davvero temerarie sul versante creativo (quello che dà vita alle storie e ai messaggi, ancor prima che agli effetti visivi) bisogna guardare dall'altra parte del mondo. Il cinema balcanico offre spunti molto più curiosi di quanto si pensi, soprattutto nell'ottica di produzioni mai troppo preoccupate di dividere il pubblico e la critica. In questo contesto, l'uscita di Abbandonando il Paradiso rappresenta un'occasione più che allettante per rivedere questi canoni, approfondirli e (forse) comprenderli per davvero.

Siamo lontani dai fasti a stelle e strisce: l'opera prima del regista albanese Genc Përmeti guarda dentro i suoi protagonisti, ancor prima che al contesto, trasformando l'apocalisse in un labirinto della mente. Interessantissima l'ambizione di fondo: sfruttare un genere come la sci-fi per non guardare al domani, ma a un passato difficile che ha colpito una terra storicamente vessata come i Balcani. Un modo originale per affrontare l'inenarrabile, per fare i conti con la storia di un mondo dilaniato dai totalitarismi e da quella bomba che fa sempre più paura quando la sua ombra si staglia sulle nostre teste. Tutto visto dalla prospettiva di un nonno e un nipote che non potrebbero essere più isolati nel loro piccolo e fragile universo, ma che si ritrovano comunque a lottare contro ciò che resta in una guerra che non sembra avere davvero fine.

Il vero trauma non è l'Apocalisse

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Incredibile pensare a quanto sia cambiata la percezione di una serie che, agli occhi del grande pubblico, era destinata a essere la rivoluzione degli show sulla ristorazione. The Bear lo è stata, ma in modo completamente diverso rispetto a quello che molti spettatori, attratti dall'idea di un drama immerso nel caos, si aspettavano: i deliri in cucina che lasciano spazio ai dolori personali. Potrebbe sembrare quasi banale, eppure tra le mani di Christopher Storer questo progetto si è trasformato presto in qualcosa di unico e (probabilmente) irripetibile. Nel corso delle sue cinque stagioni, The Bear ha trasformato il ristorante in un concetto più grande di quattro, semplici mura. Ha reso la gastronomia il linguaggio del conflitto e della resa. Ha trasformato un branco di persone fragili e problematiche in una famiglia da cui è incredibilmente difficile separarsi.

Arrivando all'ultimo servizio, Storer sceglie di trasformare la quinta stagione nel racconto di una singola giornata - forse la più importante. Le scorse puntate erano servite per mostrare che c'è vita oltre la cucina, raccogliendo critiche e pareri contrastanti, ma per chiudere il cerchio è necessario tornare all'origine. Tornare alla cucina per uscirne una volta per tutte. Con una maturità diversa, con la consapevolezza che in The Bear dolore e rabbia sono echi d’amore. Ora il destino del ristorante è appeso a un filo, Carmy ha preso la decisione di andarsene e l'ombra dei grandi cambiamenti è pronta a incombere. Nel suo ultimo slancio, la serie ci ricorda che la sua è una storia di legami. Una storia di pura, travolgente umanità che ci ha sempre fatto sentire meno soli.

Un'ode all'addio

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A sei mesi dal primo trailer, Supergirl è arrivato al cinema il 25 giugno 2026. Si tratta del secondo grande tassello della nuova visione cinematografica di James Gunn e Peter Safran dell'universo di Superman e soci con protagonista Milly Alcock. Il film, diretto da Craig Gillespie e scritto da Ana Nogueira è un libero adattamento de La donna del domani, graphic novel del 2021 di Tom King e Bilquis Eveley (coi colori di Matheus Lopes) e porta finalmente in sala la cugina di Kal-el dopo i vari exploit televisivi. Come se la sarà cavata Kara? Il DC Universe avrà scoccato la giusta freccia?

Ecco Supergirl!

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È dura essere fan di George R.R. Martin, di questi tempi. A pensarci bene, è quasi più dura restare fedeli al suo universo: il mondo del Ghiaccio e del Fuoco vive di potenziale inespresso, si esalta al divenire e, in fondo, alimenta il fandom con la promessa di un futuro sempre più epico - barlumi di grandezza che sembrano sempre vicini, ma che si concretizzano solo in pallidi riflessi senza mai restituire una continuità concreta. Parte del problema deriva dalle divergenze creative tra showrunner e autore originale, ma la criticità maggiore nasce tra uffici e scrivanie: se una serie funziona, è necessario renderla il più longeva possibile per massimizzare profitti e successo.

Peccato che la conseguenza sia (quasi) sempre una diluzione dei contenuti tale da smorzare qualsiasi entusiasmo. Dopo aver vissuto la miglior esperienza martiniana da diversi anni a questa parte con Il cavaliere dei Sette Regni, il ritorno di House of the Dragon riporta la nostra attenzione su quelle fragilità che hanno reso i colossi di HBO più problematici del previsto. La seconda stagione aveva deluso le aspettative proprio perché la promessa di un grande scontro si è risolta in pochi guizzi e tante, troppe attese. I nuovi episodi avranno il duro compito di riportare la serie sulla retta via, restituendo al pubblico quella Danza dei Draghi che da anni promette fuoco e sangue.

A giudicare dalle prime quattro puntate della terza season, che andrà in onda il 21 giugno su HBO Max e dal 22 giugno su Sky e NOW, la sensazione è che Ryan Condal e soci abbiano finalmente deciso di mollare gli ormeggi per entrare nella fase più cruenta della guerra tra Neri e Verdi.

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Quando l’ennesimo sequel arriva in sala, la domanda viene da sé: ne sentivamo davvero il bisogno? Toy Story 5 non ne è stato esente per ben due ragioni: prima di tutto perché la trilogia è stata, per i millennials, una vetta pixariana inarrivabile, un luogo in cui siamo cresciuti con e come Andy, davanti alle stesse scelte e paure; e poi perché Toy Story 4 non era il film che speravamo.

Ma al di là delle aspettative (e di un discorso soggettivo che lascia il tempo che trova), mancava la domanda alla base di ogni storia: cosa ci sta raccontando? Perché il problema di fondo di Toy Story 4 è stato l’avere ben poco da dire, tanto da non poter giustificare la propria esistenza come nuova avventura del gruppo di giocattoli più iconico del cinema d’animazione.

Capiamo bene che con queste premesse, avvicinarsi al quinto capitolo con scetticismo era inevitabile. Tuttavia Toy Story 5, al cinema dal 18 giugno con Disney Pixar, riporta l’asticella dove il quarto l’aveva lasciata cadere grazie a un’interessante riflessione sullo scorrere del tempo, sul nostro mondo che corre troppo, inafferrabile, tanto da non lasciare spazio a nulla, neanche all’infanzia.

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Poco prima della sua morte, il 3 giugno 1924, lo scrittore Franz Kafka aveva visto Il monello, il film della consacrazione del genio di Charlie Chaplin. È questo il curioso incipit di Last Movies, il documentario girato dall’artista e filmmaker britannico Stanley Schtinter e presentato in anteprima italiana lunedì 15 giugno, in Piazza del Popolo, all’interno del Pesaro Film Festival 2026: una serata dedicata ad un singolare omaggio alla settima arte, con scene di classici più e meno noti che attraversano quasi un secolo di storia del cinema. Qual è il fil rouge tra i vari film citati in Last Movies? Si tratta, come indicato dal titolo degli “ultimi film” visti da alcune importanti personalità del Novecento prima della loro morte.

Gli “ultimi film” per ridisegnare un secolo di cinema

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Due figure si stagliano alle porte di una fortezza. Sono una figura alta e smunta, su un cavallo bianco, e un’altra più tozza, corpulenta, bassa, in sella a un asino. Sembrano proprio le figure entrate nell’immaginario collettivo di Don Chisciotte della Mancia e di Sancio Panza. Ma questa storia non parla di loro - o, almeno, non lo fa direttamente. È infatti la storia di Miguel de Cervantes, la fervida mente che ha dato vita a queste due figure, l’autore che ha scritto quello che è considerato il romanzo più letto di tutti i tempi. È l’unica storia che Cervantes non ha mai raccontato: la sua. Ora la racconta Il Prigioniero, il nuovo film di Alejandro Amenábar, una co-produzione italo-spagnola presentata ai Festival di Toronto e di Torino e in uscita al cinema dall’11 giugno con Lucky Red.

Miguel de Cervantes e l’arte di raccontare

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Nell’autunno del 1977, Steven Spielberg segnava un passaggio fondamentale nella storia della fantascienza cinematografica con Incontri ravvicinati del terzo tipo: un progetto coltivato a lungo e portato a un enorme successo da un regista allora appena trentenne, ma che aveva già avuto occasione di entusiasmare il pubblico con titoli quali Duel, Sugarland Express e soprattutto lo strepitoso fenomeno de Lo squalo. A quasi mezzo secolo di distanza da quel primo, magnifico esempio di fantascienza umanista imperniata sul contatto con una specie aliena, il leggendario cineasta torna a frequentare il genere che, in varie declinazioni, l’ha accompagnato per tutto l’arco della propria carriera, e lo fa con un’opera che fin dal titolo, Disclosure Day, pone al centro dell’attenzione il suo basilare elemento narrativo.

Disclosure: la rivelazione di un segreto - e, nell’ambito specifico, la declassificazione di informazioni riservate sull’esistenza degli alieni. Non si tratta soltanto di un tópos della fantascienza a partire dalla sua “età d’oro”, ma di una questione dibattuta negli Stati Uniti fin dagli anni Cinquanta, fra teorie su cospirazioni governative e presunti X-Files. Il copione di Disclosure Day, firmato da David Koepp (collaboratore di Spielberg dai tempi di Jurassic Park), inizia proprio da qui, con un concitato incipit in medias res che vede Daniel Kellner, interpretato da Josh O’Connor, vittima di una serrata caccia all’uomo legata a un misterioso dispositivo di cui il giovane è entrato in possesso, e su cui un’agguerrita corporazione chiamata Wardex vuole assolutamente mettere le mani.

Un thriller sci-fi fra suspense ed empatia

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Dopo il disastroso universo cinematrogafico Sony dedicato ai cattivi di Spider-Man, ma senza la presenza dell'Uomo Ragno, c'è stata molta diffidenza sui progetti esterni ai Marvel Studios. Così quando Spider-Noir venne annunciato, ero abbastanza scettico. Questo prima del cambio titolo della serie tv, e della conferma di Nicolas Cage come protagonista. Il primo teaser mi levò qualche dubbio (Vi ricordate? Ne abbiamo parlato qui!), ma fu il trailer a trascinarmi completamente negli anni '30 di Ben Reilly. Spider-Noir è stata pubblicata in un unico blocco lo scorso 27 maggio in due versioni: quella Authentic Black and White in bianco e nero, ovvero come è stata pensata fin dall'inizio, e quella True-Hue Full Color, con una palette cromatica satura e vivida pensata, a detta dello stesso Cage, per i più giovani. Ora, dopo aver concluso la visione degli otto episodi, è giunto il momento di parlare di pregi e difetti di Spider-Noir: sarà un successo o un ulteriore caduta verso il baratro?

Il Ragno

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Richard Gadd sembra portarsi dietro una domanda come una zavorra. Un quesito che torna anche in questa nuova serie dopo il successo inaspettato di Baby Reindeer: cosa significa essere davvero un uomo? Non nel senso sociologico del termine, ma in quello più concreto e scomodo: cosa sopravvive di un uomo quando i conti con il passato non tornano?

Half Man è una miniserie in sei episodi, co-produzione HBO e BBC, girata a Glasgow. Gadd la scrive, la produce, la interpreta e stavolta lo fa con un corpo trasformato, ingrossato, tatuato. Al suo fianco Jamie Bell, che da Billy Elliott in poi ha sempre saputo abitare i corpi che cercano di liberarsi da qualcosa.

Una storia diversa

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